gustavo moral crítica

Nota biográfica

2009-12-31T12:55:00.001Z

Director del proyecto EducArte desde el que se editan materiales didácticos y produce propuestas escénicas para acercar todo tipo de música a niños, jóvenes y mayores (Cómo ir a la ópera... y no morir en el intento, Vivaldi on the Rocks, Mimorias de una orquesta, Los Viajes de Corchea, Cuento Contigo, Rasca y soplo…). Ha estrenado música para diversos medios: ballet, teatro y televisión (Carta de ajuste, Banners, Fuego amigo, Mínimo cuaderno mínimo, Spacio's, Banners). También ha realizado espectáculos audiovisuales y performances en España, Italia, Noruega, Estonia, Bulgaria, Alemania o Eslovaquia (Beethoven en abierto, Noche de luna y molienda, The End?, En Red, Volando, Welcome to the latest in modern pianos, Too god to be true, That was not the way…) Ha ilustrado libros infantiles y cómics. En el campo de la video creación ha dirigido videoclips musicales, creado video-instalaciones, producido audiovisuales en vivo para teatro, zarzuela, ópera o conciertos y ediciones en DVD sobre temas de divulgación musical. Colabora como ayudante de dirección en el teatro Campoamor de Oviedo en producciones ópera y zarzuela. Ha sido profesor de música, historia y teatro en E.S.O., miembro del grupo de trabajo internacional Consumer Citizenship Network, en Noruega, y del 'Groupe Express euro-èducation' de la Comisión Europea. Miembro del grupo de música contemporánea Enclaves, ha coordinado el festival de Música Contemporánea y Danza ‘Experimenta XXI’, la revista Encalves y comisariado las actividades y exposición del “Año Jesús de Monasterio”. También ha sido, durante más de diez años, crítico de música culta, danza y teatro en diversos medios locales y nacionales de prensa escrita.

“Barroco, ma non troppo”

2007-03-13T08:34:00.000Z

La Orquesta de Cámara “Vox Auriae de Brescia”, dirigida por Giancarlo de Lorenzo, protagonizó el lunes doce de marzo un concierto dedicado al barroco dentro de la programación de la Fundación Marcelino Botín. El público acudió en masa a la propuesta con un resultado, musicalmente hablando, desigual en las dos partes que compusieron el recital.

La primera mitad estuvo integrada por tres piezas en las que, sorprendentemente, nos quedamos con una sensación de debilidad musical en lo que a las intenciones del conjunto se refiere. Tanto fue así que, en la Sinfonía de Durante que abrió comino al resto de las piezas, la afinación y el empaste de las cuerdas destacó por su falta de criterio. El grupo de bajo continuo tampoco era capaz de dar interés a la vertiente rítmica de este repertorio a pesar de ser constante –el teclado no se escuchaba y tampoco había sido utilizado para afinar el ensemble- y el carácter global de al obra parecía indicar una especie de “sálvese quien pueda”. La Sonata de Scarlatti, algo más correcta a partir de su tercer movimiento, pero sin diálogo ni intención entre solista y acompañantes.

La sensación de desolación, al menos para quien les escribe, fue finalmente corregida con la aparición de las obras de Corelli y Vivaldi, especialmente con la llegada de la segunda mitad. No es que ahora todo diera un giro de ciento ochenta grado, pero al menos la entidad orgánica del grupo caminó con una misma intención, compacta y coherente. Mejor afinación, más empaste, una visión de las piezas global que permitía seccionarlas y apreciarlas en sus contrastes... No obtuvimos nada nuevo en lo que al repertorio se refiere, pero sí que apreciamos un mejor resultado comunicativo. La dirección de Giancarlo de Lorenzo la imaginamos eficaz como regente habitual del conjunto aunque sobre las tablas la voz cantante fue llevada, a nuestros ojos y oídos, por el concertino.

Una pena no haber recibido un concierto completo, pues es cada vez más infrecuente encontrarse con programas dedicados íntegramente al barroco, de forma especial a este tipo de piezas tan luminosas y que, a la vista de la asistencia del público, tan atractivas para todos. De todas las formas el aplauso masivo y la sensación de haber presenciado “algo muy hermoso” quedó en las palmas de muchos de los asistentes. Lamento no haber sentido lo mismo, ni por asomo en la primera mitad.

“El tenor y la bailaora”

2007-03-11T08:34:00.000Z

Sara Baras y José Carreras llenaron la Sala Argenta del Palacio de Festivales y lograron levantar de sus asientos a un público entregado y que ovacionó largamente el encuentro entre ambos artistas. Todo sucedió el pasado sábado en un espectáculo que fundamentaba su argumento en la figura de cuatro nombres propios del primer tercio del siglo XX y su relación con el flamenco; los compositores Albéniz, Granados y Falla, –ahí es nada- y García Lorca. Por el camino otras presencias como Guastavino, Carlos Gardel, Joseph Ribas o, en el territorio de los “bises” Joaquín Rodrigo y Agustín Lara.

La alquimia del espectáculo hace que, la busca de la quimera y el taquillaje, mezcle elementos dispares por ver qué sucede. Fusiones, ensaladas y mixturas que hacen que territorios en otro tiempo acotados, rompan sus fronteras –o al menos abran un huequito- para manejarse en tierras más extrañas. Pero está claro que hay un ingrediente que tiene mayor facilidad y permeabilidad para ser mezclado, seguramente por tener la capacidad de ser maleable y abierto para ello: el flamenco. En el último cuarto del XX y en lo que llevamos de este XXI hemos visto cómo este arte se acercaba al jazz, al rock, al pop, al rap, a la música tradicional de la India, de África. Pero en el caso del pasado sábado más que un paso hacia delante se vivió una mirada atrás en busca de la esencia del género en las composiciones de música culta. La compañía de Sara Baras, cuerpo de baile y músicos, esbozaron en sus intervenciones a solo diferentes cuadros que recogían temas universales de la música clásica que, en sus orígenes, hundían sus raíces en lo popular. Por su parte José Carreras interpretó canciones del repertorio señalado con mucha musicalidad y sabiduría. La misma música que derrochó el cuerpo de Sara Baras en las conjunciones con el tenor y en sus arranques de energía cuando hizo de la escena su territorio.

Los achaques de este espectáculo, al que confieso que tenía “más miedo que a un nublao” –prejuicios de haber presenciado más de un desastre en fusiones similares- quedan en simples anécdotas: la ineludible necesidad de amplificar la voz de Carreras, su estatismo escénico o la yuxtaposición de las escenas pesan un poco en la valoración del conjunto. Sí que tuvimos problemas, y graves en algún momento, con los criterios de afinación entre piano, guitarras y violín, cada uno por su lado. Pero la energía desbordada por el baile y toda la música sentida y manifestada mereció la pena. La voz del gran tenor, a pesar de no ser lo que fue, mantiene mucho de su esencia. No podemos valorar su estado en condiciones normales pues la microfonía y el volumen en la sala nos lo impiden. Más que de una gala lírica hemos de hablar de un espectáculo de otra índole. Así no nos pillamos los dedos.

“Anandamanía”

2007-03-06T07:49:00.001Z

Y no lo digo yo: este es el título de la pieza de Antonio Lanchares con la que Ananda Sukarlan cerró el concierto ofrecido en el Ateneo de Santander el pasado sábado. En otra situación, tal vez con otro pianista, tendríamos que hablar del privilegio que debe suponer dar título a una pieza musical especialmente escrita para alguien. Pero tengo la sensación de que el honor es para el compositor que tiene la suerte de ser “tocado” por este intérprete, asegurando así la vida y la difusión de su obra.

Hablamos de un pianista que pasa de puntillas cuando se anuncian sus conciertos en Santander, sin excesivas alharacas mediáticas pero asegurando siempre la calidad de sus propuestas y la fiabilidad del resultado musical en las mismas. Y lo mismo en multitud de escenarios, pues este músico sí que es de los que puede presumir de currículum y de haber tocado mucho por todo el mundo. Y eso de la profesión y la experiencia, créanme, que se nota.
En el concierto de sábado, un programa muy asequible con piezas aptas para todos los oídos. Haydn, Prokofiev y Ravel dentro de los clásicos y David del Puerto y Santiago Lanchares en los contemporáneos nacionales. En todos los casos un común denominador, además de las manos de su intérprete, en el sentimientos compositivo de las obras. Armonías amables, incluso en el lenguaje actual y un lirismo abierto dentro de una evidencia influencia, o presencia, del impresionismo. Se estrenó, de forma conjunta por primera vez, el ‘Cuaderno para los niños’ de David del Puerto. En su conjunto la obra es, igual que lo son sus partes, posible y cercana. Con Anandamanía nos situamos, en cambio, con un ‘perpetuum mobile’ a modo de tema y variaciones que pone a prueba las capacidades atléticas de los dedos del ejecutante. Emocionalmente nos transmite una tensión creciente que únicamente encuentra solución en su final. Ananda hizo bien todas las obras, especialmente bien las más cercanas a nosotros en el tiempo. El piano de este auditorio es grande y su sonido potente y duro lo que impidió demasiados matices. Pero en las obras más expresivas fue el vehículo perfecto.

“Negro sobre blanco”.

2007-03-04T07:48:00.000Z

En los últimos días el Palacio de Festivales nos ha ofrecido dos obras de teatro de signo bien distinto pero con un común denominador: la literatura vista desde la escena. La primera de ellas, hace un par de semanas, nos trajo el intimismo de Brian Friel con ‘Afterplay’; Blanca Portillo y Helio Pedregal sobre las tablas. El pasado viernes se presentó ‘El Chico de la última fila’, escrita por Juan Mayorga y dirigida por Helena Pimienta. Siempre se han dicho que las comparaciones son odiosas, pero en ocasiones, como es el caso, su cercanía en el tiempo y la constante presencia de los grandes autores rusos las hace inevitables.

La producción de ‘El Chico…” no es redonda en su factura, pero sí que tiene mucho acierto en la dimensión dramática, en su contenido y en el trabajo desarrollado por sus dos intérpretes principales. Los flecos que la impiden ser más perfecta están en el torpe empleo de la música y en una iluminación caótica en muchos casos, barroca en su concepto pero difícilmente llevada a cabo. En la otra mitad está el asunto de la obra, un complejo entramado dramático que va tejiendo el argumento y creciendo hasta llegar a su final, abrupto. Creímos que íbamos a ver una obra con asuntos relacionados con la educación, pero el elemento crucial de la pieza no está en la relación profesor-alumno sino en la dimensión literaria de la creación. En el hecho de escribir frente al de vivir. Muy interesante en todo caso.

Ramón Barea y Carlos Jiménez-Alfaro presentan unos caracteres creíbles y bien manejados en lo escénico por Helena Pimienta. El tono de la obra es actual con un lenguaje claro y directo. Algunos elementos quedan desarticulados –más allá del dúo protagonistas- y sin fuerza, tal vez por cierta apatía expresiva en la interpretacón. Nada grave en un entorno que inspira la confianza suficiente como para adentrarse en él.

Sobre la otra obra, ‘Afterplay’, los parámetros son completamente distintos. La puesta en escena se cuida mucho más –iluminación, espacio escénico…- en una proposición mucho más intimista y clásica. La actuación de Blanca Portillo y Helio Pedregal es eficiente en todos los aspectos. Pero para quien les escribe, el argumento de ‘Afterplay’ se sitúa en una situación argumental tan exclusiva que puede caer en lo aburrido. Se organiza el discurso en el encuentro de dos personajes de Chejov en un encuentro casual, dentro de una situación espacio-temporal ajena al mundo. Imagino que, para adentrarse en esta obra y disfrutar más su contenido, sea necesario tener muy cercanos y vividos ambos títulos. El drama, el conflicto, no aparece en este escenario sino en los otros y el paseo por la obra no es más que eso: un paseo.

Dos obras bien distintas, dos producciones conceptualmente alejadas pero un universo literario que las une. Negro sobre blanco.

“Cuatro puntos de un cuarteto”

2007-02-28T07:47:00.000Z

Las ciudades de Praga, Varsovia y Budapest fueron la excusa programática que, la Fundación Marcelino Botín, aprovechó para ofrecernos un muy interesante concierto, encargado al cuarteto Talich, dentro de su actual proyecto de Conciertos Didácticos.

Cuatro son los puntos de los que es imprescindible hablar tras haber asistido a este encuentro. El primero: la enorme categoría musical de cada uno de los miembros de la agrupación, músicos de la cabeza a los piés que se entregan de forma absoluta a una partitura que entienden y traducen con la sencillez que implica toda su sabiduría. En segundo lugar es necesaria una especial mención al sonido de los instrumentos con los que nos visitaron los cuatro músicos. En el programa de mano no figuraba la edad de los músicos sino el año de construcción de cada uno de los instrumentos de cuerda, y no es para menos pues ellos, los dos violines, la viola y el violonchelo, llevan haciendo música desde antes que naciera Mozart. Han sido protagonistas del final del barroco, del clasicismo, del romanticismo, del nacionalismo, de todo el siglo XX... haciendo sonar cada pieza en el tiempo en la que fue compuesta. Ahí es nada.

Un tercer aspecto es, indudablemente, el criterio en la selección del programa propuesto. Tres obra mas una propina. En la primera mitad el aperitivo para limpiar oídos y preparar al público para el resto de la escucha con los ‘Dos Valses’ Op.54 de Dvorák, que fueron seguido por el ‘Cuarteto’ de Lutoslawsky, una pieza interesante por su forma compositiva que articular la creación de texturas en base a unas normas escritas. Una pieza dura y que comprometió al público a las sonoridades experimentales de la segunda mitad del XX. El guante fue recogido del suelo y la audiencia entendió la apuesta atendiéndola con un caluroso aplauso. En la segunda parte, además del ‘bis’ en forma de Tchaikovsky, uno de los cuartetos de Bela Bartók, el Op. 7, nuevamente explicado con magistral conocimiento de la pieza y una factura impecable.

Por último, y en cuarto lugar, el público que acudió a este concierto, llenando hasta la bandera el aforo del escenario de Pedrueca, incluso quedando muchos de ellos en pié durante toda la velada. Cuatro puntos de un cuarteto que mereció, sin dudarlo, un diez.

“Lleno para la Arteta”

2007-02-26T07:46:00.000Z

El Palacio de Festivales registró un lleno absoluto el pasado sábado con motivo de la presencia, en su escenario de la Sala Argenta, de la soprano Ainhoa Arteta. A su lado la Orquesta Sinfónica de Bilbao bajo la dirección de Enrique Patrón de Rueda con un programa que contemplaba obras de Mozart, Rossini, Bellini, Gounod, Verdi, Puccini, Mascagni y Catalani.

La voz de la soprano de Tolosa sufrió una interesante evolución a lo largo de la noche; no sabemos si a causa del concepto marcado por el programa o de carácter simplemente físico. En sus primeras tres intervenciones tuvimos cierta sensación de oscuridad y falta de claridad en la vocalización en los motivos de “Le Nozze...” e “I Capuletti...”. Un afectación que, sumada al equilibrio vacío de emoción de la Sinfónica, nos dejaron una primera mitad sin pena ni gloria, calificable incluso de aburrida. Después del descanso la cosa cambió, tanto para los instrumentistas como para la cantante; bien es cierto que las obras elegidas eran más reconocibles por el público, más significativas y con muchos capítulos de emoción a lo que hemos de sumar que el registro de la Arteta apareció mucho más claro y expresivamente abierto. Entre unas cosas y otras encontramos mayor interés en la segunda mitad que se prolongó con un par de bises, entre los que estaba el ‘O mio babbino’ caro de Gianni Schicchi y la “excusatio non petita...” que la soprano pidió por el aplazamiento de este encuentro con el público Santanderino.

La dirección de Patrón de Rueda estuvo muy atenta para acompañar a la solista. Cuando sus músicos eras los protagonistas, -cosa que sucedió en la mitad de las piezas interpretadas a solo por la orquesta-, mantuvo un tempo “demasiado preciso”, buscando la fuerza de transmisión en ciertas dinámicas forzadas hacia el extremo.

Por otro lado, ya lejos de las consideraciones musicales, dos fueron los vestidos lucidos por Ainhoa Arteta en el transcurso de la noche, uno blanco y otro negro más flamenco. En esto sí que hubo equilibrio.

“Jóvenes y valores”

2007-02-20T14:46:00.001Z

El ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Marcelino Botín nos ofreció en la noche del lunes un concierto protagonizado por el grupo ‘Fermata de Paradores’, una agrupación joven en edad pero realmente interesante en lo que a resultados musicales se refiere.

El programa que ofertaron no tenía, sin lugar a dudas, demasiado espacio para las concesiones. Dificultad y exigencias en tres obras rotundas pero, y eso demuestra un concepto interesante tanto en la educación como en las expectativas del grupo, escritas por sus respectivos autores al comienzo de su catálogo, cuando también ellos eran jóvenes.

Todos los elementos musicales encontrados en este concierto aparecieron expuestos, uno por uno, con acierto y mucho gusto. Les hablamos de la inmensa preparación técnica de cada uno de los integrantes del trío en su disciplina. Igualmente el sonido conseguido fue tajante, hermoso y con encuentros realmente sublimes. La coordinación, el empaste, la dirección de la música, el dialogo... como quieran ustedes llamar la habilidad para estar en acuerdo a la hora de hacer música, fue la precisa para lograr el éxito, rotundo, conseguido.

El camino emprendido por estos músicos es largo. Afortunadamente sus interpretaciones tuvieron de todo pero pueden llegar a crecer en la profundidad que únicamente la madurez y experiencia les puede dar. Y les digo ‘afortunadamente’ porque al escuchar una interpretación musical, el que les escribe, disfruta también con los matices que el paso del tiempo permiten a los músicos emplear la técnica para comunicar desde su corazón. Estos chicos ya nos han dicho mucho, pero lo interesante será ir viendo qué más nos cuentan a lo largo de su trayectoria.
El público, que a pesar de que siempre aplaude una interpretación cuando se encuentra con algo de esta categoría lo hace con más intensidad, ovacionó a los intérpretes y les hizo salir a escena una y otra vez. No fue un acto de cortesía sino de merecida justicia.

“Lo mejor en Mussorgsky”

2007-01-31T15:41:00.000Z

El Ciclo de Conciertos Educativos que la Fundación Marcelino Botín ha programado para este año 2007 bajo el lema ‘Música, Ciudades, Estilos’, tuvo su segundo capítulo el pasado lunes con el encuentro dedicado a la ciudad de San Petersburgo del pianismo del músico búlgaro Ivo Varbanov. Para lograr el objeto de estos encuentros y hacer que la música nos transportara a la ciudad rusa llamada en otro tiempo Estalinagrado y Petrogrado el programa se confeccionó en torno a la obra de los creadores rusos Shostakovich, Prokofiev y Mussorgsky.

La primera parte del concierto, en la que escuchamos tres ‘Preludios y Fugas’ del conocido Opus 87 de Shostakovich empezó de forma levemente insegura por parte del intérprete. Una sensación también traducida en las ‘Visiones fugitivas’ de Prokofiev en menor medida pero que nos dejó un punto de inquietud en la resoluciones de algunos de los pasajes. Puede que la falta de atención provocada, en ocasiones, por ruidos desde el público o la necesidad por parte de Ivo Varbanov de sujetarse a la partitura impresa hicieran que esta primera mitad desluciera el resultado del concierto sobre todo si lo comparamos con lo sucedido tras el descanso. Los ‘Cuadro de una exposición’ de Mussorgsky se presentaron nítidos en una versión personal y llena de energía. Aquí Varbanov desplegó toda su técnica y su sabiduría musical en una obra que exige contraste y color en sus diversas secciones. De todo ello tuvimos en una visión realmente pictórica de la obra de Mussorgsky.

El próximo capítulo de esta serie tendrá como título ‘Desde Montserrat’ y traerá a la sala de Pedrueca a la mezzo Elena Gragera acompañada por Antón Cardó al piano, interpretando piezas de Sebastián Durón, Pablo Esteve, Blas de la Serna, Diego Pisador, Juan Vázquez, Antonio Soler, Federico Mompou, Xavier Montsalvatge. La cita el lunes 12 de febrero.

“Teatro infantil abierto al público”

2007-01-29T15:44:00.000Z

La compañía cántabra de teatro ‘La Machina’ mantiene en los últimos años una actividad continua y constante repartiendo sus propuestas entre las destinadas al público infantil y las concebidas para el general. Algo que no pretende indicar que sus producciones infantiles no contemplen a los más mayores en las butacas, sino al contrario parecen escogidas también pensando en ellos. El pasado sábado el Palacio de Festivales acogió el estreno de la última producción de este tipo, teatro infantil abierto al público: ‘Robinson y Crusoe’, de Nino D’Introna y Giacomo Ravicchio.

Como suele ser habitual, La Machina volvió a confiar la dirección escénica a Carlos Herans (La danza del sapo, La casa imaginada o Pinocho Circus), conocedor de lo que sucede más allá de nuestras narices y especialista en teoría y práctica de teatro para pequeños. La ternura de Herans encuentra un buen vehículo para ser comunicada en obras como esta de de Introna y Ravicchio, hija de un tiempo pasado que miraba con optimismo el futuro posible que se podría lograr con el esfuerzo de muchos. Ahora, años después, cierto sabor amargo nos recuerda que todos aquellos sueños parecen pesadillas, y donde estaba Vietnam ahora hay Irak, y donde fue la bomba atómica leemos del efecto del calentamiento global. Pero la capacidad de seguir luchando sigue viva en algunos.

La pieza nos habla de dos personajes, encarnados por Fernando Madrazo y Luis Oyarbide, en su encuentro casual en un mundo devastado. Multitud de símbolos nos informan de guerras, de bandos enfrentados… pero las palabras no pierden el tiempo en esos detalles sino que ahondan en la posibilidad o no de lograr comunicarse, de forjar una amistad más allá de las diferencias culturales, lingüísticas… ¿ideológicas? Ojalá. Nos recuerda a las crónicas de guerra de Gila, o aún mejor, al Pic-nic de Arrabal pero con un final muchos más optimista.

Fernando y Luis, Madrazo y Oyarbide generan una relación escénica que funciona muy bien, creciente y cargada de pantomimas, de teatro del absurdo, de clowns y hasta de baile. Un abanico de posibilidades que va atrapando a los espectadores en dos personajes cercanos y muy bien definidos. Entrañables y capaces de arrancar carcajadas y alguna lágrima de los espectadores como quien les escribe.

“Música y acuerdo”

2007-01-24T15:45:00.000Z

El Ciclo de Jóvenes Intérpretes de la Fundación Marcelino Botín comenzó este año 2007 con la presencia, en el escenario de Pedrueca el pasado lunes, del Cuarteto Mendelssohn BP. Se trata de una formación de cámara nacida del “vivero de músicos” en el que se ha convertido para nuestro país la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Y es que muchos son los alumnos de esta prestigiosa institución que deciden consolidad grupos camerísticos con el objetivo de hacer de ello una profesión.

No es, desde luego, una tarea fácil la de vivir de la música pero en el concierto que nos ocupa intuimos que los cuatro integrantes de la agrupación tienen la madera necesaria como para construir interpretaciones interesantes. Al menos así quedó demostrado en gran parte del concierto: como en el hermoso Adagio del Cuarteto en Sol mayor KV 156 de Mozart o en el capítulo dedicado a Mendelssohn, especialmente en sus dos movimientos finales. La energía que la juventud conlleva se conjugó con un buen oficio técnico y muchas ganas de hacer música. Claro está que hace falta mucho más diálogo entre las partes y miradas cómplices no únicamente para poder terminar a un tiempo sino para hacer entender al público lo que dice la música “hacia dentro”. Algo que se evidenció en la pieza de Webern o en algún momento más dubitativo del propio Cuarteto en La menor del compositor del que ha tomado el nombre este cuarteto.

Más allá de la música, es reseñable apuntar la lección que la música y los músicos dejan muchas veces en el aire para aquel que la quiera atrapar: cuatro estudiantes procedentes de tres continentes distintos, cada uno con su historia y su propia lengua son capaces de llegar a un acuerdo para crear arte... y para hacerlo bien. Es lo universal de la música. Ojalá el ejemplo cunda en otras facetas de nuestro mundo tan en desacuerdo.

“¡Pasen y vean!”

2007-01-19T15:43:00.000Z

La programación 2007 del Palacio de Festivales de Cantabria se ha puesto en marcha con la presencia en el escenario de la Sala Argenta del que ha sido el musical que más éxito ha conseguido jamás en nuestro país: ‘Cabaret’. Desde el pasado jueves hasta el próximo domingo siete serán las representaciones de esta propuesta en el escenario de la Sala Argenta, a buen seguro con el cartel de “lleno” en su puerta.

Hace unos años tuve la oportunidad de asistir, en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid, a una función de esta obra. Allí las confortables butacas se habían trasformado en unas no tan cómodas sillas con mesita que hacía que no se supiera donde empezaba y donde terminaba el “Kit Kat Club”. Los personajes protagonistas de esta obra también eran distintos a los que ahora se encargan de esta gira. Pero en esencia el espectáculo era el mismo: uno de los grandes.

He de reconocer que en el cambio de los actores principales eché de menos la arrolladora presencia escénica de Asier Etxeandia en el papel de Emcee, no porque Victor Masán no estuviera convincente en este rol, sino porque el primero logró encarnar una personaje antológico y pleno en todos los sentidos. Donde sí que salimos ganando en el cambio fue con la comodidad de las butacas y con la llegada de Marta Ribera y Jesús Cabrero a los papeles de Sally Bowles y Cliff: mejora en lo dramático en el que sustituye a Manuel Bandera y en lo musical con la sucesora de Natalia Millán.

El concepto de la obra dulcifica y simplifica la película de Bob Fosse que universalizó este espectáculo nacido en Broadway a finales de los años 50. Un título que casi se ha convertido en sinónimo de musical y que mantiene al público pegado a su butaca durante casi tres horas de espectáculo. Actuar, bailar, tocar o interpretar se mezclan sobre el escenario con un ritmo trepidante, aunque en algunas de las escenas “teatrales a palo seco” recordáramos cierto aire zarzuelero. Un musical a nuestro estilo.

Pero los número con música encontramos lo mejor de este Cabaret, en lo que concierne a las coreografías, la fiabilidad vocal de todos (o casi todos) sus intérpretes y al resultado visual de la propuesta, donde empieza y termina el espectáculo. La banda de música en directo es “divina”, como dice la traducción al castellano de esta obra, y es justo reconocer el gran trabajo musical y de sonorización que tuvimos en la sala Argenta el pasado jueves. Una producción histórica por su larga estancia madrileña y por la espectacular gira que les hará visitar casi 30 ciudades por toda España.

El último número del show impresiona y se deja sentir a nivel emocional. Poco a poco, a medida que la trama va tiñendo de tragedia a los personajes en el presentimiento de la llegada del nazismo, el Cabaret se desnuda de color y se presenta devastador y desolado. Con los últimos segundos una chica que tenía sentada a mi derecha se llevó las manos a la cara y comenzó a llorar. A mí no me pasó lo mismo en Santander... porque ya me había sucedido en Madrid.

“La gira de los de Rostov”

2006-12-31T11:31:00.000Z

La Orquesta Sinfónica Estatal Rusa de Rostov, formación dirigida por el castrense Ramón Torrelledó, visitó estos días Cantabria en una serie de conciertos extraordinarios organizados por Caja Cantabria con motivo de las fiestas de Navidad. Torrelavega, Santoña, Reinosa y Castro Urdiales fueron los escenarios elegidos para ofrecer un programa interesante y muy bien acogido por el público.

La variedad de estilos de las piezas elegidas estuvo marcada por la intención de ofrecer una paleta de colores orquestales rica y bien trabajada. Y es que si hace unos meses, tras comentar la presencia de la Sinfónica Estatal Rusa hablábamos de que “no todo era impecable musicalmente hablando” ahora tenemos que ‘recoger velas’ y aseverar que en esta ocasión los músicos de la OSER ofrecieron una visión de cada una de las obras expuestas dentro de unas coordenadas de impecable factura. En lo relativo al concepto global de las piezas y en la seccionalidad de las mismas: buen empaste y buenos solistas.

Gran parte de la “culpa” de este éxito es debida al trabajo de Torrelledó, desde el esfuerzo y la entrega del día a día y con las riendas bien cogidas al enfrentarse a un directo. También estuvo presente en esta gira navideña la soprano Irina Starodubtseva, conocida por el público de Santander tras su hermosa participación en el Réquiem mozartiano del pasado octubre; en esta ocasión ofreció el Aria de Micaela de la Carmen de Bizet y el ‘Mi chiamano Mimí’ de la Boheme Pucciniana. El joven percusionista Valeriy Tsytsylin, por su parte, sorprendió con el Scherzo de Anderson.

Quien les escribe tuvo la oportunidad de seguir el concierto ofrecido en Castro Urdiales. Allí la iglesia de Santa María se llenó hasta la bandera, y el director de orquesta local recibió un homenaje de su localidad natal. Doblemente: en forma de placa y con el apoyo del público.

“Quitándose el sombrero”

2006-12-26T10:44:00.001Z

El Coro Lírico de Cantabria abandonó, por unos momentos, su escenario habitual de la ópera escénica para atreverse con un programa complejo y alejado de su repertorio usual. Cambiaron las óperas por canciones de autores cántabros o lo que es lo mismo la grandilocuencia escénica por la cercanía que impone un recital ‘a capella’. El escenario elegido: el salón de actos de la Fundación Marcelino Botín el pasado jueves.

La apuesta tenía un punto de riesgo si atendemos a las características de la formación dirigida por Esteban Sanz y a las exigencias del programa, pero la entrega, y a la vista de los resultados, el trabajo de los integrantes de este coro permitieron que el resultado fuera un interesante concierto en el que nos encontramos con momentos muy interesantes y bien presentados. Los cambios de disposición espacial nos permitieron escuchar distintos matices de la misma formación y el planteamiento de cada obra nos mostró intenciones diversas pero siempre desde una perspectiva musical muy alta. Nos encandiló la Cantiga Santa María de Dúo Vital, el acogedor Amen del Ave María de Samperio, las obras de José Ignacio Prieto o la transmisión recibida en toda la segunda parte. Es justo señalar que algunos momentos necesitan de más precisión, pero de la misma forma hay que aplaudir el concepto del concierto y la realización del mismo. Con el sombrero quitado.

La propuesta se suma a la serie antológica que la Fundación Marcelino Botín dedica a los compositores cántabros mediante conciertos que, posteriormente, se convierten en publicaciones discográficas. En esta ocasión el carácter antológico tenía una presencia más evidente pues la selección de obras y autores reflejaba tanto el pasado como el presente y futuro de la composición coral en nuestra comunidad. La primera parte estuvo dedicada a obras de los autores más clásicos y la segunda a los activos en la actualidad. Un cambio en el orden del programa hizo que el estreno absoluto del ‘Liber scriptum’ de Emilio Otero sucediera –como era más lógico- al final de la primera mitad a pesar de estar anunciado como inicio de la segunda. Se trata de una obra ambiciosa y muy sinfónica en sus planteamientos. Comparable en su énfasis compositivo con alguna de las grandes obras corales de la Historia de la Música –Carmina Burana, Réquiem de Verdi- sirvió en su dificultad como ‘test de salud’ para el Coro Lírico y como homenaje de su autor al fallecido profesor Pedro Terán. Un homenaje que no carga las tintas en el dramatismo sino en la seriedad compositiva y la solemnidad sonora. Imaginamos la intención de su autor de dar sustento orquestal a esta partitura en la que, en sus silencios, percibíamos redobles de timbales y énfasis de trompeterías no existentes.

También escuchamos piezas de Juan Jáuregui, José Manuel Fernández, Jesús Carmona o el propio Esteban Sanz, todos presentes en la sala. Si bien es cierto que no estaban todos lo que son, sí que eran todos lo que estaban, mostrándonos el excelente buen gusto y criterio de estos creadores capaces de destilar obras muy bellas y asequibles dentro de una evidente diversidad de estilos.
Aprovecho este último párrafo para, como cada año, desearles unos felices días y, ya que hablamos del Coro Lírico de Cantabria, felicitar de una forma especial los primeros diez años de su existencia. Muchas gracias por todo, a todos vosotros.

“Montserrat(iade)”

2006-12-10T12:28:00.000Z

Máxima expectación y lleno absoluto de público para la clausura de la XI Temporada Lírica del Palacio de Festivales con la presencia de Montserrat Caballé, su hija Montserrat Martí, el tenor Albert Montserrat y el piano de Manuel Burgueras.

He de confesarles que acudí a este concierto con muchas ganas de escuchar la propuesta pero con el punto de desazón que me provoca este tipo de recitales, pues cuando uno se acerca a una voz de las más importantes en el mundo de la lírica siempre tiene la duda de ver hasta que punto eso continúa siendo así con el paso del tiempo. Créanme que es un compromiso tener que dar la opinión propia, como en más de una ocasión ha sucedido, en contra del sentimiento popular, quedando como mal educado y un desagradecido. Pero en este caso no va a ser así. La voz de Montserrat Caballé sigue conservando el fondo y la forma que siempre tuvo y, a pesar de que ella misma quiso disculpar “su poca voz”, fue capaz de atreverse con un programa comprometido. La elección de las piezas no cedió ante un repertorio de esos “populistas” que muchas veces se nos ofertan en las galas líricas, sino que decidió montar una primera parte más seria, adecuada a sus características vocales y comprometida con sus gustos y afinidades: Donizetti, Puccini, Délibes... En la segunda mitad hubo espacio para la zarzuela, la broma y la cercanía con el público. Muy bien organizado. Después, claro está, los bises con el rossiniano canto de los gatitos y un público puesto en pié para festejar el concierto.

Montserrat Martín nos mostró una voz grande y un punto indómita. Tiene buen gusto en las dinámicas suaves pero en el agudo más potente pierde la capacidad de control sobre ella con algunos momentos de cierta estridencia. Por su parte el tenor Albert Montserrart ofreció momentos muy intensos con una voz pura y timbrada a la que lo único que perjudica para ser redonda es el toque nasal que acompaña al canto. Manuel Burgueras custodió y acogió el canto con un trabajo paciente y muy atento. Le tocó jugar el papel secundario de la gala pero demostró ser un pianista acompañante de primera: el escogido por la gran cantante para sus conciertos.

Al final tuvimos la sensación de cercanía de una velada íntima en la que cuatro amigos se juntan para hacer música y a la que nos pudimos colar con nuestra entrada. Una especie de “schubertiade” moderna, si me permiten el juego de palabras: una “monsterratiade” que gustó a muchos y no defraudó las expectativas.

“Los pequeños cantores”

2006-11-19T12:27:00.000Z

Las entradas se vendieron todas y la sala Argenta presentó un rostro lleno de caras jóvenes deseosas de escuchar, en directo, a los afamados y cinematográficos Chicos del Coro:‘Les Choristes’ en francés original, y que realmente son ‘Les Petits Chanteurs de Saint-Marc’, coro de la Basílica de Fourvière de Lyon, y las voces de la película de Christophe Barratier. La cita tuvo lugar el viernes por la noche, entre las dos funciones de la ópera Eugene Onegin.

Dirigidos por su fundador, Nicolas Porte y acompañados por el piano de Dominic Faricier, nos ofrecieron un concierto que estuvo dedicado, en su primera parte, a algunos de los temas más hermosos de la liturgia escritos para voces blancas. Un repaso que no olvidó el sublime canto ‘Nigra sum’ de Pau Casals o el ‘Ave María’ de Caccini. Mozart, Rossini o Haydn también aparecieron en este inicio en el que pudimos comprobar la calidad evidente de estos jóvenes intérpretes, desde la austeridad escénica pero con un buen empaste vocal de todos ellos. Algo que nos hace confirmar que la gira que esta agrupación realiza tras el éxito de la película que les lanzó a la fama es acreedora del lanzamiento cinematográfico pero ampliamente justificada por su calidad musical.

Como no podía ser de otra forma, el final del primer tramo del concierto lo protagonizó uno de los temas de la película que el público acogió con murmullos, no de aprobación sino de reconocimiento: sabían cual era, vamos. Tal vez muchos esperaban un concierto integro dedicado a la banda sonora original, pero eso además de ser breve –los temas musicales de la misma son, como es de ley en cualquier música para el cine, recurrentes- nos hubiera quitado la oportunidad de disfrutar con casi dos horas de todo tipo de composiciones.

En la segunda parte, tras el descanso, propuestas más variadas. Desde composiciones muy amables y divertidas sobre temas orientales a otras firmadas por el director del coro o el pianista que les acompañaba dentro de la estética neoclásica, minimalista y muy fresca que estamos recibiendo de Francia como herencia del impresionismo, del minimalismo o de la ‘chanson’ parisina en un envoltorio más popular si cabe. Como colofón el esperado ‘medley’, los ‘higlights’... lo que en español llamaríamos ‘ensalada’ acudiendo a nuestro renacimiento musical, de Les Choristes. Aquí tuvimos anécdota con el desfallecimiento de una de las voces. Un susto más para el público que para los cantores y un colofón, el musical, muy aplaudido y disfrutado por todos.

“ Onegin en blanco y negro”

2006-11-17T12:27:00.000Z

El Palacio de Festivales estrenó el ‘Eugene Onegin’ de Tchaikovsky dentro de la programación de la XI Temporada Lírica. Una propuesta con cierto riesgo conducida por la mano de Gian-Carlo del Mónaco en lo escénico y con la batuta de Jorge Rubio desde el foso.

Del Mónaco, uno de los directores escénicos más reputados de los últimos años, sigue siendo un maestro en lo que a movimiento, o quietud, de los espacios se refiere. Analiza cada obra y la disecciona para luego volverla a montar con un evidente sentido musical pero, sobre todo, con un profundo conocimiento de lo que es la escena. Sabe lo que quiere y lo hace de forma clara y concisa. Apreciamos un profundo trabajo de todos los intérpretes en lo que actuación se refiere. Como no puede ser de otra forma, se convierten en figuras de ajedrez que van evolucionando en una partida sobre un tablero en blanco y negro. Blanco de nieve y negro de nieve negra. Las fichas, perdón: los personajes también son blancos y negros en vestuario y caracterización, salvo el protagonista masculino, Onegin, que de cuadros y color acaba perteneciendo a uno de los dos colores, el negro de la desilusión y el desamor.

El concepto dramático hace que las cinco primeras escenas de esta ópera se sucedan sin solución de continuidad en un mismo espacio tanto escénico como temporal. La intención es buena y funciona dramáticamente, no sin dejar notar en algún momento cierto peso para el público. El espacio, les decía, es un bosque desnudo que irá cubriéndose de negro para situar el último acto de este Onegin. El estatismo y dimensión vertical de la escena tiene su correspondencia en el tratamiento del coro y de los solistas cuando no intervienen directamente en la acción: movimiento congelado o movimiento recurrente en estos casos provocando un valor específico de las figuras humanas muy interesante desde el punto de vista expresivo.

Del Mónaco también nos sorprende y emociona en muchos breves detalles aplicados a la propuesta, les hablo por ejemplo de las cartas –las blancas y las negras- que se cuelgan sobre los árboles para proclamar el amor, o del simbólico gramófono en el que suena la primera intervención del coro y que también hace circular una vela encendida en una sugerente escena de Tatiana. Vela omnipresente y metafórica de la vida y del amor, del fuego de la pasión o de la luz que ilumina tan solo a unos pocos.

Disculpen si mis palabras abundan en lo visual y no en el sonido, pero en esta producción todo lo que sucede sobre el escenario tiene mucho que decir y la calidad de lo visto fue tan impactante que así lo quiero atestiguar. Pero hablemos de la música.

Los solistas conformaron un grupo compacto y muy regular en lo vocal, exceptuando la extraordinaria presencia y calidad del tenor Serjhei Homov en el papel de Lenski. Despuntó sobre sus compañeros con una voz rica y potente, pero especialmente dotada de presencia y mucho control. Estamos tan acostumbrados a escuchar tenores que descompensan los elementos que conforman un buen timbre que resulta casi un honor encontrarnos con un registro tan pleno y equilibrado. Markus Butter, por su parte, hizo un Onegin correcto pero menos brillante de lo esperado desde su carácter de barítono. Tatiana, Elena Prokina, gustó mucho, especialmente en la cercanía de las dinámicas más suaves y Dragana Jugovic –Olga en esta ópera- nos brindó una voz potente y dramática pero con algunas veladuras en su desarrollo. Todos ellos, en mayor o menor medida, pagaron en algún momento el peso de la escena, al tener que, por exigencias del guión, proyectar su voz hacia el fondo o los laterales. Pero el precio más alto fue abonado por el Coro Lírico de Cantabria, oculto al fondo del escenario o empleado como elemento escénico: quietos o balanceándose de forma regular pero constante. Una utilización que, en este caso, nos impidió escuchar bien sus primeras intervenciones. Hace unos años, cuando Del Mónaco nos ofrecía en esta misma sala su Lady Macbeth también el coro participaba de este modo en muchas de las escenas. Será una marca del autor. En cualquier caso, salvando la parte primera que, al parecer, tendría que haberse oído más, esta particular forma de organizar la escena funciona como les decía al comienzo y lo hace muy bien.

La orquesta, la Sinfónica de Navarra, estuvo dirigida por Jorge Rubio con discreción y algún tropezón en la sección de viento. Todo al servicio de la escena. Como ven una producción muy interesante a la que, desafortunadamente, en su estreno no acudió el público en la medida que siempre es deseable. Imagino que muchos de los “aficionados a la ópera” no entiendan como interesante un título tan hermoso como este. Y es que no solo de Verdi o Puccini vive el hombre.

“Chanson y cubismo”

2006-11-17T12:25:00.000Z

La Fundación Marcelino Botín nos ofreció, el pasado miércoles, un hermoso recital que estuvo dedicado a las posible relaciones entre el cubismo pictórico y la música. Montserrat Obeso y Rosa Goitia fueron las encargadas de hilar el asunto en un puñado de canciones muy hermosas y que mantuvieron al público atento y entregado a lo largo de todo el programa.

Dos formas de entender el canto se conjugaron en el concierto, por una parte la “chanson” parisina, más que francesa, de Satie y Poulenc y del otro la musicalidad estridente del siempre rompedor Stravinsky en sus años parisinos. La elegancia interpretativa estuvo presente en las interpretaciones escuchadas sobre el repertorio cantado en francés. Una naturalidad, algunas veces como en ‘La diva de l’empire’ no exentas de picardía y que permitieron el disfrute con el timbre de Montserrat Obeso. Fue con este repertorio cuando la soprano lució su potencia y, especialmente, la pureza de voz de la que es poseedora en los agudos. Agilidad y buen gusto combinados para un repertorio que entiende y hace comprender a los que le escuchan. Con las canciones en ruso, las de Stravinsky, tal vez algo menos de fortuna en unos desarrollos a los que faltó un punto de contraste en versiones muy tajantes y en el límite. Pero ya saben que estos aspectos siempre van relacionados con el gusto de quien los escucha. Muchos de los que lo hicieron no compartirán este punto en concreto, y seguro que también tienen razón.

Tras el programa escrito, un par de propinas en forma de chanson, entre ellas y como colofón ‘Les chemins de l’amour’ de Poulenc, una de las melodías más bellas jamás escritas y que como tal fue tratada.

“Al hilo de la música”

2006-11-12T07:40:00.000Z

Hace ya cinco años que la ‘Compañía Nacional de Danza 2’, que dirige Nacho Duato junto a Tony Fabre, visitó por primera vez Santander. Esta semana que ahora concluye lo hizo de nuevo para reafirmar su peso específico como escuela de futuro y como reflejo del presente. Dos fueron las fechas en las que les pudimos ver en el Centro Cultural de Caja Cantabria en Santander con un programa integrado por tres coreografías distintas.

La apuesta que Nacho Duato hizo para la que se tiende a tratar como “la hermana menor de la Compañía Nacional de Danza” ha ido convirtiéndose en un sólido proyecto cultural que de “menor” tan solo tiene la edad de sus integrantes pues la categoría artística de esta agrupación es muy alta. Así lo demostraron en su paso por Santander y así también lo entendió un público que llenó el aforo del escenario de Tintín con su presencia y aplausos prolongados y entregados.

‘Remansos’ fue la primera coreografía que nos trajeron los de CND2: un trabajo coreográfico de Duato. Casi con eso podríamos definir toda la pieza pues el talento de este coreógrafo y bailarín ha logrado asentar un lenguaje personal que hunde sus inquietudes en el profundo conocimiento de la música que emplea para organizar el cuerpo. Ver sus coreografías es algo similar a analizar la música y hacer presentes los episodios musicales, temas, melodías, modulaciones y cualquier otro elemento propio de la partitura. Para ello es exigible, además de la técnica de los bailarines, una precisión y musicalidad que brotó de sus intérpretes sobre el piano de Granados. Buen gusto, reflexión e intimidad en estos ‘Remansos’ que dieron paso a un episodio algo más inquietante.

‘Instrucciones para dejarse caer al otro lado del vacío’, esta vez de Chevi Muraday, asienta el movimiento sobre la composición de César Camarero. El serialismo y expresionismo de la música crean una atmósfera más opresiva que tiene su reflejo en la recurrencia motívica de un coreografía muy interesante. Si en ‘Remansos’ hablábamos de análisis de la composición aquí hemos de hablar de la composición armónica del espacio, que se va desfragmentando y construyendo una y otra vez sobre dos ejes de fuerza en los extremos de una diagonal que llevaba a los protagonistas de la luz al viento. Un ventilador permitió cierto –que no mucho- juego con la sensación de movimiento, magnificada con la aparición escénica, al final, de una tela dorada que se llenó de aire y dinámicas. La presencia escénica sugería el tono y color de los ocres que utiliza la paleta de Miquel Barceló.

Tras este episodio un nuevo acercamiento al universo creador de Nacho Duato, con su trabajo ‘Coming Together’. Se trata de un crescendo sobre la música repetitiva de Frederic Rzewski que impulsa a los bailarines a entregar toda su energía en busca del final, de la calma tras la tempestad. El sentido de esta obra es bien diferente al experimentado con la que abría el programa. Si allí encontrábamos reflexión e intimidad aquí se vimos energía vital, potencia en los movimientos, altura y las puertas abiertas para todos los bailarines de manifestar todas sus habilidades.
Tres piezas distintas para una compañía capaz de marcar las diferencias en un buen trabajo. Al hilo de las músicas y al pié de la letra del alma de sus creadores.

“La azotea de la memoria del gran Savary”

2006-11-11T10:41:00.000Z

La Sala Pereda del Palacio de Festivales acogió, el pasado viernes, uno de esos espectáculos únicos y difíciles de encasillar más allá de la propia personalidad de su protagonista. Hablamos de Jèrôme Savary, el polifacético y trasgresor creador de la escena que nos ofreció, junto a su hija Nina, ‘La vida de artista’.

El actor multilingüe habló al público cara a cara y de tú acerca de su propia vida. Desde el sentido del humor más cercano se conjugaron diversas escenas en las que pasamos de la anécdota al musical, de la pantomima al cabaret con muchas dosis de ingenio, ternura y profundidad. Su personaje, que es él mismo, se nos presentó cercano, humano desde algo que parece nacer de la improvisación pero que mantiene un ritmo muy vital.

Sobre las tablas un buen número de baúles encerraban sorpresas en forma de maquetas, de humo o de luz. En la pantalla de proyección algunas imágenes de sus recuerdos. Con la voz de su hija Nina las canciones más afortunadas que son acompañadas por una banda en escena que se integró en el discurso sin ningún problema. Todo podía parecer confuso, pero no lo era. Tuvimos la sensación de colarnos en un puñado de recuerdos, de dejar que un viejo artista –que tampoco lo era tanto- nos confiara todo lo que fue para entender qué es lo que hace, conduciéndonos a otro tiempo, al suyo.

El público disfrutó mucho con el espectáculo, de la risa a la emoción y de la canción al poema. Los que no conocían la trayectoria de este “personaje” –con todo el sentido del término- tuvieron la mejor de las oportunidades de hacerlo. Los que ya sabían de él sintieron la cercanía de un mito de esos “para minorías”. El clown de cara blanca, el otro, el de la nariz roja, el bufón que dice lo que piensa o el Pierrot más poético se dieron cita en un único personaje acompañado de su Colombina particular.
El ‘Magic Circus’, como no podría ser de otra forma, también tuvo su presencia en esta “nueva comedia del Arte”, la vida de un artista relatada con mucho ingenio. Sin demasiadas pompas ni circunstancia pero con muchas, muchísimas sorpresas. Todas las que se pueden encontrar en los viejos baúles de un desván, en la azotea de la memoria del gran Savary.

Un Trío arrollador

2006-10-25T08:22:00.000Z

La Fundación Marcelino Botín propuso, para la noche del pasado lunes, un concierto dedicado a la memoria de Shostakovich cuando se cumple el centenario del nacimiento del compositor ruso. Una propuesta que contó con la masiva asistencia del público y que colmó las expectativas más exigentes en lo que a música se refiere.

Ananda Sukarlan al piano, Jagdish Mistry con el violín y Rohan de Saram al violonchelo, fueron los protagonistas musicales de este encuentro en el que pudimos escuchar uno de los preludios y fugas del autor homenajeado, su ‘Sonata para violonchelo y piano’ y el impresionante ‘Trío en Mi’ que cerró el programa.

En la primera mitad disfrutamos con el solemne piano de Ananda Sukarlan, un intérprete que, afincado en nuestra comunidad, recorre los escenarios de todo el mundo para manifestar su compromiso con la música contemporánea y demostrar su sabiduría ante el teclado. Con el Preludio y Fuga extraído de la colección de 24 que escribiera Shostakovich en los años 50 del pasado siglo, Sukarlan acudió a la esencia bachiana de la obra para revisarla con distancia y mucha profundidad. Después le llegó el turno a la ‘Sonata en Re menor op. 40’ en la que conocimos las fabulosas cualidades interpretativas de Rohan de Saram. Nos encontramos con una obra de juventud que fue tratada con la misma concisión con la que empezó este concierto. Pero si he de serles sincero lo mejor de la noche llegó con el Trío mencionado al comienzo. Los motivos fueron evidentes el resultado arrollador: la profunda y sincera fuerza de la obra en si misma y el acuerdo y calidad de cada uno de sus intérpretes que nos facilitaron una audición llena de sentido, dramatismo, potencia y, sobre todo, música de esa que hay que escribir con mayúsculas. El episodio final, verdadera atmósfera acústica de esas que se funden con nuestro entendimiento, fue una magistral lección de música de cámara.
La música de cámara encierra misterios que, poco a poco, se van desvelando al aficionado que cede parte de su tiempo a escucharla. No se trata de un aprendizaje sino más bien de una experiencia que se modifica cada vez que tenemos la oportunidad de acercarnos a un obra en concreto. Les recomiendo que hagan lo propio con este Trío, la emoción y la sensación de plenitud aparece de forma más clara en cada nueva audición, especialmente cuando sucede en los términos musicales planteados por músicos del nivel que pasaron por la calle Pedrueca hace unos días.

“Esfuerzo musical”

2006-10-23T06:20:00.000Z

Hace unos meses, cuando concluía la programación del Festival Internacional de Santander, desde estas páginas suspirábamos por tener casi la certeza de que ya no habría más música de orquestal en nuestro entorno hasta el año próximo. Me equivoqué ya que, la programación cultural de Caja Cantabria, ha incluido estos días la presencia de la Orquesta Sinfónica Estatal Rusa en la actividad del Centro Cultural de la Calle Tintín, bajo la batuta de su director titular, el castreño Ramón Torrelledó.

Imprescindible es resaltar el esfuerzo y trabajo derrochado en el concierto que, el pasado jueves, conmemoró el 250 Aniversario de la muerte de W.A. Mozart. No les voy a contar que esta formación es la mejor del mundo ni que todo lo que sucedió en la noche del concierto, musicalmente hablando, fuera impecable. Pero la sensación recibida es la de una entrega de unos “currantes” de la interpretación en una tarea, la de acercarnos la música, que dada las peculiares características de nuestra comunidad “des-orquestada”, cumplen una tarea cultural más cercana a lo social. Seguro que me entienden.

El programa , sucesor de un primer concierto ofrecido días antes, se compuso con obras mozartianas que, en la primera parte, repasaban fragmentos de su ópera ‘La Flauta Mágica’ para después culminar con el bien conocido ‘Réquiem’ de este autor. Para ello contaron con las voces de Irina Starodubtseva, una soprano con un registro muy hermoso, no muy grande en potencia –especialmente en los agudos- pero rico en armónicos y buen gusto interpretativo. La mezzo Nadeszhda Krivusha demostró energía y presencia vocal. Mucho más discreto resultó el tenor Aurelio Puente, mientras que el bajo Iván García realizó unas intervenciones que, salvando algún despiste en la primera parte, fueron gratas gracias a una voz de tímbrica muy pura.

Las partes corales correspondieron al coro Tomás Luis de Victoria que dirige Luz Pardo. Otro ejemplo de esfuerzo y ganas que se vio compensado con el aplauso y el tributo del público. El coro trabajó duro la partitura y pudo apuntar momentos muy interesantes. Tal vez, en algunos otros, su presencia quedara sepultada por la orquesta y evidenciara la necesidad de la formación de tener más registros graves y medios, frente a una muy interesante sección vocal en las sopranos.

Torrelledó, con el porte clásico y visceral que caracteriza su forma de dirigir, estuvo atento en todo momento a los episodios sonoro y arrancó mucha energía de los de Rusia. Al final, un bis muy particular y emotivo: los últimos compases escritos por la mano de Mozart justo antes de su muerte. Un silencio tras su escucha de una obra incompleta. Todos, al escuchar este ‘Requiem’ descubrimos donde está y donde no la mano de su autor. Este cierre nos llevó hasta donde se quedó el gran maestro.

“La seccionalidad de Resterlich’ ”

2006-10-13T06:47:00.000Z

El pianista cántabro Pablo López Callejo fue el encargado de poner en pié a la obra que consiguió el segundo premio del VI Concurso de Composición Pianística ‘Manuel Valcarcel’, ‘Restlich’ del italiano Francesco Milita. Un concierto desarrollado en la Fundación Marcelino Botín y que acompañó a la obra de estreno con piezas de Haydn, Mompou y Chopin.

La pieza galardonada es un mosaico musical basado en los versos de Hans Magnus Enzensberger, poeta alemán. Desgaja su discurso en diez fragmentos que, a su vez, ofrecen un concepto episódico, en cada uno de ellos, del discurso musical. La conexión entre ellos, además del lenguaje unitario a base de técnica y estética, se produce con citas y giros a veces repetidos y en otras ocasiones desarrollados en cada una de sus partes. Milita acude a elementos levemente expresionistas y ocupa parte de sus sonoridades en acercamientos armónicos procedentes del jazz junto a otros que se nos presentan herederos de cierto neorromanticismo e, incluso, con giros más minimalistas. Pablo López Callejo, al presentar la obra, supo acompañarla de los Cantos Mágicos de Mompou, un referente con el que comparar algunos momentos de ‘Resterlich’ que ayudó a entender mejor su desarrollo.

La seccionalidad de esta pieza permite una escucha atractiva y fácil de aprehender. Es en el contraste donde encontramos muchos logros que tuvieron en López Callejo a un intérprete muy entregado con ella capaz de salvar las dificultades, que eran muchas, de su escritura. Si tuviera que encontrar algún “pero” al estreno puede que apuntara lo que también es su virtud: tantos planos pueden ayudar a asimilar el discurso pero dificultan en parte el apreciar la obra en su conjunto.

Acerca de Pablo López Callejo es preciso resaltar la apuesta decidida que ha tenido que realizar para profundizar, comprender y explicarnos una partitura como ésta. En el resto del programa intuimos la intención de este pianista de ofrecer una visión personal de la Sonata de Haydn, con un ‘Andante’ muy meditativo y quieto, alejado de los cánones que, la interpretación moderna, parece tener asignados al piano del periodo clásico. Con Mompou tuvimos los momentos más musicales de López Callejo, un músico que muchas veces se ha querido calificar como “trabajador” pero que nos demostró que su técnica también se complementa con un sentido sonoro extraordinario capaz de relatar fragmentos muy interesantes.
Con Chopin, especialmente en el Scherzo y Final de su Sonata, nos dejó momentos de incertidumbre con algún que otro tropezón de su ejecutante. Así todo el concierto gustó y demostró que un pianista puede seguir siéndolo a pesar de dedicar su tiempo a la enseñanza. Es cuestión de compatibilizar ambos mundos y, sobre todo, de querer ofrecer a su público cosas interesantes. Como hizo Pablo.

"Un gran Carmen en Nancy Herrera"

2006-10-09T12:41:00.000Z

La Temporada Lírica del Palacio de Festivales comenzó la que será su edición número XI con uno de los títulos del repertorio más significativos y conocidos por el público: ‘Carmen’ de Bizet. Una producción dirigida en la escena por Francisco López –que nos visitó el pasado año un hermoso ‘Don Giovanni’- y musicalmente por Antonello Allemandi, bien conocido por el público santanderino por sus visitas al foso orquestal del Festival Internacional de Santander.
Siempre es difícil el compromiso que se adquiere al programar un titulo de este tipo. Por un lado, el tratarse de una de las óperas que más han calado en la memoria colectiva gracias a las asequibles y cercanas melodías, asegura la asistencia del respetable. Pero de otro lado el recuerdo de grabaciones, vídeos y DVD’s hacen que se tienda a comparar y a buscar en el directo lo que se ha aprendido en las grabaciones. Y eso es imposible. Aunque si nos da por comparar, mucho hemos de buscar para encontrar una presencia tan completa, en lo vocal y en lo dramático, como fue la de Nancy Fabiola Herrera en el rol protagonista de esta Carmen.
Su presencia sobre el escenario emanaba una luz que inundaba todo el espacio. Gracias a un timbre hábil con la melodía y repleto de unos armónicos bellísimos que redondearon una interpretación magistral. Cantó, actuó, bailó y todo lo hizo con la coherencia que exige el papel de la gitana ‘fatal’ ideada por Merimée. Siempre a un nivel muy alto y sin dudas ni titubeos, con sentido musical y con la gracia que puebla el personaje. A su lado Michael Hendrick realizó un Don José creciente, evolucionando dramáticamente en los cuatro capítulos de la obra, pero logrando las cotas más interesantes en los dos últimos, tornando una actuación más aturdida cuando ha de ser galán de libro por una presencia muy sólida para la última parte del drama. Musicalmente el tenor americano tiene una voz menos redonda –pero bien situada- que crece y se asienta del mismo modo que su actuación.
Leontina Vaduva, la Micaela de esta ópera, logró dar lo mejor de su arte en el aria correspondiente del tercer acto. Moduló con expresividad su registro en frases muy cálidas y cercanas que trasmitieron emoción. Tuvimos un contratiempo con Jean Luc Chaignaud, al que una anunciada afección vocal le impidió hacer su papel –Escamillo- en las condiciones exigibles, algo que se notó de forma evidente. Y es que el delicado trabajo de los cantantes hace que un leve catarro pueda poner en peligro un montaje tan complejo como éste.
Los papeles secundarios, en las voces de Laura Alonso, Alexandra Rivas, Eduardo Santamaría, Luis Cansino o Francisco Santiago, fueron buenos pilares de esta ópera que reparte su peso de forma fundamental en los protagonistas principales. Es destacable el quinteto del final del acto segundo en el que las dificultades de la partitura fueron solventadas con presencia y mucha musicalidad. Secundarios, si, pero únicamente en su papel, que no en sus cualidades.
La orquesta sonó bien y la dirección de Allemandi fue implicada y precisa, con entrega y mucha atención a la partitura. El Coro Lírico del Palacio de Festivales tuvo sus más y sus menos, con una presencia teatral un tanto estática en el gesto –en parte achacable al propio proyecto escénico- y con algunas intervenciones musicales evidentemente flojas. Una lastima, tal vez justificable por la premura de esta ‘Carmen’ que se ha montado en menos de una semana o tal vez no. También se contó con la participación de la Escolanía de Astillero que realizó un buen trabajo musical con "cambio de guardia".
La dirección escénica tiene su parte pictórica en la composición de cuadros que mucho deben a la larga nómina de pintores andaluces que la historia del arte ha dejado. Francisco López retrata escenas y mueve a figurantes y coro para lograr hacer ligeras a la vista situaciones en las que cuenta con más de un centenar de personas sobre el escenario. En este sentido es casi neoclásico en el movimiento, preciso y estático en evoluciones que buscan la composición más armónica. Pero frente a esta "herramienta" más aséptica está el desgarro del movimiento de la bailaora que aparece como sombra –o presagio, o alter ego- de Carmen, dándonos con su baile los momentos más expresivos de la escena en cada una de sus apariciones, de especial forma al cerrar el primer y el último cuadro. Paco López no es un director de sorpresas escénicas sino más bien un trabajador de precisión que va engranando todos los elementos en una exacta sucesión de movimientos y gestos. Lo más intenso de su propuesta, ya les digo, en ese desgarro del baile y en las escenas, de cuadro y luz, que quedan para nuestra retina.

“¿Quién es esa cabra”

2006-09-24T09:26:00.000Z

El “curso” teatral del Palacio de Festivales tuvo su jornada inaugural, en la Sala Pereda, con la puesta en escena del texto de Edgar Albee ‘La Cabra o ¿Quién es Sylvia?’. Se trata de la primera dirección escénica del que es también protagonista del drama al tiempo que traductor del título original: José María Pou.

Nos encontramos ante una obra que reparte, en igualdad de condiciones y proporción, la comedia casi del absurdo con el drama más desgarrado que podamos sospechar. Imaginen lo cómico y lo dramático que tiene el asunto que se nos propone: un hombre enamorado de una cabra se enfrenta con su existencia y ve como todo se desmorona a su alrededor. ¿Es él la causa? ¿Evitables sus emociones? En la presentación de la obra su director comentaba que éste era “el mejor texto teatral que se había encontrado en los últimos 20 años”. Es claro que el asunto que nos plantea y la forma en que se desarrolla no puede dejar indiferente a nadie. La energía se trasmite desde la escena, la entrega y la implicación necesaria para hacer que nos quedemos pegados a la butaca y que experimentemos la tensión y la tragedia –en el sentido clásico del término- de la obra. Y es que de clásico tiene mucho esta ‘Cabra’ si recordamos las normas aristotélicas aprendidas en el instituto: clara en el tema, con unidad de tiempo y también de espacio en tres momentos bien articulados.

Los actores viven al servicio de un texto rotundo en si mismo, no por la anécdota que conduce su argumento sino por todo el contenido que va desgranando en cada nuevo diálogo. No es una cuestión de buscar la credibilidad constante, pues hay momentos en los que se exige histrionismo a los personajes expuestos al límite más absoluto. Es más una intención reflexiva que emplea multitud de herramientas y recursos para comunicar e involucrar al público. José María Pou se manifiesta soberbio, planteando su presencia escénica desde una cierta apatía física que le va conduciendo hacia la entrega emocional más potente. Mercè Arànega rebusca más en la pantomima en un papel muy difícil y complejo que la exige un constante cambio de registro y una absoluta complicidad con su compañero.

La producción se articula en un espacio único bien vestido y sin artificios escénicos, desnudo de música y bien iluminado para centrar toda nuestra atención en los personajes. La adaptación es fiel y funciona en el diálogo a pesar de contener momentos de literatura muy profunda.

Y hablando de diálogo, y del directo, en su estreno el pasado viernes Pou tuvo que interrumpir su trabajo para sacar los colores a aquellos aventureros que aún siguen dejando sus móviles encendidos durante una función de teatro. Sonaron un par de ellos: el pan nuestro de cada noche. Finalmente el actor catalán nos lo dijo bien claro, a pesar de tener que romper las unidades aristotélicas e interrumpir la obra: “no es por los actores, es por ustedes, por respeto a todos los espectadores”. ¿Seguirán sonando? Seguramente.

“Como el café soluble...”

2006-09-20T07:05:00.000Z

La compañía de teatro de calle Holandesa ‘Close-Act’ fue la encargada de poner en marcha la programación cultural del Palacio de Festivales en un multitudinario acto que congregó a miles de personas en la noche del pasado sábado.

La propuesta nos condujo a un universo de seres imaginarios en el eterno enfrentamiento entre el bien y el mal, de lo blanco y lo negro, de la dualidad taoista del Ying y del Yang unidos en un mismo círculo. ‘Malaya’ fue un espectáculo bien concebido y sorprendente en todas sus facetas: vestuario, iluminación, dramaturgia, música, técnica, sonorización...

El argumento es sencillo, tan solo una propuesta para involucrase dentro de la acción y sentirse parte de la obra como espectadores de las estampas que lo articulan. El aparcamiento de Gamazo estuvo lleno de “expectantes” que se disolvieron junto a actores y maquinaria como le sucede al café soluble cuando se revuelve con la cucharilla. El inteligente montaje holandés fue la cucharilla ideal de esta propuesta y nosotros los granos solubles inmersos en el caos organizado de la acción. Centenares de camarógrafos aficionados, con su teléfono móvil en ristre, dieron un punto más, también parecían actores, a una propuesta de la que es necesario alagar la organización y el orden que permitió que todo saliera perfectamente.

Permítanme que destaque también las cuestiones técnicas y, sobre manera, lo concerniente al sonido directo. La amplificación del sonido del violonchelo en directo y la de las propias voces de actores y cantantes se sumaron a una banda sonora muy potente y fundamental para implicarse en lo escénico. Un ritmo trepidante que en ocasiones, y estética, nos recordó al Circo del Sol, igualmente mágico e imaginativo.

Como colofón, fuegos de artificio. De los mejores vistos en Santander en los últimos tiempos y que cerraron un noche que quiso acompañar con el buen tiempo. También nos quedamos con un magnífico sabor de boca tras la decepcionante experiencia “de calle” que tuvimos este verano con Comediants. De aquel ‘Andante’ hemos pasado a este ‘Prestissimo’, con todo éxito.

“Para público como ustedes”

2006-09-05T09:16:00.000Z

El VII septiembre musical arrancó el pasado sábado en el Palacio de Caja Cantabria en Comillas. Una iniciativa auspiciada por el ‘Plan de Excelencia Turística’ y que, efectivamente, otorga a la villa de la colegiata un encuentro musical de prestigio y categoría a la que el adjetivo de “turístico”, tal y como suena en los meses de verano repletos de cámaras de fotos, se le queda pequeño. Aquí la intención es ofrecer calidad, muchas en escenarios interesantes para un público que busca, siempre, algo más. Como diría Pedro Erquicia en sus presentaciones televisivas, “para un público como ustedes”.

Les contaba que empezó este ciclo estrenando nombre, ‘Música Infrecuente’, y ofreciendo en un espacio realmente hermoso, el del Palacio de Benemejí, un concierto que estaba dedicado al laúd árabe en la música del medioevo. Argumento en sí interesante pero que lo fue aún más en las manos de Ramiro Amusátegui, Eliseo Parra y David Mayoral. Tres nombres con mucha sabiduría entre sus manos y que glosaron, en algo más de una hora de duración, diversos episodios del laúd en su encuentro con tradiciones propias y ajenas a su origen.

Días atrás, quién les escribe, tuvo un encuentro con el director de este festival, Ernesto Schimed, para una entrevista publicada por este periódico. En aquel momento Ernesto nos habló de las categorías y polémicas en torno al hecho de la autenticidad en la interpretación del repertorio antiguo. Tal vez este sea un buen ejemplo, el del concierto de ‘El Legado de Ziryab’ de aquellas conclusiones, pues aunque el sonido estuvo amplificado nadie pudo decir nada sobre el magnífico resultado de la música que, de otro modo, no se hubiera podido escuchar correctamente. Fue una especie de embrujo musical en el que el espacio al aire libre, la iluminación y el ambiente que se respiraba completaban un disfrute sensorial muy pleno.

El ciclo se irá completando con diversas propuestas a lo largo del mes de septiembre, una cada sábado hasta completar las cinco que integran el programa. Próximamente la Misa Colombina se oficiará en la Iglesia de la Colegiata de Santillana con la música de Speculum y la palabra del Abad Don Luis López de Ormazábal. Será una Misa en sentido estricto, pero con la música procedente de partituras de los siglo XIV y XV. También habrá espacio, en sábados posteriores, para escuchar obras poco conocidas de W.A. Mozart, estrenos contemporáneos para violonchelo o “El Secreto de Haydn” a cargo del Trío Baryton. Ya saben lo que les digo: para público como ustedes.

“De cómo las Beaterías han caminado por muchos pueblos...”

2006-09-03T09:46:00.000Z

Una procesión de monjes dolientes, más bien crujientes de carracas y matracas o quizá tintineantes de badajos, repicantes de campanas... procesionan -¿vendrá de profesión?- al comienzo de las ‘Beaterías’ de La Machina. Pero tras la pompa lentamente ejecutada llega el tiempo de los bailes de dos en uno y de cánticos, no gregorianos sino contrastantemente joviales: “Vaya jaleo, vaya jaleo, este es el año del Jubileo”... Un comienzo que sienta las bases de lo que es el resto del espectáculo, una celebración, auténtica, de la alegría del júbilo en el Año Santo Jubilar. Muy divertido.

Isaac Cuende ha escrito un texto que se nos hace ameno, con su punto de ironía y su mucho de saber contar historias a la manera de los romances que antaño sentaron bases de nuestra literatura. ¡Ven!, hasta a mí se me pegan las maneras de hablar antiguamente. Les decía que Cuende acude a los pliegos de cordel, a los aleluyas y a las coplas de ciego para dar forma al contenido más oficial de esta representación callejera, o más bien “plazoletera” pues con ella se han visitado las Plazas de las plazas más importantes de nuestra región. Escrito al margen, donde siempre se escribe lo más jugoso de las historias, aparecen los referentes a los pícaros que también pertenecen a nuestro pasado. Personajes del pueblo con la inteligencia para burlar y salir airosos o, seguramente, también golpeados en lances que tienen como objetivo conseguir un pedazo de queso: queso de oveja o queso de cabra.

Los capítulos se suceden como se suceden las estampas de las hojas volanderas que congregaban tiempo atrás a todos ante el juglar, el ciego, el narrador de historias que amenizaba e informaba entre estruendosas profecías y dobles sentidos de lo que en el mundo, cercano, acontecía. De lo divino y de lo humano. Hoy en día Fernando Madrazo, Luis Oyarbide y Alberto Sebastián encarnan a estos “cuentistas” ataviados de iglesia que nos hacen reír durante casi una hora al compás que marca la música que Emilio Seoane ha empaquetado desde melodías, como no podía ser de otra forma, procedentes del pasado histórico y de la tradición popular. El trío de cómicos, si me permiten usar esta palabra que también parece olvidada en el teatro “dignificado” –con perdón- funciona como ya funcionaron en similar comunión en el retrato de otros pícaros modernos igualmente firmado por Cuende: “La sucursal”. Los tres se ciñen al guión al tiempo que se desvisten de él para ser capaces de improvisar con y para el público.

Jon Ariño, al que vimos actuar en ‘Me la maravillaría yo’, es el director de esta obra. Su mano articula juegos escénicos divertidos y recrea, prácticamente de la nada, un espacio ameno en el que cada espectador encuentra su sitio y puede que un pedazo de queso. Joaquín Martínez Cano fue el encargado de pintar las Aleluyas del Beatro y de Santo Toribio. Cristina Gil la del Romance del Conde Testaflorida con un aire más de cómic. La música, como ya les comentaba en directo, es otro elemento indispensable de este discurso, fluido y ameno, que nos ocupa.

Ayer mismo fue la última representación, han sido veinte en una forma de hacer teatro muy directa, cercana. Justo para nosotros, mirándonos a los ojos. ‘De cómo las Beaterías han caminado por muchos pueblos, y lo que allí se encontraron dando cuenta de ellos. Y de la forma en la que muchos se rieron ante las chanzas de los cómicos y las ingeniosas aventuras que había ideado su ilustre autor’.

“Dutoit y la Royal Philharmonic”

2006-08-31T06:41:00.000Z

Las etapas se van sucediendo y a todo comienzo le llega su final. Así, el Festival Internacional de Santander propuso su cierre a la edición 55 con la presencia de la ‘Royal Philharmonic Orchestra’ dirigida por Charles Dutoit. Un encuentro sinfónico que colmó las expectativas de un público que, una vez más en la clausura, llenó hasta la bandera la Sala Argenta del Palacio de Festivales.
Como es costumbre, las últimas jornadas del Festival nos ofrecen cada verano la oportunidad de escuchar a grandes formaciones orquestales dirigidas por carismáticos nombres del mundo de la música. Orquestones, en tamaño, historia y resultados, que gustan y hacen vibrar a una audiencia llena de ganas de este tipo de repertorio tan inusual el resto del año en nuestros escenarios. El programa nos brindó obras de Sibelius, Stravinsky y Tchaikovsky, en todos los casos con un alto nivel interpretativo y el sonido compacto y redondo de una formación estable desde hace tanto tiempo.
La Suite Karelia del nórdico resultó un enérgico arranque para la velada. Los ingleses imprimieron dinámicas bien diferenciadas y un empaste admirable en la sección de cuerdas. Su sonido fue, en este momento y a lo largo de todo el concierto, brillante y afilado, sin sufrir la carga de ser una formación de casi un centenar de instrumentistas supo moverse con la soltura exigida por la peculiar batuta de Dutoit. El ‘Concierto para violín’ de Stravinsky nos presentó a la solista Chantal Julliet que desarrolló con muy buena técnica la compleja partitura del creador de ‘El pájaro de fuego’. Tal vez el sonido de su instrumento resultara un punto pequeño en relación con el conjunto lo que confirió un carácter algo plano a un concierto que, realmente, no fue así. La propia esencia de esta pieza exige tanto de su intérprete que nos acostumbramos rápido a las dificultades y el virtuosismo desde el principio.
En la segunda parte la hermosa ‘Sinfonía nº 4’ de Tchaikovsky. Obra rotunda y pedagógica, sobre el sonido y las secciones de una orquesta, que conmovió una vez más a la audiencia despertando el aplauso torrencial al final de la última nota. La orquesta profundizó en sus capacidades y nos dejó un buen sabor de boca para esta última jornada. Igual con el bis de Glinka que arrancó como había sucedido con el concierto: con el estrépito de un Scherzo vibrante y potente.
Les decía más arriba que Charles Dutoit era peculiar en la dirección. Su batuta estuvo atenta a las necesidades de la partitura pero con un gesto grácil, casi bailable, que ayudó perfectamente a seguir la música también en sus manos. La sonrisa y la aparente proximidad con los músicos fue agradable en un punto festivo y amable. Entendió las obras, las hizo entender y sacó un gran sonido de los de la Royal Philharmonic. ¿Qué más se puede pedir? Al escuchar la última nota del bis se me cruzó por la mente un pensamiento: esta será la última sinfónica que escuchemos por aquí hasta el año que viene. Qué lata.

“Verdades puras y verdades a medias”

2006-08-30T09:44:00.000Z

Acercándonos al final de la 55 edición del Festival Internacional de Santander, la presencia de Cruceta Ballet Flamenco ha venido a trufar la habitual secuencia de grandes orquestas que, en otras ocasiones, ocupan habitualmente estas fechas. Desafortunadamente el estreno de “En Rojo” no ha supuesto ningún hito interesante para la historia del Festival ni mucho menos un refresco visual a las grandes citas sinfónicas que se sucedieron antes y después de su estreno.
Desconozco si el precedente de esta coreografía, la estrenada en 2003 bajo el lema ‘En Rojo Vivo’, tenía mucho en común con la que ahora nos ocupa. Lo que es cierto es que la nueva oferta no logra conciliar, en la forma deseada, los elementos de danza flamenca y de ritmos populares urbanos que sobre el papel parecían tan apetecibles. La incómoda sensación de estar presenciando un “quiero y no puedo” sobre las tablas, en lo que a discurso dramático se refiere, hizo que quien les escribe únicamente hallara el disfrute en los episodios más naturales de la coreografía de Cruceta: aquellos de corte más tradicional y clásico del arte flamenco.
La primera parte del espectáculo nos sitúa ante una escena “industrial”, embebida en sonidos graves y profundos y ritmos intensos procedentes del hip-hop y de la música electrónica. Una situación que anunciaba que íbamos a ver algo nuevo pero realmente ya visto en otras ocasiones: La Fura dels Baus, Rafael Amargo, Aida Gómez… ya nos contaron, en este mismo escenario, cómo cruzar estilos pero sobre todo la forma adecuada de narrar algo interesante. Aquí lo estilos sí se cruzaron pero el espectáculo, como organismo unitario, se desmembró en retazos difícilmente articulados: vídeo proyecciones, sombras, elementos escénicos con los que trabajar, músicos dentro y fuera del escenario se sucedían sin una lógica de conjunto. Se respiraba un cierto aroma de querer situar el contenido de la escena en una coordenadas modernas, pero faltaban alguna de las abcisas. El final, con el cuerpo desnudo del bailaor, se nos antojó un giro más, inesperado, de vestir –desnudando en este caso- la propuesta de elementos simbólicos que cayeron por falte de base, de fondo.
Lo mejor, y fue muy bueno, lo encontramos en el baile de Mariano Cruceta, cuando lo hizo solo y derrochando la fuerza y garra de sus tacones, también en sus encuentros con Loa Greco. De entre los bailarines de ‘hip-hop’ Mariví Civera desarrollo sus habilidades con un estilo muy plástico destacando de entre sus compañeros. La banda de directo, curiosa en su disposición pero muy efectiva con el profundo sonido del bajo y la deliciosa guitarra de Carolina Planté acompañó el cante de ‘El Bocadillo’. Los tres hicieron mucha música y muy buena. Algunas imágenes visuales fueron impactantes, como las sombras ocultas bajo la sábana de raso o la sombra proyectada de Cruceta sobre la dicha tela.
Hay mentiras que esconden mucha verdad y verdades que guardan dentro una mentira. Este ‘En Rojo’ que fue estrenado en el Palacio de Festivales el pasado lunes guarda verdades muy puras junto a otros elementos que tienen más de apariencia que de contenido, verdades a medias. Del mismo modo les digo que hubo muchos que se le posaran muy bien y que vitorearon a la compañía. Tal vez sea yo el confundido o sencillamente el defraudado ante las expectativas

“Un ‘Requiem’ universal”

2006-08-24T07:48:00.000Z

El Festival Internacional de Música y Danza de Granada y el Festival Internacional de Santander, los dos veteranos de los encuentros musicales veraniegos de nuestro país, encargaron al compositor granadino José García Román la composición de un ‘Requiem’. Hace unas semanas, tras cuatro años de trabajo, se estrenó en Granada. El martes tuvimos la oportunidad de conocerlo en Santander. Una experiencia inolvidable.

La composición hoy en día, los contemporáneos, muchas veces se olvidan del público y se encierran en obras interesantes en sí mismas como hecho compositivo, pero ajenas a quien las recibe. García Román ha creado, ni más ni menos, que un ‘Requiem’ que se ha situado, tras su estreno, a la altura de los más grandes de la historia del género en la música occidental. Una obra extensa y profunda que desgrana en sus doce números inquietudes musicales y vitales, perspectivas metafísicas y otras más cercanas. Una obra completa y arrolladora en su orquestación y puesta en marcha. El sonido, manejado y escudriñado por García Román, nos fue hipnotizando y llevando por la senda espiritual de su argumento. Al final tres campanas anunciaron que la obra había terminado, yo les confieso que en esos instantes una emoción muy hermosa recorrió mi cuerpo y salió al exterior en forma de lágrimas. Atrás quedaban dos horas y media muy intensas, para todos.

La obra que nos ocupa es ambiciosa en su concepto. Dos centenares de músicos, entre orquesta, coro y solistas, se repartieron por todo el espacio de la sala Argenta. En el escenario, ampliado hasta el foso para poder contener a todos, secciones de percusión en los pasillos, trompetería, corros espaciados como los de los Gabrielli y la hermosa voz de Inés Ballesteros, niño soprano, dentro de la platea. Sobre el papel la significación de varios mundos en forma de estos conjuntos disgregados del tutti del escenario. Las notas al programa de Yvan Nommick, estudioso de García Román, fueron una guía excelente para ir desgranando y entendiendo cada uno de los números. Todo lo demás; dejarse llevar.

Entre los doce capítulos encontramos torrenciales manifestaciones de energía, conjuntos dramáticos en su exposición compleja y estruendosa. Llenos de referencias y, sobre todo, de las intenciones expresivas de su autor que logran calar muy hondo. En su complejidad también hay momentos para el sosiego, algunos más clásicos y románticos, otros con referencias a Orff o a Mozart o a Tomás Luis de Victoria. A la Historia de la Música y a la de este género tan solemne. ¿Es atrevido firmar una obra de estas características hoy en día? Lo atrevido es no hacerlo olvidando la trayectoria musical, la herencia, de la que los compositores son acreedores. Es fascinante descubrir una obra como el ‘Requiem’ de G. Román, puro siglo XXI y acreedora del pasado que la precede.

La Orquesta Nacional de España fue el vehículo para su escucha, y lo hicieron muy bien con la batuta de Arturo Tamayo casi siempre al frente. Permítanme la broma, pues digo “casi siempre” ya que mediada la primera parte ésta, la batuta, salió despedida en el arranque del ‘Dies irae’, “desbatutando” al maestro y añadiendo más fuerza, aún, al número. El Coro de la ONE también funcionó con presencia, aunque tal vez hubiera sido necesario tener dos o tres agrupaciones corales más, capaces de competir con el orquestón, grande y ampliado, que llevaba la partitura. ¿Pero donde meter a más cantantes?
Las partes vocales a solo las protagonizaron Pilar Jurado, Marina Pardo, Carlos Silva y Robert Hölzer además de la ya mencionada joven Inés Ballesteros Bejarano que, a pesar de su corta edad, sostuvo el peso más importante de los solos vocales. Los cuatro solistas forman parte, como uno más, del instrumental de la obra y sus intervenciones matizan más que acaparan, el sonido. Nos gustó la voz de Carlos Silva, tenor de potencia y presencia y el ‘Ego sum lux mundi’ de Robert Hölzer. Marina Pardo tuvo que afrontar una partitura que profundiza en los graves de su registro y Pilar Jurado desplegó los encantos y ligereza de su registro.

Mención aparte merecen las secciones de percusión de la Orquesta, afanadas constantemente en las miles de entradas y multitud de instrumentos dispuestos para ofrecer un discurso rítmico y de matices integrado en el orquestal.

Sería una injusticia que esta obra no trascienda. Tras el concierto salí con la necesidad de volver a escuchar este ‘Requiem’, con más pausa, con la intención de profundizar en ella pues su contenido, además de universal, es toda una lección de música. Y un gran logro.

“La claridad de Zacharias”

2006-08-23T08:30:00.000Z

Los pianistas jóvenes normalmente son considerados por el público en base al futuro que prometen y lo que van a llegar a ser en el mundo de la música cuando crezcan. Los grandes maestros, los más mayores, tienen en su historia lo que han logrado y el magisterio que dejan en sus alumnos. A medio camino, en el punto donde muchas futuras promesas pierden “lo que podría haber sido y no fueron”, son pocos los grandes intérpretes capaces de ofrecer la coherencia y madurez de un gran genio. Christian Zacharias es uno de ellos, de los que pueden, y el pasado lunes visitó el Festival Internacional de Santander, con la sala llena y un nutrido grupo de personalidades, entre ellos ex presidentes de gobierno de distintos países. La madurez de su estilo y sus intenciones de investigación y práctica musical quedaron patentes en este recital.
El programa del concierto se nos antojó como un cuidadoso menú en el que el protagonista de la velada había incluido todos los ingredientes que garantizan su categoría. De primer plato piezas de Mozart y Ravel hábilmente alternados. De segundo el plato fuerte: la ‘Sonata en La’ de F. Schubert. Como postre una propina de Schumann. Si atendiésemos al reloj, podríamos decir que Zacharias es preciso, en números redondos, a la hora de plantear su trabajo: la primera parte duró una hora exacta. Tras los veinte minutos de descanso la segunda terminó también en punto, a las once.
La forma de concebir la interpretación de este músico se basa en unos sólidos pilares de técnica impresionante y una habilidad virtuosa que sabe manejar con aparente naturalidad. Así, el sonido del piano, aparece ante nuestros oídos de una forma fluida y muy brillante. Tal vez esta manera de hacer música sea ciertamente plana en otro tipo de matices más expresivos pero indudablemente es impresionante comprobar la efectividad y grandeza de los resultados. Las dos obras de Ravel, los ‘Valses nobles y sentimentales’ y la ‘Sonatina para piano’ fueron una exquisita muestra de claridad sonora. Como Mozart, especialmente en las ‘Variaciones en Sol Mayor KV 455 sobre Unser dummer Pöbel meint’ nos situamos ante un Zacharias un punto más expresivo y completo.
La sonata de Schubert, magna y compleja, resumió el universo musical de su ejecutante y navegó, con el mimo tono, por la toda la partitura. Sin dudas ni errores, con la facilidad natural que les decíamos a principio.
Como anécdota, otra vez, el sonido de algún teléfono móvil, interrumpió el discurso musical de la noche. Esta vez de forma más efectiva pues el propio Zacharias dejó de tocar el piano hasta que la conocida melodía de una marca de teléfonos cesó. Y es que da lo mismo que se diga cada noche la frase de “apaguen sus teléfonos móviles”, pues si a uno no le da la gana hacerlo, es lo mismo que mil quinientos lo hayan hecho. ¿Solución? Imagino que como en otras pequeñas y grandes catástrofes de la vida sea una cuestión de educación, de buena educación.

“Un paseo por las nubes”

2006-08-22T08:25:00.000Z

No voy a desvelarles ningún secreto, se lo garantizo. Aquellos que vivimos el ‘Hilo de Ariadna’ hace unos años sabemos de lo que estamos hablando. Los que aún no se han encontrado con ‘El Teatro de los Sentidos’ de Enrique Vargas tienen ahora, hasta fin de mes, una oportunidad única de hacerlo en el Palacio de Festivales. Cuando el sol empieza a ponerse.

No quiero desentrañar ninguna pista que reste sorpresa a la experiencia única de adentrarse en ‘La Memoria del Vino’ y conocer el secreto que vive dentro. Un grupo de actores, que son también habitantes, serán los que les hagan sentir que todos somos únicos y capaces de atravesar la frontera que nos separa de ser público a ser parte. De ser parte de sus sonidos, de sus aromas, de sus sabores, de sus colores. De agudizar todos nuestros sentidos para entender lo que pasa alrededor de nosotros. De encontrarse con otros ‘compañeros de viaje’ en esta senda y descubrir en sus caras la misma complicidad que hay con los actores. ¿Hace tiempo que no abrazan a un extraño? Aquí lo harán.

A la salida de esta experiencia el propio Enrique Vargas nos esperaba para preguntar cómo había ido todo, de aprender de nosotros la forma en que puede evolucionar esta propuesta. Alguien, agradecida, le explicó la forma en la que, años atrás, participar en otro espectáculo de esta compañía, había cambiado su vida. “Somos un grupo de personas que nos dedicamos a la salud”, decía la anónima representante, “y sería bueno apagar la luz en las habitaciones de los enfermos para acercarnos a ellos y trasmitirles cariño”. Otro visitante, el día anterior, comentaba que él había encontrado “un pueblo en el que siempre soñó vivir”, y al terminar su paso por ‘La memoria...’ no quería irse de allí. Tal vez porque todos hemos soñado con algunas de las partes que integran el espectáculo, o lo hemos visto de lejos y hemos querido participar. Seguramente porque muchas de las acciones en las que el espectador/visitante, tal vez mejor decir el “ex’pectador”, han sido ya vividas por sus padres, sus abuelos, por los abuelos de sus padres o de sus abuelo. Y la memoria de nuestro cuerpo también funciona. Los que creen en la reencarnación siempre dicen haber sido princesas, héroes de leyenda o luchadores. Los que creemos en nosotros mismos soñamos en que hemos sido felices alguna vez. Como en este pueblo que la otra noche visité.
El trabajo de los actores supone una recreación onírica de seres muy cercanos. Es hermoso oírles hablar y acercarse a escuchar sus susurros muy cerca. Lo es dejarse llevar y dejar a la salida cualquier miedo. Caras conocidas y otras que también lo son. Caras amigables y un aroma a vino y a tierra. Tal vez esos sean los ingredientes justos de esta propuesta. En otras ocasiones les hubiera desgranado algo más de su contenido, pero ya les advertí que no iba a desvelarles ningún secreto. Ese, el secreto, prefiero guardármelo para mi solo. Me lo llevé encerrado en mi mano apretándolo bien fuerte. Lo guardaré siempre. ¿Se atreven a dar “un paseo por las nubes” junto a ‘Teatro de los sentidos’? Están a tiempo.

“Una obra magnífica”

2006-08-20T09:14:00.000Z

El Festival Internacional de Santander acogió, como viene siendo norma cada dos años, el estreno mundial del Primer Premio del Concurso Internacional de Composición Pianística Manuel Valcárcel, en esta ocasión concedido a Francisco González Pastor, que ya fuera acreedor de este galardón en el año 1997. Marta Zabaleta fue la encargada de poner en sonidos la partitura premiada en un concierto que, desafortunadamente, no contó con una presencia masiva de público. ¡Muchos se lo perdieron!

El ‘Libro para piano’ de González Pastor se nos ofreció como una suerte de periplo, muy discursivo, articulado en nueve capítulos cada uno de ellos con diferentes inquietudes expresivas y compositivas. La obra es larga en duración pero se hace amiga de nuestro oído y nos acompaña, guía y tutela en su propia escucha de tal forma que la experiencia se convierte en un grato encuentro entre compositor, intérprete y público. El autor sabe manejar todos los recursos musicales existentes para emplearlos en su propio interés, y en el de todos. Así nos enfrentamos a una sonoridad contemporánea pero sin el, a veces excesivo, despego hacia la audiencia en pro de la investigación musical. Entresacamos la profundidad expresiva del ‘Homenaje a Takemitsu’, la fuerza da ‘Proclamación n.6’, la gratísima experiencia acústica de ‘L’ombre de l’eau’ o el curioso experimento con magnífico resultado práctico de ‘Emblema’. Pero bien podríamos alabar, en cuanto a técnica o estructura a la ‘Sonata’ que casi cierra el ciclo o la escritura pianística virtuosa de los Marginales, uno y dos. Una obra magnífica.

Marta Zabaleta se comprometió con el estreno y lo sacó adelante con una técnica y entrega que únicamente nos permite ser elogiosos. Ante el teclado se convirtió en inquietud, en búsqueda y en éxito para con la obra de González Pastor. Multitud de planos tímbricos salieron de sus dedos y, siempre es de agradecer más allá de lo habitual, que un intérprete de prestigio se implique en un trabajo como este, pues más allá de la anécdota de su estreno es una inversión en futuro. Ojalá esta obra se escuche más veces, pues sinceramente lo merece.

En la segunda mitad la intérprete de Guipúzcoa propuso una Sonata mozartiana –la KV 284- que resultó ser un nuevo regalo para nuestros oídos. En esta ocasión con un nuevo compromiso que logró sacar del piano sonoridades brillantes en una lectura realmente exquisita. Las monumentales variaciones que cierran esta obra crecieron y contrastaron en un sonidos muy llenos de magia. Así también con los dos bises ofrecidos, un nuevo Mozart y el último para Satie.

“La Gioconda de las estrellas”

2006-08-18T09:22:00.000Z

La ópera en concierto ‘La Gioconda’ de Amilcare Ponchielli está siendo estos días la protagonista de la programación del Festival Internacional de Santander tras su estreno el pasado miércoles y con su nueva representación en la noche de mañana. Una apuesta ciertamente atrevida del Festival al tratarse de un título de los poco representados dentro del repertorio habitual y con una duración que exige a su público un punto de esfuerzo para lograr llegar a buen término. El elenco, configurado con primeras voces de la lírica, es la piedra angular de este montaje que gustó, como suele suceder, con sus más y sus menos.
Estamos ante una obra magna y que, en su interior, encierra momentos sublimes que permiten a sus intérpretes el desgarro y el dramatismo en unos personajes que viven sus pasiones al extremo. Sobre el escenario seis grandes voces desgranan las necesidades vocales del drama, si bien es cierto que con un ligero punto de individualismo que desata la firme personalidad de cada uno de ellos. No es una cuestión de lucimiento sino más bien de la notabilidad que todos ellos, por separado, tienen en un escenario.
Juan Pons, uno de los grandes, encarnó a Barnaba con la eficiencia y figura del gran barítono menorquín. Gustó mucho a pesar de las ligeras veladuras de su registro y el público supo valorar la presencia vocal del cantante. Sin excesos pero prácticamente sin defectos envolvió sus intervenciones nutridas de la potencia y presencia que le colocan en primera línea de los grandes de la lírica de hoy en día. A su lado Roberto Scandiuzzi, de igual categoría y prestigio y bien conocido en esta sala, no defraudó ante las expectativas del respetable. Bien situado, con su fuerza característica y tímbrica grandilocuente en una entrega que también quiso dramatizar en el gesto. Agradable ayuda para una versión en concierto como ésta. Quién también desplegó mucha fortaleza fue el tenor Maro Berti, en el rol de Enzo. Una firmeza no exenta de algún riesgo, especialmente en el segundo acto, en lo que a finura de la afinación se refiere.
Las voces del plantel femenino se configuraron desde la amplitud y el color de registros profundos, y con unos armónicos exquisitos. Este fue el caso de Elena Cassian en el papel de ‘la ciega’, una voz que conmovió por el gusto con el que abordó las intervenciones y por la completa sonoridad que envuelve todas sus tonalidades. Giovanna Casolla tampoco nos dejó con las ganas de apreciar todo lo que es posible obtener de su participación en una ópera. Siempre creciente llegó al bien conocido aria del suicidio con mucho gusto. De Elisabetta Fiorillo más de lo mismo, color y movimiento controlado en el dramatismo de sus intervenciones.
Como les anticipaba, cada uno de ellos es acreedor de lo que podamos decir de los demás. Un plantel de lujo que situó la audición de esta Gioconda en lo más alto. La apuesta por un título en concierto quitó la espectacularidad que tiene la escena, un realce que fue puesto en este caso por sus intérpretes. La Gioconda de las estrellas.
La Orquesta, en esta ocasión la Nacional de Ucrania, dirigida por Antonio Ripolli, ofreció un color correcto, tal vez necesitado de alguna atención en ciertas entradas solísticas pero que gustó, y mucho, en la celebérrima `Danza de las horas’ que sonó plena y gratificante para un oído que esperaba este momento orquestal con ganas. El Coro Intermezzo empezó la función con ciertas dificultades en el empaste de sus entradas, pero solventó sus intervenciones con mucha presencia y potencia que, sumada a la de la orquesta, nos brindaron momentos ricos y brillantes. La Escolanía Easo que dirige Gorka Miranda resultó tremendamente rica en su planteamiento vocal y nos brindó intervenciones de una categoría propia de profesionales.

“Scordatura en el “otro” Festival”

2006-08-17T08:45:00.000Z

Generalmente, desde estos comentarios veraniegos, quien les escribe olvida atender una dimensión del Festival Internacional de Santander que tiene en su difusión por escenarios diseminados por toda Cantabria en beneficio de los actos que acoge la capital. Éstos, por multitudinarios, tienen una difusión mayor que aquéllos, pero permítanme que les pida disculpas por estas omisiones y un espacio para la enmienda en forma de este escrito al ciclo de ‘Marcos Históricos’.
El pasado martes, fiesta de la Virgen de Agosto, acudimos a Vioño de Piélagos a presenciar el concierto ofrecido por la agrupación Scordatura en el marco de la Iglesia de la Virgen de Valencia. Ella, la Virgen, esperaba engalanada de flores la llegada del público al templo en el que fue el primer recital que el Festival ofrece en este edificio. Y el respetable llegó hasta abarrotar un espacio que cuenta con una acústica magnífica para el sonido y un acogedor espacio para el disfrute. Algunos espectadores se acomodaron en el suelo, otros asomaban su cabeza por la puerta lateral y todos disfrutaron de un concierto que solamente podía apreciarse en un espacio de estas características: cercano e íntimo. La iglesia estaba repleta y pleno también fue el resultado del concierto.
Los músicos integrantes de Scordatura, Ernesto Schmied, Juan Carlos de Mulder y David Mayoral, son una especie de artesanos del sonido que escogen cuidadosamente los materiales para la música y que, ante la audiencia, van creando y recreando episodios musicales desempolvados y rescatados de la época antigua. Así Ernesto Schmied escoge entre sus maderas el tubo más adecuado para cada pieza. Juan Carlos de Mulder hace lo propio con la pluma que le sirve de plectro para el laúd y David Mayoral impresiona en combinaciones percusivas inverosímiles en virtuosismo y entrega. Sobre el papel la búsqueda de entre las tres culturas que convivieron –¡qué envidia!- hace siglos en nuestro territorio, los puntos que tienen en común y los que la diferencian. El resultado un delicioso concierto que mantuvo a la audiencia atenta a los detalles de cada sonido, que fueron muchos.
Como ven los marcos históricos también tienen llenos absolutos y lo que allí se ofrece, en su diversidad y éxito, es comparable con cualquier otro evento “festivalero” de los que usualmente nos ocupa. El “otro” Festival, que es éste mismo.

“Pegado a la butaca”

2006-08-14T14:00:00.000Z

Nos quedamos pegados a la butaca. Literalmente. Una torrencial lluvia de música, plena de energía e intenciones expresivas fue lo que nos proporcionó la ‘West-Eastern Divan’, orquesta liderada por uno de sus promotores: Daniel Barenboim. El músico multicultural y multinacional ha logrado dar forma y sentido a una orquesta de jóvenes que, más allá de su nacionalidad, credo o ideología, saben que la música es un lenguaje puro. Creen en ella y la emplean para buscar la paz. Ocurrió el pasado sábado en la 55 edición del Festival Internacional de Santander.

Desde el comienzo de la velada el público parecía estar preparado para recibir algo especial. La entrada de todos los miembros de la orquesta fue recibida con aplausos que no cesaron hasta que el último entró en la sala. Luego, con la llegada del maestro Barenboim una aclamación coral emocionó a unos y otros. El aplauso era para él “y sus muchachos”, pero presentíamos que también era un tributo al proyecto que defienden y que volaba más alto aún, hacia este mundo que a veces parece pudrirse, con guerras y desastres, por sus esquinas.

Pero hablamos de música. ¡Qué bien! Empezaron con la ‘Obertura Leonora’ de Beethoven, y con esa obra ya lograron un espectacular derroche de color orquestal, buen empaste y las ganas de “comerse el mundo del sonido” que estuvieron presente toda la noche. He de confesarles que, a pesar de no considerarme excesivamente mitómano, si que siento una especial predilección por Barenboim como músico. No defraudó el director de las West-Eastern en una entrega tan solo equiparable con la de sus músicos. Beethoven sonó, les decía, muy enérgico, con crescendos vibrantes y arrolladores, con pianísimos elegantes y muy hermosos. Con todos los ingredientes, en definitiva, para calificar esta primera intervención como magnífica. Imagino que para estos intérpretes debe de ser muy alentador creer en lo que están haciendo, pero también mirar al frente y descubrir que es Barenboim quien les dirige.

Después le llegó el turno a la pieza de Bottesini con la participación, como solistas, de Kiryl Zlotnikov y Nabil Shehata. Nueva muestra de talento y juventud en una obra amena y divertida a partes iguales. Los aplausos regresaron para solistas, director y orquesta. Incluso para el percusionista que, en ocasiones, parecía que iba a dejar que fuera la batuta de Barenboim la que tocara el triángulo que marcaba el final de cada una de las variaciones.

La segunda parte estaba dedicada a la ‘Sinfonía nº 1’ de Brahms. No fue así del todo; les explico. La obra de Brahms sonó nuevamente arrolladora, con la energía que impulsa a esta agrupación y la presencia de una sección de contrabajos y vilonchelos de dieciocho músicos en total. Fue tras los aplausos cuando la agrupación árabe/israelí nos brindó una propina que cerró la noche en los mismos términos con que había comenzado y que robó protagonismo en nuestra memoria a la de Brahms. El ‘Preludio y muerte de Tristan’ de Wagner, fue el magno regalo para una audiencia que aplaudió y aplaudió en pie hasta que los músicos dejaron el escenario.

Para gusto hay mil colores, pero a quien les escribe le gustan mucho los vistos en la noche del sábado. Musicalmente hablando y también entendiendo que el futuro, el de todos, ha de estar en manos como las de los músicos de la West-Eastern. No somos tan idealistas como para pensar que una orquesta puede parar una guerra, pero si lo suficientemente optimistas como para creer que las voces de muchos, si suenan juntas, pueden llamar la atención de quienes sí pueden hacerlo. Las voces de estos chicos suenan fuerte, la batuta de Barenboim es para ellos. Me emociona pernear lo que significa todo esto del mismo modo que me emocionó escuchar muchos momentos de este concierto. Y no fui el único. Que no pare la música, por favor. Y si lo hace que sea para que escuchemos los sonidos del horror que a veces parece que olvidemos en su distancia. Suenan ahí al lado.

“Lo mejor en la segunda parte”

2006-08-12T08:15:00.000Z

El ciclo sinfónico del Festival Internacional de Santander arrancó su andadura el pasado jueves, en la sala Argenta, con la presencia de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla y su director titular Pedro Halffter Caro. Lamento no poder referirme a la primera de las obras en el programa, la ‘Montañesa’ de Falla y Cándido Alegría, pero un atasco de esos antológico hizo que, quien les escribe, tardara casi una hora en recorrer la distancia que media desde la entrada a la ciudad hasta el Palacio de Festivales.

Empezaré, por lo tanto, con el bien conocido por todos ‘Concierto de Aranjuez’ del maestro Joaquín Rodrigo en la visión de la guitarrista María Esther Guzmán que dejó a la audiencia un tanto frustrada por las expectativas que siempre levanta una obra de este tipo. Expectativas fundadas tanto en el carácter de la pieza como en la eficiencia probada de la intérprete de guitarra. Las cosas no salieron a pedir de boca y obtuvimos una interpretación muy plana y que en algunos momentos planteó serias dificultades a la solista. Tratando de encontrar causas al desatino tal vez la humedad ambiental afectara al delicado instrumento en algunos momentos o cierto exceso de confianza nos dejara con un amargo sabor de boca. El aplauso no fue acogedor y por los pasillos se escuchaban comentarios en ese sentido.

Fuera como fuese, lo mejor de la noche llegó con la magna Sinfonía de Rachmaninov, gracias a la cual obtuvimos el gran sonido de los músicos de Sevilla en una interpretación entregada y muy hermosa. Es necesaria una orquesta grande con un sonido bien conjuntado para sacar partido a una obra grandilocuente, romántica hasta el exceso, como ésta. Y de todo eso hayamos en una formación que recupera su fuerza sobre el escenario y que es capaz de hacerlo tan bien como sucedió en este concierto. Pedro Halffter había concebido la dirección de Rodrigo desde una perspectiva muy rígida y metronómica, de esas que se llaman “germánicas”, pero para Rachmaninov desplegó un talante mucho más expresivo y personal con el que obtuvo unos resultados muy serios. La Real Orquesta andaluza tiene un sonido potente y unos solistas instrumentales hábiles y capaces de hacer que el flujo del sonido suceda con una naturalidad sugerida por la propia partitura. La audición de la obra, de casi una hora de duración, sucedió sin altibajos, compacta y arrancando del respetable el merecido aplauso, ahora sí entregado e incondicional, para la orquesta y su director.

Siempre que llegan estas fechas y el escenario de la Argenta se puebla de músicos de frac, uno siente falsa nostalgia de la orquesta que aún no tenemos y que necesitamos para poder apreciar, bien mejor, las sonoridades grandes de una formación de este tipo. Hasta entonces, si algún día sucede, nos quedarán estos conciertos y otros dispersos a lo largo del año, como ejercicios de escucha de lo que, tal vez algún día, podamos tener con más frecuencia.

“Días de mucho...”

2006-08-10T07:51:00.000Z

El año pasado, ya nos lo recordaba Victor M. Burell en las notas al programa del pasado martes, el Festival Internacional de Santander trajo a su escenario de la Sala Argenta al Eifman Ballet de San Petersburgo en una relación que había tenido su primer capítulo en 2002 y que, en este 2006, aparecía en el Ciclo de Danza como una propuesta apetecible e indispensable. El año pasado, les decía, nos habíamos quedado literalmente pegados a la butaca con la magnífica Karenina que nos presentaron en aquel momento.

Uno, que ya lleva tiempo dedicándose a estos menesteres, ya sabía que sería difícil volver a igualar un espectáculo como aquel pues basta que las expectativas sean altas para que las posibilidades de no verlas cumplidas también aumenten. Y así sucedió con las dos coreografías que Boris Eifman presentó esta vez al público santanerino: su ‘Homenaje a Balanchine’ y ‘Réquiem en Re menor’. Días de mucho, vísperas de nada...

Las coreografías del prestigioso artista rusa se sitúan en un punto intermedio que le alejan y acercan, por impulsos, tanto al ballet más clásico como al lenguaje contemporáneo. Una tierra de nadie que, en ocasiones, genera un lenguaje y una estética muy interesante y, en otras, capítulos trufados de indeterminación que provocan cierto sinsabor en quien los presencia. De las dos coreografías vistas la primera resultó un tanto aburrida y débilmente articulada propuesta que nos echó un jarro de agua fría sobre el cuerpo. Oleg Harkov, en el papel de Balanchine, sufrió lo indecible para acometer su rol sobre las tablas y hubo momentos en los que llegó a atribularnos en sus participaciones a dúo sobre la eficacia final de las mismas: parecía que sus parteneires pudieran venirse al suelo. La idea de este ballet nos recuerda vagamente al ‘Daaaaalí’ de Els Joglars, en el que una enfermera recorre el espacio que separa su entrada de la cama del moribundo al tiempo que el pintor recupera y recuerda muchos momentos de su biografía. Aquí Balanchine es el personaje que, en sus últimos instantes, recuerda lo que fue su arte y sus intenciones expresivas para con la danza. El punto de vista de la articulación del cuerpo se sitúa, en muchas ocasiones, en ejercicios gimnásticos de flexibilidad y esfuerzo.

En la segunda mitad encontramos un rincón más apacible en el que recogernos. El Réquiem de Mozart sirve de guía musical a una reflexión coreográfica sobre las etapas de la vida y en el que los números corales, a pesar de las danzas características que a veces aparecían en escena, sugirieron y gustaron mucho. El conjunto de la obra responde a unos planteamientos un punto desfasados, casi “ochentenos” –no olvidar que la obra fue estrenada hace quince años-, pero la originalidad de su creador y sus inquietudes para con el grupo ya están presentes de forma eficaz y muy lucida. Me quedo con el aliento de los bailarines hacia el público en dos momentos realmente bellos de esta obra. De entre los solistas destacar la potencia de Andrey Kasianenko, correspondido con “un punto más de aplausos” por parte del respetable.

“Tanto monta, monta tanto”

2006-08-09T08:26:00.000Z

Michel Camilo y Tomatito, que “tanto monta, monta tanto”, llenaron la Sala Argenta del Palacio de Festivales dentro de la 55 edición del Festival Internacional de Santander el pasado lunes. Un concierto en el que los dos músicos ofrecieron justamente lo que se esperaba de ellos: lo temas de su nuevo disco ‘Spain Again’ y algunos del predecesor ‘Spain’, germen y origen de este particular dúo.

No cabe duda de que el flamenco, como forma de hacer música, ha generado en las últimas décadas un sinfín de fusiones, confusiones y mezclas del más variado estilo que han llevado el género desde su esencia más tradicional al pop más fresco, la música de hindú, al rock, al heavy, al rap y, como no, por el camino del jazz en una mixtura que funciona a las mil maravillas desde hace tiempo. Pedro Iturralde fue pionero en esta búsqueda y muchos han sido lo que le siguieron: Jorge Pardo, Carles Benavent, Chano Domínguez... Michel Camilo y Tomatito encontraron sus pasos hace más de un lustro y es ahora cuando nos ofrece su segundo trabajo discográfico en unión y armonía. Un disco en el que el tango se une a la familia rítmica experimentada tiempo atrás ampliando el espectro y diluyendo el flamenco como origen. Todo es posible, o todo vale si los intérpretes tiene el saber musical de estos dos que ahora nos ocupa.

‘Spain’ o ‘La Fiesta’ de Chick Coréa, temas de Piazzolla como el célebre ‘Libertango’ –que desafortunadamente sonó algo confuso- y otras de creación propia integraron un programa que tuvo momentos muy intensos y virtuosísticamente increíbles. ¿Recuerdan el famoso concierto ‘An Evening with Herbie Hancock and Chick Corea’ en el que ambos pianistas tocaban, frente a frente, muchos temas de raíz flamenca? Pues si sustituyen a uno de ellos por la guitarra de Tomatito tendrán aquello con un sabor algo más auténtico. Eso es lo que vimos, y recordamos, en algunos momentos de la velada.

Michel Camilo es un pianista virtuoso y con un toque potente, mucha presencia frente al teclado y brillantez en los desarrollos bien definidos de sus intervenciones. Por su parte Tomatito, el de Camarón, desgarra el sonido de su instrumento para situarse a la altura de su compañero y cabalgara en trepidantes propuestas. Cuando llega la calma el sonido es más íntimo pero igualmente visceral. En ambos casos la sonorización de la sala, difícil para un conjunto tan desproporcionado en volumen como éste, potenció los volúmenes para dar “aire de directo” –de los de festival de jazz en gran superficie- al encuentro. A veces funcionó bien este sonido, otras no tanto.
El concierto duró poco. La costumbre de recortar la duración de la propuestas para completarla después a base de bises es una política cada vez más habitual en los escenarios. Así, lo que no fueron propinas, ocupó algo más de una hora y con las vueltas al escenario llegamos a la hora y treinta. El público aplaudió a los músicos y jugó al juego de hacerlos salir una y otra vez. Parte del espectáculo.

“Andante... ma non troppo”

2006-08-08T09:18:00.000Z

El Festival Internacional de Santander salió a las calles de la ciudad con el estreno mundial del último espectáculo de ‘Comediants’. Una aventura escénica que recorre el centro urbano en homenaje a W.A. Mozart, doscientos cincuenta años después de su nacimiento.

La propuesta, en formato de cabalgata con el mismo itinerario de la que por Navidades nos trae a los Reyes Magos, estaba compuesta por siete escenas atendiendo a otros tantos aspectos de la biografía del de Salzburgo. Desde el genio “explotado y amortizado” por su padre Don Leopoldo hasta su final centrado en la composición, pugilística dentro de un ring de boxeo, del Réquiem último. La ópera, el ambiente vienés, el amor y un ligero toque que bien nos podía recordar a la cinta de Milos Forman ‘Amadeus’ organizaron el pasacalles que congregó a un buen número de público en post de los actores hasta la escena final ofrecida en la Plaza del Ayuntamiento con una glosa en la voz de la Reina de la Noche de la ‘Flauta Mágica’ acerca de las virtudes del músico. Allí una impresionante mano resumió la esencia de la música universal de Wolfgang y repartió entre los asistentes octavillas con fragmentos de su música sinfónica.

El espectáculo gustó, y mucho, a los más pequeños que acudieron al evento. Y se lo digo tras haber realizado el recorrido completo con María, de tres años, subida sobre mis hombros. Aplaudían, llamaban a Mozart, se asustaban –un poco- con los “muertecillos felices” y palmeaban, a ritmo, las melodías más conocidas de Mozart. El color y el ingenio de los detalles a los que nos tienen acostumbrados la compañía catalana no faltó en este “Andante”... ma non troppo.

Desde otra perspectiva, debajo de mis hombros, ‘Mozart Andante’ pecó de cierta dosis de inocencia y simplicidad. Hubiera sido interesante contar con algunos de los pasos de la procesión con música en directo, con Mozart vivo en las manos de sus intérpretes igual que en otras ocasiones, también de Comedians, hemos visto el directo de los sonidos; más en este caso. Los carruajes iban engalanados sin excesos, con detalle como los carteles de las ciudades visitadas por el maestro o las fotocopias a color de sus partituras que desentonaban en su preparación con otras estructuras más elaboradas y originales.

Así con todo la ciudad salió a la calle y Mozart fue su guía. De unos para descubrirlo y de otros para buscarlo. Son las cosas de un estreno que, a buen seguro, evolucionará y cambiará en posteriores escenificaciones.

“Psicodélico ballet de Roland Petit”

2006-08-07T09:05:00.000Z

El ciclo de danza del Festival Internacional de Santander se puso en marcha el pasado sábado con la presentación en nuestra ciudad del Tokio Asami Ballet y el espectáculo Pink Floyd ideado por Roland Petit en los primeros años 70 del siglo pasado y reformado recientemente –corregido y ampliado- para la formación Nipona. Como interés añadido la presencia de Lucía Lacarra, que visitara por última vez Santander en el año 2001, configuraron un propuesta que despertó el interés del público y no defraudó en modo alguno.

La coreografía ideada por Petit, uno de los grandes coreógrafos del pasado siglo y que aún se mantiene activo, es un alucinante viaje por la música del grupo de rock sinfónico más relevante de la historia de la música de este género. Las visiones, léase alucinaciones, de Petit nos sumergen en planteamientos coreográficos que respiran el aire de la música sobre la que se construyen . Y hablando de construir es precisamente esa forma de entender las composiciones, que van creciendo en un ejercicio arquitectónico de crear la música, donde se incluyen muchos de los momentos de la danza. Partiendo de un movimiento sugerido por el sonido se van sumando a él otros más, gestos nuevos y elementos de la danza clásica que se antojan como pilares de un conjunto que funciona sobre las tablas. El escenario se presenta vacío con la única decoración de las luces, focos herederos de los escenarios de rock más primitivos, que sirven para organizar el baile pero también para iluminar al público en un punto casi de provocación. No hace falta más, la música es potente y suficiente para completar los espacios vacíos del escenario.

El efecto de muchas de las coreografías, pues estamos hablando de un trabajo que se distribuye en doce temas del grupo inglés, parece en muchas ocasiones hablarnos de los mecanismos de nuestra memoria, de los “déjà vu” y de la psicodelia en estado puro. Grandes hallazgos y efectivos desarrollos nos sorprendieron y, a quien les escribe, dejaron clavado en la butaca. Como el grito de final de una de las escenas –‘Careful With That Axe Eugene’- que aparece reforzado por las chicas del cuerpo de baile en una aparición precipitada de tan solo unos segundos o los magníficos números corales en caleidoscópicas propuestas que nos mostraron el gran trabajo de la compañía de Tokio.

Los bravos más desaforados y los gritos que trasformaron al público “de danza” en el de “concierto de rock”, además de al final del espectáculo, llegaron con la coreografía “Run Like Hell”, en la que la potencia del break-dance, junto al poderoso tema de Pink Floyd, tamizados por el gusto escénico de Petit y las sorprendentes habilidades de Slyde, emocionaron a más de uno y, sobre todo, fueron una tremenda descarga de energía.

La estrella de la noche, brillando al mismo nivel que los demás elementos, era indiscutiblemente Lucía Lacarra, a quien pudimos ver en esta misma sala y en este mismo Festival en el año 2001, como estrella invitada del Ballet de San Francisco y dos años antes en la Gala de Estrellas Españolas la Danza que ya la trajo junto a su pareja escénica y sentimental Cyril Pierre, también presente en este ‘Pink Floyd’. Lacarra ha sido inspiradora y musa de Roland Petit desde que ingresara en su ballet hace más de una década. Ahora el coreógrafo ha revisado este ballet pensando en ella para la inclusión nuevos números y la flexibilidad y elegancia de la bailarina de Zumaia contagian, en parte, el resto de la coreografía. Su presencia, les decía, se funde con el resto de la compañía siendo solista pero miembro de un complejo sistema que enlaza en el sentido unitario del espectáculo. Lienz Chang y Altankuyag Dugaraa, otras dos estrellas de la compañía, también gustaron en unas coordenadas de agilidad y flexibilidad atléticas en muchas ocasiones.
Como ven el resultado funcionó y el público lo agradeció con un aplauso tan largo que hizo que la compañía tuviera que despedirse, literalmente, del escenario para parar el agradecimiento de los de las butacas.

"Una grande entre las grandes"

2006-08-06T09:07:00.000Z

El Festival Internacional de Santander 2006 nos presentó, por primera vez en el Palacio de Festivales, a una de las grandes voces líricas de los últimos años. Violeta Urmana fue la protagonista del segundo capítulo del FIS este verano tras la inauguración con las dos funciones de la Traviata.

Suele suceder, y desde estas butacas se lo hemos contado en pasadas ocasiones, que el formato de recital con estrella del canto y orquesta acompañante deje sinsabores en parte del respetable al descubrir que la voz que iban buscando no era siempre lo que esperaban. Afortunadamente éste no fue el caso del concierto de "la Urmana" que mantuvo un altísimo nivel interpretativo desde el comienzo hasta el final de la velada. Implicación en las piezas, programa preparado y bien llevado y una orquesta, la de la Fundación Toscanini, que trabajó con, además de eficacia, mucho arte.

La primera parte del programa combinó oberturas operísticas de Mozart, ya saben que "aún" sigue siendo este su año de aniversario, con obras de Wagner en la voz de Violeta Urmana. En esta primera mitad la soprano lituana dejó clara su intención para todo el concierto desde la primera nota que salió de su boca. Su voz contiene armónicos ricos que la hacen ser escuchada llena de matices, controló el movimiento dejando vibrar el sonido cuando el carácter ambiental de la partitura así lo sugería. Ejercitó su técnica y desplegó sus cualidades naturales para dar a les "Wesendock Lieder" el encanto y la magia que hicieron de su escucha ana auténtica delicia. Tan solo el repetido aplauso del respetable, tras cada una de las piezas que lo integran, seccionó una obra que, de otro modo, hubiera encandilado más aún gracias a su magia. Pero el público manda en estos casos.

Tras el descanso teníamos reservado una selección de piezas verdianas y veristas en las que encontramos otras habilidades de la protagonista de la noche. Si antes vimos el registro acogedor, íntimo en ocasiones y muy sedoso de Violeta Urmana ahora encontramos agilidad, drama, profundidad y decenas de pequeños detalles en giros y guiños melódicos que arrancaron ovaciones, vítores y aplausos de una audiencia entregada y enamorada de la voz de la 'diva', perdón: con mayúsculas, Diva. Quien les escribe no podrá olvidar el Wagner del comienzo, pero es justo señalar que las arias de 'Andrea Chenier', la 'Gioconda' y, especialmente, el 'Machbeth' de Verdi quedarán para el recuerdo de la historia de este Festival.

De la orquesta, les decía al principio, también obtuvimos más de lo acostumbrado. No se trató de una formación haciendo un "bolo" ente funciones de ópera sino de un conjunto muy serio y bien armado haciendo la música exigida para cada momento. Así en los episodios mozartianos fueron ágiles y brillantes, sonaron contundentes y mucho con Wagner. En estos momentos el sonido de los italianos parecía el de una orquesta con más instrumentos que los que realmente había en escena, algo más de medio centenar. Para Verdi, Mascagni, Giordano y Ponchielli ofrecieron variedad, definición tímbrica y un conocimiento profundo de las obras. La dirección de Miguel Ángel Gómez Martínez tuvo mucho que ver con el resultado, cómplice en todo momento pero especialmente efectivo e implicado con los lieder de Wagner.

Como era de esperar, al final de lo programado llegaron los previstos bises, más de 'Cavalleria' y una escena de 'La viuda alegre'. Bises que llegaron con la aclamación del público que, en esta ocasión, más que pedir más música se notaba que estaban agradeciendo lo que habían presenciado: un gran recital de una grande entre las grandes.

“Una Traviata entre gasas”

2006-08-03T07:16:00.000Z

La edición número 55 del Festival Internacional de Santander arrancó su actividad en el Palacio de Festivales con la esperada puesta en escena de la ‘La Traviata’ dirigida en lo escénico por Franco Zeffirelli y en lo musical por Maximiliano Stefanelli. Como suele suceder en esta jornada de comienzo, el acto tuvo su repercusión musical y social en un escenario repleto de público que, en esta ocasión, además tenía muchas ganas de escuchar un título de los más conocidos del repertorio operístico. Galas, por lo tanto, en las butacas y galas en la escena como dos espejos que se miran, el uno en el otro buscando el infinito.

La producción respira el aire barroco, manierista, rococó o como quieran ustedes llamarle del maestro escénico que ideó este proyecto. Si recuerdan algunas de sus producciones cinematográficas de ópera sabrán a lo que me estoy refiriendo, en un gusto por lo recargado que responde a la estética y el tiempo de toda una generación de grandes directores, de cine y de escena, italianos. Una ‘Traviata’, les decía, recogida entre gasas rígidas, envuelta en cortinas y presa de la sociedad que genera su propio drama. Una sensación de asfixia que no impide encontrar momentos de mucho aire en las escenas de conjunto. Bombones envueltos en papel de plata esperando ser elegidos de entre todos de la caja. En el centro una estructura móvil de metacrilato que juega a ser puerta de entrada, muro, pasillo e incluso corazón con ventrículos y aurículas por las que transitan las esperanzas y fracasos de Violetta Valery y Alfredo Germont. La omnipresencia de todos estos elementos acaba haciéndose notar y trasmitiendo el peso sobre los hombros del espectador que termina un tanto ‘cansado’ de sobrellevar el mismo decorado en los cuatro cuadros de la obra.

Musicalmente tuvimos un arranque difícil. Los dos protagonistas del drama hicieron un primer acto irregular y algo desatinado. Tanto Svetla Vassileva como Roberto Aronica navegaron en aguas de indeterminación hasta llegar a cuajar lo que de ellos sabíamos de comparecencias anteriores; recuerden que a ella la pudimos ver en Pagliacci en el año 2000 y a él en el Simón Boccanegra más recientemente. La voz del tenor italiano despegó finalmente mediado el acto segundo y ofreció el registro asentado, potente y de gran calado que todos esperábamos. Ella, en cambio, cosechó los mejores momentos de su presencia en las dinámicas más íntimas del registro. Svetla Vassileva tiene una voz muy hermosa pero indómita, cuando logra controlarla es capaz de sublimar intervenciones delicadas, finas y suaves en la que los glissandos hacen que las melodías fluyan con una naturalidad apasionante. En las dinámicas más potentes la afinación pierde finura ganando en dramatismo y color. Es aquí cuando la falta de control se hace más evidente. Giovanni Meoni, el padre de Alfredo en el drama, fue más regular y preciso en su papel, sin excesos pero sin aparentes defectos gustó y fue aplaudido por un público que, por otra parte, se mostró más frío que de costumbre. Quedaron algunas arias sin el aplauso merecido y los bravos no fueron demasiados.

La Orquesta de la Fundación Arturo Toscanini sonó compacta y funcionó desde un foso dirigido por Stefanelli. Su visión de los tempi de la obra se nos mostró contrastante en estrictos cambios metronómicos que hicieron evidente los capítulos musicales de la partitura en una apreciación episódica. El Coro, igualmente de la Fundación Arturo Toscanini nos brindó un brillante, tal vez un punto estruendoso, final del segundo acto. Por lo demás conjugó perfectamente con la orquesta y “vistió” con eficacia la escena.

Queda así puesta en marcha la nave que nos acompañará todo el mes de agosto y a la que le esperan citas importantes y muy interesantes. Fue una pena no poder contar finalmente con la presencia en este acto del propio Zeffirelli, más que nada por satisfacer ese punto de mitomanía que todos llevamos dentro y por haber ofrecido aplausos al maestro por esta producción y por toda su carrera.

"Andanzas líricas"

2006-07-26T09:42:00.000Z

Bajo un calor sofocante y aprovechando una visita a la capital, si me permiten contarles estas “andanzas”, tuve la oportunidad de conocer, la semana pasada, el nuevo teatro y el nuevo festival creado en San Lorenzo del Escorial. Desde comienzos de julio y hasta que finalice el mes se han programado una serie de espectáculos que han acudido a la danza, la música clásica, la zarzuela y la ópera para situar al recién nacido encuentro a la altura de otros festivales veraniegos.
Como reclamo la inauguración del nuevo teatro, funcional y moderno en sus posibilidades y con un diseño exterior que aprovecha la situación privilegiada de su entorno, con unas terrazas espectaculares para mirar el paisaje y los atardeceres madrileños.
La Orquesta y el Coro del Maggio Musicale Florentino se encargaron de inaugurar las actividades musicales en El Escorial con fragmentos de óperas de tema español y el Stabat Mater y el Te Deum de las Quattro Pezzi Sacri de Verdi. Luego vinieron los English Baroque Soloists con Eliot Gardiner, la Sinfónica de Galicia o Rinaldo Alessandrini. La ópera se estrenó en el nuevo teatro con el ineludible Mozart en el 250 de su nacimiento. Una ‘Flauta Mágica’ dirigida en lo musical por Collin Davis, en lo escénico por Daniele Abbado y con un reparto de primeras figuras de la lírica internacional. He de confesarles que al acudir a su estreno pensé que la producción iba a ser de esas espectaculares y que marcaría un hito, precisamente al ser la encargada de inaugurar un teatro y un festival en lo que a escena se refiere. Pero la producción de Abbado no abunda en grandilocuencia y sí en el color de cuento y la imaginativa, tal vez ya desfasada, escenografía de Emanuele Luzatti. Nada que objetar la Sinfónica de Londres, ni más ni menos, tal vez que su sonido queda demasiado velado en un foso, también recién estrenado, que oculta el sonido más de lo deseado y recomendable en propuestas líricas. Vocalmente, y sin entrar en pormenores, alabar las voces de Rachel Harnisch y Sylvia Koke, Pamina y la Reina de la Noche respectivamente, que formaron intervenciones magistrales, intensas y emocionantes.
Después, les sigo contando, me colé en la última representación de la Luisa Fernanda del Teatro Real. Y aquí todo lo que les quiero relatar entra en el terreno de lo anecdótico. En tres ocasiones la luz de teatro, y alrededores, dejó de funcionar. Las dos primeras coincidieron con momentos de pausa o primeros compases de la partitura, pero la tercera –y mas prolongada- sucedió justo en el instante en el que Ángel Ódena atacaba el más conocido aria de este título. Tras una docena de funciones y los correspondientes ensayos anteriores, la orquesta dirigida por Jesús López Cobos y el propio barítono conocían de memoria su trabajo por lo que fueron capaces de realizar sin problemas, a oscuras y a tientas, el aria de comienzo a fin. Los bravos y vítores de la concurrencia no se dejaron esperar y hasta el gerente del teatro salió a escena para pedir disculpas y solicitar la autorización del respetable para seguir adelante a pesar de las inconveniencias. Un talante realmente admirable y las ganas de escuchar toda la música se volcaron desde la audiencia que acompañó hasta el final del espectáculo. La luz no se apagó más veces, pero la anécdota durará en el recuerdo, se lo aseguro.

“Encuentros”

2006-07-14T09:41:00.000Z

Suma y sigue el Encuentro de Música y Academia de Santander sus propuestas de concierto. Fórmulas musicales que funcionan gracias a la indudable calidad de los integrantes, desde el escenario, y a los programa variados e interesantes. No cabe duda de que los músicos disfrutan y aprenden, unos de otros, en oportunidades como las de la pasada semana, de “hacer” piezas no habituales del repertorio de cámara. El público en la sala también lo agradece con su fidelidad, en los espacios santanderinos, y con el hallazgo en otros casos en las alternativas ofrecidas por los pueblo de toda la región.

La pasada semana participé en un experimento iniciado por el Ayuntamiento de Arnuero aprovechando las propuestas del Encuentro para su entorno. Se enfocó el primer concierto celebrado en la Iglesia de Castillo con una presentación, que me correspondió hacer, con una intención puramente didáctica y “a modo de notas al programas contadas de viva voz” ofreciendo pistas a los nuevos escuchantes de cómo disfrutar más con la clásica. Hoy, en la Iglesia de Isla, se continúa este breve ciclo que cerrará un concierto en Arnuero. Los resultados, de momento, son interesantes y la idea de animar a todo tipo de públicos a conocer “qué es lo que pasa” en un concierto de música de cámara un ideal como alternativa de ocio para el tiempo libro muy necesario con los tiempos que corren. Los jóvenes músicos tocaron ante la audiencia, no muy abundante en una noche de “semifinales del mundial”, como si su concierto se celebrara en el escenario más importante del mundo: con seriedad y eficacia.

Lo mismo les puedo decir de los conciertos celebrados en Santander. Tal vez el deseo y las ganas de dar todo lo que se pueda hicieron que algunos de los programas, por ejemplo el del pasado jueves en la Argenta, fueran largos y abundantes en contenido. Pero como dice la sabiduría popular, “sarna con gusto no pica...” ¿No les parece?

“Re-nacimiento de una orquesta”

2006-07-08T09:41:00.000Z

La experiencia se repite cada año, y no por eso deja de sorprendernos: un puñado de jóvenes estudiantes de música que se encuentran en Santander y así, de repente y como surgido de la nada nos encontramos con una orquesta sinfónica que ya la quisiéramos nosotros para todo el año. Una orquesta, les digo, que suena a las mil maravillas y que es capaz de ofrecernos programas complejos, completos y desarrollados con la maestría propia de las formaciones estables. Un renacimiento anual de esta orquesta que es esperado y aplaudido por todos, habiéndose convertido en el punto de arranque del verano cultural para nuestra ciudad.

Supongo que ya sepan que estamos hablando, un verano más, del Encuentro de Música y Academia que, con esta, suma ya seis ediciones del certamen en sus propuesta de conciertos y pedagogía por toda Cantabria. La actividad musical ya había comenzado a principios de semana, pero la inauguración oficial, la de la orquesta de los estudiantes, sucedió finalmente el pasado viernes en una sala Argenta no tan llena como otros años pero con un concierto de los más intenso que recuerdo de esta formación eventual.

La mezcla habilidosa de profesores y alumnos sucedió en esta ocasión con la presencia y participación en la primera parte de la noche del clarinetista Paul Meyer interpretando el concierto para este instrumento de Mozart. Peter Csaba, bien conocido por el público habitual de este certamen, Meyer y los jóvenes músicos lograron en esta obra una remanso de afinación impecable, gusto y evocación con auténticas “virguerías” musicales con pianísimos sublimes y un lirismo que únicamente podemos calificar de magnífico.

Para la segunda mitad del concierto quedó el Concierto, permítanme la redundancia, para orquesta de Béla Bartók, una obra difícil de escuchar –no en sí misma sino por las escasas oportunidades que hay para hacerlo en directo- y que fue realizada con la imaginación y energía necesarias para hacer que este fastuoso recorrido sonoro se produjera como si de una experiencia personal se tratara. No les engaño si les digo que el último movimiento de la obra, tal vez el más interesante, explotó ante nuestros oídos y demostró el arranque y la energía de todos sus intérpretes. Así se hace.

“El Soplao: una sala de conciertos diferente.”

2006-06-24T09:40:00.000Z

Los escenarios para el arte, los espacios habilitados para el disfrute de una exposición, un concierto, un recital poético o una obra de teatro, por citar algunas de las propuestas más habituales, se han ido diversificando en busca de espacios, en sí mismos, interesantes parta compartir experiencias. En las últimas décadas, por ejemplo, muchas han sido las iglesias que han abierto sus puertas a conciertos que iban más allá del coro gregoriano o del recital de órgano: agrupaciones de cámara y orquestas ocuparon los altares para aprovechar las acústicas, cargadas y sorprendentes, de los muros de piedra. Lo mismo en museos, palacios, escalinatas, edificios oficiales...

¿De qué les estoy hablando? Pues de la habilitación, de momento para la música, de uno de los lugares que, en el último año, se ha convertido en bandera turística de nuestra comunidad. Me refiero a la cueva del Soplao que acogió, en la noche del pasado viernes, el recital de Teresa Berganza acompañada por la guitarra de José María Gallardo del Rey.

Indudablemente el impacto visual del espacio es un reclamo que embellece la música y hace que la experiencia sea, al menos, distinta a lo que estamos acostumbrado en una sala ordinaria de conciertos. Por lo tanto la experiencia musical es algo más que únicamente sonido, más en unas coordenadas acústicas grandilocuentes pero delicadas para el sonido que se genere desde el escenario “natural” en el que se ubicó el concierto. Sumen a todo esto la iluminación cuidada y la posibilidad de dar un paseo por el interior del Soplao entre parte y parte del relato musical. Ciertamente diferente. Tal vez les aconsejaría, si en próximas convocatorias deciden acercarse al Soplao, que olviden la etiqueta de postín de los grandes conciertos y apuesten por el confort de la ropa más cálida. Quien les escribe no se lo pensó mucho y después echó de menos unos calcetines de lana.

Del recital permítanme alabar la guitarra de Gallardo del Rey en un estilo elegante que sirvió de soporte a la voz de una de las más grandes de la lírica. Ella, doña Teresa, ofreció piezas que recorrieron un repertorio apoyado en sus gustos de un tiempo a esta parte: Lorca, las canciones españolas de Falla, melodías renacentistas... Y por el respeto debido a un nombre propio como el de esta gran dama, permítanme que mi comentario se quede así.

“Jie Chen de nuevo en Santander”

2006-04-30T09:37:00.000Z

Jie Chen, que fuera tercer premio en la pasada edición del Concurso de Piano de Santander Paloma O’Shea, regresó a nuestra ciudad para ofrecer un concierto enmarcado dentro de las actividades musicales del Ateneo.

La joven intérprete china dejó muy claras sus inmensas cualidades musicales que la hicieron acreedora del citado galardón. Un programa encabezado por Scarlatti y cerrado con Brahms tuvo en Beethoven, Albéniz y Bach al resto de sus protagonistas. Como pueden imaginar la variedad de estilos fue el camino seguido por Chen para, curiosamente, unificar su técnica y sentimiento en unas ejecuciones brillantes y atrevidas para cada una de las piezas.

Scarlatti fue tal vez el capítulo menos interesante e intenso de la velada, pero abrió la puerta a una sonata beethoveniana, la número 30, que fue creciendo poco a poco llegando al Andante final de una forma fastuosa y plena de energía. Cerrando la primera parte dos secciones de la Suite Iberia de Albéniz, ‘Evocación’ y ‘Triana’, vistas desde una perspectiva musical que poco tiene que envidiar a los referentes que podamos tener en nuestra mente. Así sucedió también con el bis ofrecido con ‘El Pelele’ de Granados.

En la segunda mitad del concierto le llegó el turno a una delicada adaptación de Egon Petri sobre una cantata de Bach y, por último, las “inmensas” variaciones Opus 24 de Brahms. Una obra que precisa de mucha eficacia ante el teclado, capacidades técnicas y un universo expresivo a la altura de una pieza que, de otro modo, puede resultar seca y pesada. Chen captó la atención público y también sus aplausos.

“El ombligo de Nacho”

2006-04-29T09:36:00.000Z

Permítanme la licencia de leer otro texto que el escrito por Peter Handke para las “Alas sobre Berlín” de Win Wenders. Un texto diferente al sugerido en el programa de “Alas” –sin cielo berlinés- que el pasado fin de semana estrenó Nacho Duato y Tomas Pandur en el Palacio de Festivales de Cantabria con su Compañía Nacional de Danza.

Una propuesta personal e íntima, con sabor y humores de la vanguardia de la segunda mitad del XX, en la que la apuesta escénica juega con la danza y el teatro para dar color, uno oscuro, a una reflexión universal acerca del sentido mismo de la existencia. Como en los cuadros de René Magritte hay un punto de surrealismo, un espacio en el que la identidad –que no existencia- de los individuos pueden verse velados por un periódico sin letras. También una estética futurista que nos recuerda a otros oscuros también cinematográficos: Blade Runner, Black Rain... ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? ¿Sueñan los ángeles con ser mortales? ¿Sueña Nacho –Duato- con su vida después de la danza?

El ombligo de Nacho es el centro de esta reflexión, al menos para quien les escribe, una mirada interior con la que el coreógrafo y bailarín regresa a las tablas para encarnarse a sí mismo. Entonces, solo entonces, entendemos que la transición no se realiza del cielo a la tierra sino de la tierra al infierno. Y las alas pueden ser “las de la danza”, y el rascacielos-monolito que preside la escena una especie de “escalera de Jacob” que nos lleva hacia un averno poblado de seres como lo está el infierno dibujado por el Bosco en su ‘Jardín de las delicias’, ¿lo recuerdan? Allí también había victimas y verdugos chapoteando en el agua.

Cielo, infierno, tierra, vida, existencia, muerte... universales “con Alas” y una mirada muy íntima de un Duato –Nacho- que anticipaba su intención de ser presencia física y madurez en el escenario. Y así fue, aun cuando sus movimientos pudieran parecer histriónicos o exagerados. Tenía que ser él el que encarnara este ángel, a pesar de todo.

La música utilizada, siguiendo con los hábiles collages de “clásicos y modernos” a los que nos tiene acostumbrados la Compañía Nacional, es vértice ineludible de toda la obra y en la que, a pesar de no estar presente como nombre, flotan elementos bachianos –de Bach- en desarrollos y espacios acústicos. Del otro lado, la nueva creación, acude a elementos de la música concreta “enlatada” y al empleo “en vivo” de los propios sonidos, recitados, voces, susurros, chapoteos o roces de los bailarines en escena.

Una compañía impecable, una vez más, en participaciones que esta vez tenían el difícil papel de ser, todos ellos, interlocutores de un único conversador. De circular alrededor de este ombligo ingeniado por Nacho Duato y Tomaz Pandura. ¿Tanto monta y monta tanto? No creo.

Una producción, en definitiva, compleja y atrevida y que dejó en su estreno muchos aplausos y una extraña sensación, de incertidumbre.

“La ‘Celebración’ del Romea”

2006-04-02T10:37:00.000Z

El pasado fin de semana el Palacio de Festivales de Cantabria ofreció, en su Sala Argenta, la producción que el Teatre Romea ha realizado basada en la cinta cinematográfica de Thomas Vinterberg ‘Festen’. Un camino de vuelta que, normalmente suele ser de ida: de la pantalla grande al teatro. Senda peculiar en este caso al tratarse de un tipo de cine nada convencional en sus recursos técnicos del discurso audiovisual.

Pero es precisamente esto, la forma de narrar, lo que nos cautiva en la Celebración dirigida por Josep Galindo. El espacio de la escena se amplía, un poco, hacia la platea y nos incluye, también un poco, dentro de la acción siendo parte de los invitados a la celebración del cumpleaños que desencadena el drama de esta obra. Un drama que es, en esencia, un mazazo que cae con todo su peso en nuestras caras y sobre el cual “vemos reaccionar” a propios y extraños en el escenario. El argumento es inteligente y el espacio escénico también lo es mucho: un organismo que se trasforma en sugerencias de diferentes estancias y que funciona muy bien en cada capítulo, acto o secuencia –que lo mismo nos da- de la obra.

Hay un segundo espacio, intenso y también muy expresivo, sobre el que se coloca la obra. Se trata de la ambientación sonora que vigila y cuida el tono de los murmullos, los ocasionales –y meditados- roces de los objetos en el escenario, las copas que cantan y brillan creando momentos acústicos muy contundentes... Sonoridades que nos trasportan a las reflexiones de John Cage sobre qué es la música –en esencia todo aquello que sucede dentro y fuera del escenario- o a los coros infantiles dirigidos por el nórdico Gary Graden en el que recursos como el tintineo de unas copas o el sonido del agua son complementos ideales para la palabra hablada.

Todos los actores y actrices comprometidos en esta producción generan modelos y comportamientos creíbles dentro de la intención de realidad tanto de la obra como de su origen cinematográfico. Hay equilibrio en sus trabajos y una complicidad entre todos ellos, más de una docena, que hace que todo discurra con coherencia creíble y dramática... algo difícil de conseguir pero mágico cuando se logra.

El público apreció en lo que vale obtener un modelo de teatro alejado de los habitual a pesar de algunos reproches, capturados por quien les comenta a la salida del espectáculo en conversaciones robadas a mis compañeros de butaca, al asunto de la obra –abusos sexuales- o al lenguaje empleado en la misma. Créanme que cada tarde recibimos en televisión programas mucho más groseros y zafios en sus contenidos “del corazón” que lo que pueda ocupar en Festen, y nadie se queja mucho de ello. ¿No creen?

“Literatura para estudiantes”

2006-04-01T10:38:00.000Z

La conversación entre Pereda y Galdós que La Machina Teatro formula sobre un texto de Alberto Iglesias, continúa su acercamiento a los más jóvenes con su “propuesta en escena” en el Mercado del Este santanderino para continuar, posteriormente, en diversas localidades de Cantabria.

La invención dramática, con mucho rigor histórico, que nos ofrecen Miguel Meca y Luis Oyarbide es, indiscutiblemente, un buen asunto para ver teatro pero, sobre todo, para aprender pasado. Por eso los alumnos que acuden y acudirán a este espectáculo tendrán en él un texto rico en sugerencias y un material de gran valor para que el docente, si es que quiere, pueda trabajar “antes y después” de acudir a presenciarlo en directo muchos aspectos importantes: la historia de Santander, la de España, conceptos políticos y sociales, modernidad y tradición, arte... Literatura para estudiantes.

La obra es, como los textos de sus protagonistas, realista y naturalista en un intento de caracterización de estos hombres de letras realmente impresionante. Marián Puente realiza un trabajo en el maquillaje tremendamente efectivo y que hace que Meca y Oyarbide cobren vida desde el recuerdo que de Pereda y Galdós tenemos gracias a fotografías de la época.

Un ventana, literal, de proyecciones nos permite asomarnos al pasado sugerido por el texto y contemplar el “ayer” que nos comunican sus protagonistas. El resto del espacio es un recrote, también literal, de una cafetería también de las de aquel pasado. Un texto breve en un espacio breve para ofrecer al público general y, créanme que también especialmente a los estudiantes, un material amplio en su concepto e interesante para todos.

“Zimerman aristotélico”

2006-03-20T10:35:00.000Z

Krystian Zimerman pasó por el Palacio de Festivales el pasado sábado. Un concierto inolvidable y, simplemente, perfecto en las intenciones y resultados de uno de los “megapianistas” de los últimos tiempos.

Heredero de los nombres propios, con mayúsculas y apellidos, de la interpretación del piano Zimerman es capaz de trascender las partituras en alardes de belleza que tienen en el aristotélico concepto de la belleza la piedra angular de cada una de las obras que ejecuta. Les hablamos de mesura y, especialmente, del equilibrio que logra entre su técnica y su expresividad, entre él mismo y un instrumento, un Piano –con mayúsculas- que viaja junto al intérprete para ser la única voz posible de su música. Un sonido que puede recordarnos a las grabaciones de antaño cuando los instrumentos eras más suaves en el teclado y permitían mayor velocidad y dinámicas más reducidas. Pero Zimerman estuvo delicado y elegante cuando la partitura lo merecía y rotundo y dramático cuando así ere imprescindible.

Empezó con al Sonata en do menor KV.330 de Mozart, un título conocido por todos pero con el que nos ofertó una visión fresca, pura y agradable del genio de 250 años. Después le llegó el turno a Beethoven, otro clásico pianístico en su Patética que resultó conmovedora e hipnótica en el concepto de perfección y en los aciertos dinámicos que les anticipábamos. Tras la primera parte más clásica la segunda arrancó con un paréntesis chopiniano, solo cerrado en el extraordinario bis final, para seguir con los Valses Nobles y Sentimentales de Ravel. Nuevas lecciones de estilo y concisión sonora, de quietud y escándalo, de virtud. Como colofón un descubrimiento para todos, el torrente y la dificultad de la Sonata de Bacewicz, obra nada fácil pero que encandiló a la audiencia y a quien les escribe, particularmente, con el hermoso Largo Tranquilo situado en su ecuador.

“Sonido contundente”

2006-03-16T10:35:00.000Z

El ciclo de Jóvenes Intérpretes que, regularmente, nos ofrece la Fundación Marcelino Botín, trajo el pasado martes al escenario de Pedrueca a la violinista cántabra Irene Benito, acompañada por Amaia Zipitria al piano.

El programa confeccionado por ambas intérpretes se nos planteó lleno de exigencias musicales y técnicas, permitiendo conocer la musicalidad y el punto de desarrollo de esta intérprete a la que he tenido la suerte de encontrar en los últimos años en diversos acontecimientos musicales. Su progresión es evidente en este tiempo, a pesar de que siempre ha demostrado un instinto musical de primer orden su técnica y el timbre que ha encontrado para su instrumento han cambiado y crecido. Tal vez para quien les escribe la sonoridad ofrecida con la pieza de Beethoven que abrió el concierto fue demasiado estridente y nasal, mucho más adecuada para los requiebros cíngaros de Ysaÿe o para la Habanera de Sanint-Saëns. Pero, como dice la tradición popular, “para gustos están los colores” y la paleta que despliega Irene Benito está plagada de matices y sonidos bien elaborados y contundentes.

Les decía que si bien Beethoven necesitó, a mi entender, de lirismo, con Grieg se desató el dramatismo preciso para dotar de sentido una obra profunda y madura. Así las cosas Irene Benito prosigue el camino creciente de formación, estudios y conciertos que van labrando el camino que ha de conducirla a poder desarrollar todas sus capacidades en el mundo de la música.

“Mano a mano”

2006-03-13T10:34:00.000Z

Con motivo de la celebración, o mejor decir conmemoración, de Día Internacional de la Mujer, el Centro Cultural Caja Cantabria programó, el pasado viernes, un programa doble integrado por un cortometraje y una coreografía sobre el tema que ocupaba. Mujeres, y trabajadoras, contando de primera voz sus realidades en la proyección de Maria Luisa Ramos y mujeres bailando sus días en el espectáculo coreográfico ideado por Rosa Nuñez.

Hace muños años, cuando era bien niño, una profesora de las de “escuela” nos mandó dibujar a nuestra familia en una hoja en blanco. Yo, si me permiten contarles, garabateé a mi padre trabajando en casa, como así hacía entonces, y a mamá con una carpeta buscándose el pan fuera del “núcleo familiar”. La profesora en cuestión, al ver el dibujo, me corrigió amable: “es mamá la que trabaja en casa y papá el que lo hace fuera”. En mi estrenada infancia no fui capaz de reaccionar ni explicar a la reaccionaria que lo dibujado era, tal cual, un retrato de mi familia. Por el contrario, los que recibieron la bronca fueros mis padres más tarde, cuando les hice ver “que lo estaban haciendo mal”...

Parezco un abuelito, con mis historias, pero esta me vino a la memoria al presencia la proyección que les comentaba al principio. Un cortometraje, sin hombres por ningún lado, en el que se reclama atención sobre la realidad laborar de muchas mujeres. Todo ha cambiado desde hace unos decenios, pero aún quedan muchas cosas por lograr, seguro. Quien les escribe vivió realidades compartidas con otros tantos de la misma generación y, tal vez por esto, creamos nuevos hogares en los que intentamos encontrar la lógica igualdad de tareas y responsabilidades. Me sigue extrañando lo que pasa en muchos hogares y por eso trabajos como el de Maria Luisa Ramos sirvan para concienciar, al menos un poco, en la necesidad de educarnos todos. También los hombres invisibles.

Me gustó mucho más la coreografía de Rosa Nuñez. Un trabajo que levanta el vuelo desde sus primeros compases para situarse en los niveles artísticos de cualquier producción “de las gordas”. Créanme si les digo que las calidades estéticas de este montaje nos trasladan a unos parámetros de belleza que siguen la senda de nombres como el Cullberg Ballet o Robert Willson, por citar dos creadores que también emplean la elegancia en sus composiciones. Elegancia en el diseño del movimiento y en la visión de un escenario poblado por sugerencia, elementos con los que organizar el discurso y una iluminación que recorta siluetas y desgrana un porcentaje de la emoción destilada por las piezas del discurso musical. De la pantomima divertida del cliché de “ama de casa” hasta las más íntimas confesiones de una mujer traducidas al lenguajes del cuerpo en movimiento. Al final, y es todo un respiro, aparece algún hombre implicado en las tareas que también son suyas. No quiero decir “hombres ayudando”, sino simplemente haciendo.

“Bernarda”

2006-03-04T10:34:00.000Z

La Casa de Bernarda Alba que ha dirigido Amelia Ochandiano comenzó su andadura en el Palacio de Festivales con su estreno el pasado viernes. La sala repleta de público y una propuesta que se sumerge una vez más, en el drama lorquiano inmortal e indispensable para entender qué es esto del teatro.

Se nos presentó una Bernarda, como no podía ser de otro modo, coral y bien dirigida en movimientos escénicos calculados y diseccionados desde la perspectiva a la geometría escénica de cada uno de sus personajes, convertidos en vértices de la acción y del sofocante espacio que va oprimiendo cada vez más. Coherencia interpretativa que escupían sus palabras y coherencia en una propuesta clásica en su concepto pero aliñada con músicas y sonidos que matizan el dramatismo multiplicando su efectividad para el espectador. Recuerdo la primera vez que presencié una producción de esta obra en directo, hace muchos años. Recuerdo la congoja, casi el miedo, sentido desde la butaca de patio al escuchar los gritos lastimosos de María Josefa encerrada. Gritos de mujeres, de todas, encerradas en su destino “español” que ahora recupero para volver a sentir todas esas emociones.

El elenco navega de forma impecable por la rotundidad de todas y cada una de sus frases dando forma a cada una de las mujeres de luto con voz y gesto que las hace ser únicas de entre el resto. Margarita Lozano rotunda, María Galiana entrañable, Concha Hidalgo frágil, Aurora Sánchez madura, Ruth Gabriel confusa, Palmira Ferrer difuminada, Nuria Gallardo y Adriana Ugarte soberbias en su interpretación, Monica Cano salvaje y Saturna Barrio igualmente afortunada. Pero en el encuentro de todas ellas donde surgen los largos aplausos que ovacionaron muchos minutos a todas ellas y, claro está, al organismo que surge de su encuentro: la Casa de Bernarda Alba.

Ahora que están tan de moda los programas de televisión de grandes hermanos encerrados en casas llenas de cámaras se me antoja comparar este título con una especie de Gran Hermano primigenio, encierro involuntario para “ser” y “no ser” observados por la sociedad española de “antes de la guerra” que destripa el alma de los otros en constante sigilo de sus vidas. Ahora, como antes, también se investigan relaciones, falsos amores, amantes, hijos legítimos y de los otros. Se sacan los ojos y la lengua y las vísceras de hombres y mujeres para su exposición pública, como en Bernarda. No está demás ir al teatro y repetir con muchos títulos de los de siempre, de esos que nos hablan desde el pasado de lo que seguimos siendo hoy en día.

“Un “sí”, pero “no” muy castizo.”

2006-02-25T10:33:00.000Z

Una producción del Teatro Colón de Buenos Aires fue la protagonista del capítulo zarzuelero que, cada año por estas fecha, el Palacio de Festivales programa en la Sala Argenta. Un capítulo con la inmortal “Doña Francisquita” de Amadeo Vives como reclamo y lleno total de público, del habitual y de nuestros abuelos que siguen canturreando entre dientes los “hits” del género lírico nacional por excelencia.

Musicalmente recibimos una “Francisquita” irregular en la que, entre su más y sus menos, pudimos encontrar momentos muy bellos y otros que quedaron más deslucidos. No tuvimos unas voces, en general, muy grandes, así como la orquesta tampoco pudo decirse que resultara grandilocuente. Pero como la marea, en subidas y bajadas, cuajaron instantes, cada vez más frecuentes a medida que evolucionaba la escena, que hicieron que saliéramos satisfechos finalmente.

Rocío Ignacio mostró su registro ágil y hermoso pero también lo estridente que puede llegar a ser en los agudos más extremos, una cualidad que encierra la belleza y, a pesar de lograr acertar en las notas, no resulta nada grato. Milagros Martín, por su parte, mantuvo una constancia mucho más regular y desarrolló su papel de la Beltrana con un conocimiento de la escena y del dramatismo muy acertado. Cantó muy bien y actuó como solo lo supo hacer Manuel de Diego, un Cardona “de aquí” que tiene presencia en el escenario y una registro bien situado... pero muy pequeño, tanto que en no pocas ocasiones se perdía entre impulsos de la orquesta. En el nivel dramático el resto de la plantilla se ciñó al tono de sainete con palabras –cuando no eran voces- ceñidas al ritmo que las llevaba y rezando como colegiales un papel recién aprendido. Siguiendo con lo que cuenta, con las voces, decir que Alejandro Roy sí que tuvo presencia y cimentó su papel de galán sobre unos acertados presupuestos técnicos en una voz coherente y potente, signos evidentes desde su primera intervención sobre el escenario.

Un punto interesante en esta zarzuela lo encontramos en la cantidad de “aportaciones” locales que se encajaron sobre el escenario. Resultó afortunada la presencia de la Rondalla de la Agrupación Musical Albéniz, el Ballet coreografiado por Myriam González-Gay, un buen número de figurantes o la cantidad de partiquinos procedentes del Coro Lírico de Cantabria –felicidades en vuestro 10 aniversario- así como la propia agrupación que dirige Esteban Sanz. La dirección de Miquel Ortiga mantuvo el tipo y en ocasiones pareció bregar con alguna entrada. En otras sonreír y hasta reír.

La propuesta, procedente de Buenos Aires, nos oferta una escena que se queda algo pequeña para los momentos corales, de forma esencial en el primer acto. No hay provocación, ni innovación ni nada que nos separe del argumento e idea original. Algo que agradeció buena parte del público que, como les decíamos al principio, siguen sintiendo este género como algo “realmente” popular. La dirección de Horacio R. Aragón, a nivel escénico, sí que la debemos tildar de sosa y sin excesivo desarrollo, dejándonos momentos, especialmente en el “dichoso” primer acto, en el que más que sugerir escena se deambula sobre las tablas sin rumbo fijo.

Como ven son muchas las puntas que, quien les escribe, va limando en su apreciación tras el estreno de esta Francisquita. La Zarzuela algunas veces la recibimos como se merece, con la dignidad y el respeto de su contenido musical. En otras, y este es el caso, quedan ciertos síntomas de un pasado reciente –que no del de su tiempo- en el que hay un “sí” pero “no” muy castizo pero también perjudicial. Ya les decía, disfruté y también no tanto, sí pero no... como decía mi abuela Felisa: “pero sí, pero no, pero sí no sí, pero no sí no...”.

“Respeto y admiración”

2006-02-14T10:32:00.000Z

Hay músicos hacia los que uno siente un especial respeto y admiración. En algunos casos, como el que ahora nos ocupa, a todo esto se suma una ilusión por sentir la cercanía de su persona y el interés que despierta ser testigo de una evolución que les va llevando por el tortuoso camino de la profesión que han elegido: ser músicos de la mañana a la noche y, claro, de la cabeza a los piés. Les hablo de Alberto Gorrochategui que, el pasado lunes, compadeció ante el público que abarrotaba el escenario de la Fundación Marcelino Botín, para dar cuenta de sus progresos en su nueva etapa, esta vez desde el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París, tutelado por Philippe Müller.

El programa que nos quiso presentar tenía el indudable sabor de la exigencia para sí mismo en un alarde que no empañaban el virtuosismo por grandes dosis de entrega expresiva. Y si todo empezó con ciertos nervios y algún tropezón con la sonata que Schubert escribiera para el “arpeggione”, la emoción de Debussy y la profundidad de Brahms fueron suficientes para arrancar bravos de la audiencia y respeto y admiración, como les contaba al comienzo, por parte de quien les escribe.

No podemos dudar la categoría que Gorrochategui siempre ha demostrado sobre el escenario, un talante al que hemos de sumar mucha entrega y una forma de contarnos las partitura que nos envuelven hacia el corazón mismo de cada una de las piezas. Con el gesto serio y el movimiento de su cuerpo más pausado que hace años –me permito este tipo de frivolidades por haber sido testigo directo de progresiones casi etológicas en su estilo- respira cada una de las frases y parece consumir ese aliento en las notas que desgrana.

A su lado estuvo el piano de Ales Larrazábal, más discreto pero eficaz en el diálogo con el violoncello y ágil en obras llenas de aprietos y trampas para el intérprete no entrenado. Ahora, como suele suceder, llega el tiempo de seguir creciendo y de encontrar un hueco para desarrollar ante mucho más público técnicas, habilidades y todo un mundo de música que nos hará, una y otra vez, sentir ese punto de orgullo ajeno del amigo que triunfa en lo que siempre ha querido hacer. En la música... con respeto y admiración hacia ella también por sus intérpretes.

“Mozart desde Finlandia”

2006-01-30T10:30:00.000Z

Los años culturales navegan por aniversarios que nos hacen recordar y profundizar en nombres propios de los que celebramos onomásticas en fechas redondas. Dicho de otros modo, nos dan la oportunidad de dedicar un tiempo a empaparnos mediáticamente con tal o cual autor dependiendo de si su fecha de nacimiento o muerte coincide, en múltiplos de cincuenta, con la del tiempo en el que vivimos. Doscientos cincuenta son los años que cumpliría Mozart de haber sido inmortal, e inmortal es su obra tras dos siglos y pico de existencia, tal y como podemos asegurar con tan solo escuchar su nombre.

Desde Viena y Salzburgo hemos recibido noticia, estos días, de las celebraciones fastuosas de este aniversario, con más de trescientos actos en apenas un par de días. Y es que los austriacos, a pesar de haber olvidado en su día donde enterraban al gran compositor, no han querido perder esta oportunidad tal y como hicimos los españoles con nuestro Quijote el pasado 2005. Desde el Palacio de Festivales también se recordó el nacimiento de Wolfgang Amadeus con un concierto que sirvió, además, para comenzar la temporada de clásica de este curso. Para ello trajeron a la Orquesta Clásica de Finlandia dirigida por el que también fue su solista, Patrick Gallois.

La primera parte se abrió con la Obertura de la poco conocida ópera mozartiana ‘Lucio Silla’, que también cerró el concierto a modo de “bis”. Después el Concierto segundo para flauta y orquesta del autor austriaco, magistralmente ejecutado por el ya citado Gallois. Su técnica interpretativa fue clara y muy virtuosa ofreciendo mucha pureza y eficacia al mismo tiempo que desgranando expresividad en la lírica melodías de cada uno de los tres tiempo.

Para después del descanso tuvimos al Mozart más conocido por todos, el de la Sinfonía 41, título que, a pesar de contener episodios incluidos en la memoria colectiva de todos, pocas veces tenemos la oportunidad de escucharla en su totalidad. Menos aún en un versión tan maciza y potente como la explicada por los músicos de Finlandia, que demostraron que con una formación breve en número –más bien sería necesario decir que justa en proporción del repertorio interpretado- se puede lograr presencia y gran sonido. La dirección de Gallois fue interesante desde el punto de vista de su gesto, enlazado con sus músicos atendió más a la narración de la obra que a las entradas de cada uno de los instrumentos.

Así pudimos abrir el año Mozart de la única manera posible, escuchando bien sus obras. Y salvamos el tremendo error que las televisiones de nuestro país cometieron horas antes al olvidar completamente a Wolfgang Amadeus en “el día de su cumple” para programar sus habituales y desesperante crónicas rosas. Viena no supo enterrar al compositor hace tres siglos y los medios de masas del XXI, los nuestros, ahora no han querido exhumar su música, ni su biografía, ni su genialidad...

Hantaï “enchufado” (Alerta 20-I-06)

2006-01-20T07:47:00.000Z

El clavecinista Pierre Hantaï fue el responsable, el pasado lunes, de poner en marcha el ciclo de Conciertos Educativos que la Fundación Marcelino Botín dedica, este curso, a las relaciones existentes entre música y pintura. Más allá de la anécdota temática que aglutinará los encuentros musicales que nos acompañarán en la primera mitad de este 2006, las sonatas para tecla de Scarlatti fueron la piedra angular del concierto que nos ocupa, además de las artes interpretativas de Hantaï y de su inteligencia en la confección del programa.

Y es justo resaltar este último punto, pues el intérprete articuló su propuesta mediante un “collage” conformado por un buen número de las sonatas del citado compositor, pero atendiendo a relaciones temática, tonales y contrastes dinámicos para lucir, desde una perspectiva casi sinfónica –en lo formal- las obras del genial compositor italiano. En sus manos tuvo Hantaï el riesgo que corre en cada una de sus ejecuciones, atrevidas para lograr expresividad de un instrumento, el clavecín, del que no siempre escuchamos presencia y fuerza. Un amigo bromeaba hace tiempo sobre el “enchufe” del instrumentos que sus intérpretes olvidan conectar. En este caso Pierra Hantaï “enchufó” y subió el volumen de su instrumento –entiendan estos desatinos como un simple juego de palabras y no lo tomen al pie de la letra- y lo lució desde el virtuosismo más complejo hasta la pureza temática más clara y diáfana.
Redescubrimos así a Scarlatti y encontramos en sus obras genialidad en sus melodías, presencias populares muy españolas en los ritmos y, sobre todo, un universo creativo que no siempre aparece interpretado con la garra y las facultades sonoras en las que lo recibimos de manos de Hantaï, indudablemente, uno de los mejores intérpretes de su tiempo en su especialidad.

“Músicos y música de Cantabria”

2005-12-20T15:29:00.000Z

La Fundación Marcelino Botín cerró el año con un concierto dedicado a la música en Cantabria, tanto a nivel compositivo como interpretativo. Media docena de obras en manos de un nutrido grupo de intérpretes, muchos de ellos bien jóvenes, nos hicieron reflexionar sobre lo que ha sido y es la música hecha desde aquí. Y las conclusiones fueron interesantes.

Por una parte hemos de resaltar el excelente estado de salud que gozan los músicos de nuestra comunidad. Escuchamos interpretaciones comprometidas por parte de talentos inquietos que, en muchos casos prosiguen actualmente su formación gracias al patrocinio de la entidad organizadora de este encuentro. Así Alberto Gorrochategui, por ejemplo, nos mostró un contundente sonido y una técnica soberbia en el único estreno de la noche: la Sonata para violochelo de Eduardo Rincón. Paula Mier, Irene Benito y Estíbaliz Ponce conformaron un trío igualmente efectivo que recordó la delicadeza expresiva de Juanjo Mier, como vehículo de lucimiento y como noble memoria musical. Miguel Trápaga, los hermanos Sáiz San Emeterio y Pablo López Callejo articularon, por su parte, el presente más asentado de la música práctica y demostraron ser músicos, como siempre han sido, de la cabeza a los pies.

Pero si nos sobran piropos para las artes musicales de los intérpretes hemos de confesar que añoramos otros tiempos en lo que a obras se refiere. Hace apenas un lustro eran más habituales conciertos como el que nos ocupa en los que los compositores eran protagonistas con estrenos de sus obras. El pretendido renacimiento musical, que encabezaran muchos de los autores que en la noche del lunes ofrecían sus obras, ha quedado como un momento en la historia reciente de nuestra cultura detenido en el pasado. Las ganas de las instituciones, festivales y encuentros se fueron diluyendo y a día de hoy es poco probable el estreno de obras en las programaciones habituales de nuestros teatros. En el concierto del que les hablamos pudimos disfrutar, nuevamente, del sabor contemporáneo en técnicas y estilos al que habíamos llegado a acostumbrarnos. La música actual necesita ser oída para, finalmente, ser asimilada y disfrutada. En la manera que sucedió el pasado lunes, por ejemplo.

“Don Giovanni” (Alerta 17-XII-05)

2005-12-16T21:27:00.000Z

La Temporada Lírica del Palacio de Festivales nos ha propuesto, para este fin de año, un título que enlaza fácilmente con el asunto temático que, el próximo 2006, ocupará a buen seguro nuestro tiempo de ocio musical: el 250 aniversario del nacimiento de Mozart. La producción de Don Giovanni que dirige en lo escénico Francisco López y en lo musical Marco Armiliato clausura un ciclo que, a pesar de no ser largo en cuanto al número de propuestas sí que es oportunamente intenso en cuanto a la calidad ofrecida. Pero, en este tipo de comentarios, mejor ir poco a poco y por partes.

Vocalmente nos hemos encontrado con un elenco que ha fascinado en los roles masculinos, descubriendo a Mariusz Kwiecien como joven realidad de la lírica que no solo encarna al inmortal Don Juan con rotunda presencia escénica sino que hace lo propio con su registro: asentado, versátil, personal y muy potente. Junto a él nos reencontramos con el Carlos Chausson que nos hizo disfrutar hace unos años en otro personaje mozartiano, el Papageno de la Flauta Mágica que dirigió, aquí mismo, Lyndsay Kemp. Chausson, a pesar de un momento incómodo de su garganta, nos gustó nuevamente por cómo canta lo que canta y como nos implica, a los espectadores, en lo que cuenta. La terna se completa con Nahuel di Pierro, Masetto en el drama y muy interesante voz en todos los sentidos. Antonio Gandía, por su parte, apareció encorsetado en su papel de don Ottavio y con una voz vibrante en exceso, tanto como para perder la facultad de hermosa. En la parte contraria, hablando de un drama de hombres y mujeres, ellas encabezaban el cartel con el retorno a la sala Argenta, tras su debut en España con un Traviata que vimos en el año 1999 , de Maureen O’Flynn. En aquel entonces calificamos su voz como “un bellísimo vehículo musical”. En este caso los colores de su registro de soprano mostraron un tono algo más pálido que brillante, no por falta de categoría y calidad sino por la evolución propia de su voz. Elisabete Matos llegó “de repente” a esta producción, sustituyendo a Ana Ibarra, indispuesta a última hora. La claridad y pureza de su voz fue la mejor herramienta que tuvo para forjar a doña Elvira, que gustó mucho al menos a quien les escribe. Beatriz Lanza recibió también el cariño de su público –como ven ésta ha sido una ópera con “muchos regresos”- a pesar de que su perfil vocal no se corresponda exactamente con las expectativas “más ligeras” esperadas para una Zerlina.

La Orquesta Filarmónica de Transilvania, desde el foso, acompañó con corrección la partitura. Sin una presencia excesiva y con algún desajuste temporal, siguió las indicaciones de Armiliato, que sabe bien su papel en lo musical para trascender un poco más allá. Elena Ramos, maestra repetidora habitual en el Palacio de Festivales, salió a escena para encargarse de acompañar los recitativos con el clave. Y lo hizo con mucho gusto y profesionalidad.

Llegando a la parte escénica hemos de alabar el trabajo de artesanía que nos ha ofrecido Paco López. Su doble función de director escénico e iluminador nos conducen por una narración en la que la luz guía a la escena y el espacio se convierte en un lugar mágico que va desvelándose poco a poco. Dramáticamente se nos sitúa la acción en un espacio anacrónico con el drama, pero que funciona en lo recargado y en la propia concepción de la escena. Las ruinas de una edificación renacentista, tal vez neoclásica, nos llevan hacia el romanticismo nacido de las cenizas de la razón en la continua disputa del arte. Este don Juan, además, matiza su desenfreno vital con el añadido de la adicción a las drogas, un recurso que ha despertado cierta polémica pero que no enturbia en absoluto el desarrollo de la acción. Y es que sería mucho destacar esta situación hablando de un personaje que ha seducido a miles de mujeres, matado a otros tantos hombres y que es capaz de renunciar a la salvación a pesar de tener varias oportunidades para hacerlo. No, desde luego que el personaje recreado por Da Ponte no es el “realmente enamorado” don Juan de Tirso, ¿no creen?.

Es necesario alabar, igualmente, el trabajo de la figuración en esta obra. La escena final, una Santa Cena llena de prostitutas y travestidos –tal vez la visión que de la iglesia tiene el personaje del burlador que busca en su versión más española el amor en los brazos de una novicia- se hace posible con rostros desfigurados, dramáticos y desgarrados que hacen de este final una verdadera catarsis.

El público se hace con la escena y, como sucede únicamente pocas veces, ríe con las bromas y se estremece con la música. Una implicación que debe muchísimo, casi todo, a la genialidad de Mozart, pero en este caso también a la de los involucrados en este montaje. Francisco López ha sabido leer el texto y traducirlo en imágenes, pocas cosas se dicen sobre las tablas que no estén bien sugeridas por la música y el libreto.

“Una extraña, y quijotesca, pareja”

2005-12-11T09:56:00.000Z

Decía Mark Twain que existía cinco tipos de actrices: “las buenas, las malas, las regulares, las grandes actrices y... Sarah Bernhardt”. El Palacio de Festivales nos trajo el pasado fin de semana la obra del estadounidense John Murrell ‘Las memorias de Sarah Bernhard’, una comedia de esas que solemos calificar como de “altas” y que sirvió para el lucimiento de dos de los más grandes actores “de los de siempre” de nuestra escena: Charo López y Emilio Gutiérrez Caba.

La obra es como un viaje en un tren de esos lujosos y míticos –el Orient Express, por ejemplo-, repleto de viejecitos encantadores que pasan su jubilación viajando, casi como el Talgo que va a Madrid la mañana de un día de diario en temporada baja. Afinando el oído se pueden escuchar historias de otro tiempo y anécdotas más o menos trascendentes en el resumen de una vida. Solo que en esta era la vida, revivida y recordada, de la que fuera considerada la mejor actriz del siglo XIX. Wild y Twain escribieron algunos de sus papeles para ella e incluso llego a interpretar Hamlet cuando tenía 70 años de edad.

Muriel convierte a los dos personajes en escena, la Bernhardt y a su criado Pitou, en una “extraña pareja” que son casi en el quijotesco trasunto de un Sancho Panza loco en él y un Quijote cuerdo, en ella, conversando para nosotros en la apacible terraza del final de una vida. El vehículo es el idóneo para que Gutiérrez Caba y Charo López –tanto monta, monta tanto- vayan llenando el espacio dentro y fuera de la escena ofreciéndonos un historia de esas que van hilvanándose a golpe de sonrisa, incluso de carcajada, pero en la que nos convencen de las dotes dramáticas de los últimos representantes del gran teatro, del que muchos aprendimos a ver en el Estudio 1 de Televisión Española.

La producción es sencilla, ellos dos y un decorado que únicamente evoluciona por efectos de la luz que simula el paso del tiempo. Todo lo demás no es necesario: tienen un buen texto y dos grandes actores. El público lo pasó bien.

“Que van a dar a la mar... que es el morir” (Alerta 4-XII-05)

2005-12-04T17:09:00.000Z

Uno de los éxitos teatrales del momento, Wit, protagonizado de modo absoluto por la irónica y siempre genial Rosa María Sardà, fue el asunto teatral de la Sala Pereda del Palacio de Festivales este fin de semana.

Calificar a esta obra como comedia es ser optimistas con la inevitable tragedia que lleva prendida la vida al ser inevitablemente seguida por la muerte. Los ojos de una persona enferma de cáncer repasan un pasado enfermo de soledad en un ambiente aséptico en el que, finalmente, encontrará su destino y la emoción de la ternura. Para los que alguna vez hemos sentido cerca el peso de una enfermedad de este tipo, tal vez para casi todos, el sentir trágico de este drama –de esta comedia- nos invade para recrear un espacio de dolor y añoranza tal vez único en cada espectador. Sin buscar la catarsis del llanto, Wit nos hace reír y también estar al borde de la emoción, incluso dentro de ella. Como su propio nombre indica, Wit es un texto inteligente y Rosa María Sardà lo es también con él.

La producción no es compleja, pero acertada en las intenciones de la luz y de las cortinas verdes y blancas que nos sitúan en hospitales fríos y homologados en todas las partes del mundo igualando, como los versos de Jorge Manrique, la muerte fría. El poeta la comparaba con un río que llega al mar (que es el morir) y nuestra sociedad la limpia y simplifica con cuidados médicos blancos y fríos... tal vez plácidos.

La iluminación de Lluis Pascual era también fría, adecuada al entorno que les comento. Su dirección un punto más pasional e inteligente en movimientos de actores sorprendentes que crean dos planos para el espectador: el de la doctora Vivian Bearing y el del resto de los personajes, de bata blanca. Algún desmán con la luz y alguno con el público enturbió ligeramente una escena que, también se vio constantemente matizada por toses y más toses de parte del respetable, tal vez siendo coherente con el ambiente hospitalario de este título.

Rosa María Sardà firma una interpretación de esas de “muchos premios”, para que me entienda. Un papel que marca, según parece, el final de su relación profesional con el teatro. Si así fuera realmente –no quisiéramos eso- este sería uno de los papeles por el que ser recordada siempre, indudablemente.

“Doble cita con los jóvenes intérpetes" (Alerta 4-XII-05)

2005-12-04T17:08:00.000Z

La Fundación Marcelino Botín ha asumido, esta semana, el peso de la actividad musical de nuestra capital con dos propuestas dentro del ciclo de Jóvenes Intérpretes. Diferentes intenciones musicales pero con un mismo resultado que nos permitió disfrutar, en ambos casos, de un manantial de música.

El primero de ellos se produjo en la velada del martes, contando para ello con el trío ‘pulsata 3’ y un programa en el que se repasaban adaptaciones e interpretaciones de obras barrocas a cargo de guitarras, tiorba y archilaúd desde una perspectiva ciertamente interesante. Muchas veces este tipo de conciertos son abordados con un exceso de celo y delicadeza que subraya las melodías y bajos obstinatos que supusieron un cambio de época y mentalidad musical. Los chicos de ‘pulsata 3’, en cambio, apostaron por sacar fuera de la música todo el contenido rítmico de cada título y hacer evidente las intenciones casi bailables de muchos de ellos. La línea, delgada a veces e infranqueable otras tantas, entre la música popular y la culta, se diluía aquí con el virtuosismo, casi constante, de los tres intérpretes en escena.

Hemos de matizar la necesidad de cuidar la afinación en algún caso y de repasar las visiones y adaptaciones del repertorio de Vivaldi en su trasunto hacia la cuerda pulsada. Hay mucho que decir en otro tipo de obras tal y como demostraron los hermanos Zapico y Josep María Martí en hipnóticas interpretaciones de los Canarios de Gaspar Sanz, la Chacona de Visée o el fandango de Santiago Murcia.

La segunda de las citas de la semana tuvo un sabor mucho más cercano y una emoción, contenida y desbordada desde el público, acogiendo al músico santanderino Carlos Benito y a su acompañante Irini Gaitani. Él prosigue su formación en estos momentos en el Royal College de Música de Londres gracias a una beca concedida por la propia Fundación que promueve y protege estos conciertos. Su técnica e intención musical –la del joven violinista- es realmente intensa y, a veces, hasta sobrecogedora. Se atrevió con un programa complejo y ambicioso del que salió con la cabeza muy alta. Momentos muy virtuosos “a solo” junto con otros más profundos, como en la sonata de Brahms, fueron compaginando una velada que nos llevó hacia el corazón de la música y, sobre todo, hacia el futuro de la misma gracias a solistas del nivel de Carlos Benito. Irini Gaitani, por su parte, fue todo a lo que nos tiene acostumbrados: templanza, sabiduría musical y un sonido exquisito desde el piano.

Tal y como les prometía al principio de este comentario, dos conciertos con distinta factura pero que nos permitieron pasar una semana muy cercanos a la música.

"Etnografía teatral" (Alerta, 28-XI-05)

2005-11-25T19:14:00.000Z

La compañía Titzina Teatro nos sorprendió hace unos años con la presentación de su primer espectáculo, Folie a Deux "Sueños de Psiquiátrico", en la sala de la Facultad de Medicina de Santander. Nos sorprendió, les decía, por la particular forma en la que dos jóvenes eran capaces de escenificar fragmentos de la realidad trasplantados, directamente, de la calle a la escena. Después, articulaban un discurso coherente y dramático que trasformaba la experiencia antropológica de los actores/creadores del espectáculo en escena pura “y dura”.

Ahora regresan con una nueva propuesta, ‘Entrañas’, que se estrenó el pasado jueves en la Muestra de Teatro Contemporáneo de Caja Cantabria, una continuación de la labor etnográfica aplicada al teatro con sentido pleno e intención de rebuscar en mecanismos relacionados con la memoria y la intención social, que no es poco.

La producción es sencilla, sin alardes escenográficos ni de iluminación. Todo el peso de esta propuesta recae en los tres actores –los dos que ya conocíamos más la incorporación de Laia Martí- que van sugiriendo espacios y tiempo en una narración en clave de búsqueda. Los referentes que uno tiene en su memoria le llevan al ‘Daaaalí’ de El Joglars o a los Soladados de Salamina de Javier Cercas. Pero no cabe duda de que el referente más cercano está en ellos mismos desde su experiencia investigadora, que han logrado general una forma dramática basada en sus habilidades y en la intención de contar “lo que han vivido” para ser experimentado por el público en la butaca.

También hay la intención de hacer comedia, casi clown, desde las caricaturizaciones de personajes resaltadas en algunos casos por el acento “más local” –y por tanto más cercano- de Pako Merino. Laia Martí aguanta su papel único frente al histrionismo y constante cambio de registro de sus dos compañero en escena. Igualmente recibimos, en estas Entrañas, momentos poéticos para el sosiego, aunque no acabó de cuajar, para quien les comenta, el final “de postal solidaria” que culmina una obra muy digna, intensa e interesante. La presencia escénica de los tres integrantes de Titzina puede parecer insegura a más de uno, pero no lo es. Nos muestran su “cuaderno de campo dramático” en una verdadera investigación antropológica con asunto bien cercano.

“Boheme naturalista... y hermosa” (Alerta 19-XI-05)

2005-11-19T11:49:00.000Z

La Temporada Lírica del Palacio de Festivales llegó a su edición número X con la primera “reposición” de su historia, en lo que a título se refiere: una ‘Boheme’ puciniana que gustó y que contó con la presencia escénica de grandes protagonistas en la reciente historia lírica de nuestra ciudad y del panorama actual de la música: Aquiles Machado, María José Moreno, David Rubiera, Giuliano Spinelli...

Siempre es difícil afrontar un montaje escénico de las característica del que hoy nos ocupa. Y lo es por los riesgos que entraña el ofrecer al público algo de lo que, en principio, se supone que saben de antemano y de lo que espera cosa muy concretas: el aria de Mimí, su muerte, la multitudinaria escena del café de Momus... La dificultad también llega con la esencia misma de la obra y el alto nivel que impone una partitura tan hermosa como esta. Siempre es un problema competir, o complementar, la belleza y ha de serlo trabajar con más de un centener de cantantes, solistas, actores, magos y acróbatas en escena.

Pero vayamos por partes para organizar un discurso en el que hay muchos elementos que merecen atención. Empezando por las voces, compuestas por un elenco de primera categoría y envidiable en cualquier teatro de ópera, encabezado por un Aquiles Machado que cada vez convence más en la escena y que sigue demostrando su indudable personalidad también en lo vocal. Su escena final pone los pelos de punta y hace llorar al más pintado en una entrega emocional que supera, con mucho, a lo que estamos acostumbrados en esta suerte de situaciones. Frente a él Andrea Dankova, nueva en este escenario y que, a pesar de algún “pero”, abordó sus intervenciones con la dulzura necesaria pero sin el dramatismo escénico deseable. No se puede pedir todo. La pareja protagonizada por Juan Tomás Martínez y María José Moreno lograron un clamoroso éxito, casi más rotundo que el del dúo protagonista, gustando al público y cimentando un Marcello y una Musetta que quedarán en nuestro recuerdo. David Rubiera, desde su tierra, nos hace preguntarnos el motivo por el cual esta voz no está ya protagonizando títulos y quedando siempre como secundario, créanme, de lujo: su timbre y su escena siguen en progresión creciente. Francisco Santiago y Miguel Sola, por su parte, también lograron situarse a una altura escénica y vocal que permitió que dijéramos eso de “bien equilibrado y de alto nivel”.

La orquesta de Córdoba, desde el foso y dirigida por Macello Panni, acompañó la escena con una efectividad no exenta de momentos de exceso en las dinámicas más grandes. El Coro Lírico de Cantabria, entregando de nuevo más de lo exigible a una producción de ópera, gustó y personalizó las escenas multitudinarias con asombrosa entrega. Esta vez, las necesidades escénicas y de la partitura, precisaron del refuerzo juvenil de la Escolanía de Astillero sumándose a las características de acierto señaladas para el resto de la compañía. Raúl Alegría se apoderó del segundo acto con sorprendentes efectos de magia, y Alicia Trueba y Maxime Perrotín hicieron lo propio con acrobacias escénicas igualmente extraordinarias.

Entrando en la escena, entendemos la propuesta de José Luis Castro como un ejercicio no comprometido con la vanguardia sino con el Teatro en su sentido más estricto. Maneja a los actores y las masas con la intención de crear un espacio vivido y realista dentro de las coordenadas de Emile Zola o de los cuadros de Corot. Un gusto que coincide con el propio origen histórico del libreto de este drama, casi galdosiano. En ese mismo sentido la iluminación acompaña a la escenografía de Spinelli con luz y ambiente que progresa con calma y sin ofrecer apoyos al entendimiento del espectador. Se trata de una luz real pero fingida, a medio camino entre el sueño y la estampa naturalista. Muy efectiva en todos los actos menos en el segundo, que pide la participación activa del oyente editando el discurso dramático a su antojo: hemos de buscar lo que sucede entre un cúmulo de personas organizadas orgánicamente pero no hacia fuera. Somos nosotros quienes lo hacemos.

Spinelli ha ideado un espacio para esta ópera realmente mágico –a pesar de lo que apuntamos de real-. El valor de los grandes planos, de los espacios abiertos y de las texturas desnudas, se tiñe y carga de sentido con la música y la escena.

Al final del primer acto, en la jornada del estreno, una voz gritó desde la platea un sonoro y grotesco “orrori”. No entiendo nada acerca de la pretensión y las ínfulas de determinados espectadores “sólo de ópera” que someten a la voluntad de sus criterios –a veces también con sonoros bravos- la plácida circunstancia de un respetable que únicamente disfrutaba con un oscuro en la escena. Tenemos cauces, como este que emplea un servidor, para alagar o denostar una escena, pero cuando uno entre mil quinientos hace lo que tan sólo él quiere, le podemos dar un nombre: el de dictador. Dos días antes casi medio millar de estudiantes acudieron al ensayo general de esta ópera... y ninguno gritó ni lo más mínimo. Afortunadamente la cosa quedó ahí y pudimos opinar con aplausos o silencio al final de la jornada. Haciendo balance.. ganaron los aplausos.

“Una fiesta, de la música” (Alerta 7-XI-05)

2005-11-06T21:49:00.000Z

Cuando vas conociendo a músicos de distintas especialidades, poco a poco, vas escribiendo mentalmente un mapa antropológico en el que coinciden personalidades y talantes muy similares en disciplinas musicales comunes. Quiero decir, que parece como si algún elemento genético empujara a determinadas personas a dedicarse a determinados instrumentos o, dando una vuelta completa a esta apreciación, como si la práctica de un determinado instrumento unificara la conducta de sus instrumentistas.

Sea como fuere la experiencia me ha hecho contrastar que muchos de los músicos de viento metal comparten un talante festivo muy simpático, y eso es lo que se sintió en el concierto de la agrupación inglesa ‘The Golden Section’ el pasado viernes en la Sala Pereda del Palacio de Festivales: una fiesta… de la música. El programa compatibilizaba las dos “posibilidades” que, en principio, puede ofrecer un grupo de “brasses”. La solemnidad de la trompetería, casi con carácter áulico y los episodios de big band, bordeando o atacando el jazz más clásico de la primera mitad del siglo XX. De lo uno y de lo otro tuvimos, sin olvidar las obras de Britten siempre intensas e interesantes en su audición en directo.

La participación del percusionista Kevin Hathway y el buen ambiente creado por esta “sección dorada” entusiasmó al público con un recital de esos que debieran ser imprescindibles para iniciarse con los clásicos y recomendables para cualquier aficionado ya a ella. Disfrutamos y nos reímos, nada mejor que lograr emociones de cualquier tipo gracias a la música. El concierto no fue extenso, pero si intenso y significativo del repertorio posible para diez metales y un percusionista. Virtuoso en el citado Hathaway y espectacular con la trompeta de Michael Lovatt, que lució en el ‘Tributo a Louis Armstrong’ las posibilidades tímbricas de su instrumento en un homenaje e imitación al gran maestro.

Muy poco más que decir. Cuando las cosas funcionan tan bien es sencillo escribir este tipo de comentarios. Tan fácil como fue el escuchar el concierto que nos ocupa.

"Nada sucede..." (Alerta 30-X-05)

2005-10-30T12:07:00.000Z

‘El Zoo de Cristal’, de Tenessee Williams, fue la propuesta teatral que el Palacio de Festivales nos ofreció este fin de semana con la participación escénica de Critina Rota y María Boto, madre e hija en la vida real y en la ficticia de esta obra, de Luis Tosar y de Juan Carlos Vellido. Una obra autobiográfica que se ha convertido, con el paso del tiempo, en un clásico del teatro del siglo XX.

Dijo el crítico Brooks Atkinson que ‘en “El Zoo...” nada sucede, salvo que una madre hace un esfuerzo, sin éxito, con el propósito de encontrar un pretendiente para su hija’. Y más o menos esta fue la sensación experimentada por el que les escribe tras acudir, el pasado viernes, al estreno santanderino de la obra. Intrascendencia argumental que no lo es tanto, en una producción que tampoco va mucho más allá en la lectura que pretende de este texto. Ellos, los actores, están bien en el trabajo individual de sus personajes, pero echamos a faltar alguna conexión y cohesión entre ellos que hiciera de la escena un organismo y no una suma de voluntades. Puede, en cambio, que el objetivo de la dirección de Agustín Alezzo fuera justamente ese, el de ver la familia que retrata al propio Thomas Lamer Williams –T. Williams- como algo completamente desintegrado.

Cristina Rota elabora una Amanda dulce y entrañable, tal vez demasiado para poder entender la relación de su hijo Tom con ella. María Botto, en cambio, no logra la clave del personaje que en ocasiones parece histriónicamente cómico con su pastoso registro en falsete, en otras languidece sobre el escenario y que olvida su “afición” a los animales de cristal hasta que el texto del guión lo hace obvio para todos los espectadores. Luis Tosar, desde su personal registro, hace de un rudo poeta zapatero, navegando en busca de su personaje sin un rumbo determinado. ¿O si?
La producción en lo que a ambientación musical, escena y vestuario es clásica y articulada en torno a una iluminación que marca el camino de la vista y del propio argumento. Pasamos un rato entretenido; más aún el público que, nuevamente, quiso trasformar la escena en comedia de sábado noche y rió muchas de las gracias que no lo eran tanto: tragicomedia también fuera de las tablas.

“Tensión superficial”“ (Alerta 29-X-05)

2005-10-28T10:15:00.000Z

El Ciclo Jóvenes Valores, que promociona la Fundación Marcelino Botín, nos trajo el pasado jueves al dúo integrado por Jeremías Sanz Ablanedo y Natanael García Ablanedo, violoncello y piano respectivamente, en un concierto integrado por obras de Boccherini, Brahms y Prokofiev.

El desarrollo de una pieza musical, de una idea melódica o de una progresión armónica está basado en diversos capítulos de tensión y tranquilidad que nos conducen hacia emociones igualmente asentadas por momentos más intensos frente a otros de reposo. En el concierto que ahora nos ocupa obtuvimos una abrumadora descarga de tensión en la que no hubo momento para el reposo: desde la primera nota del cello hasta el final de la velada, sobremanera en la primera mitad, los músicos quisieron “forzar la máquina” y manifestar emociones extremas que no hicieron sino cansar el oído del aficionado. O al menos de quien les comenta, pues he de reconocer que muchos fueron los bravos que subrayaron los aplausos y algunos los que acudieron, personalmente, a felicitar a los músicos.
Pero como para gustos están los colores, yo particularmente lamenté que la delicadeza y elegancia del Boccherini quedaran sepultadas por atronadores párrafos musicales, o que el delicado Minuetto –o quasi- de la Sonata en mi menor de Brahms perdiera su gracia en una visión ciertamente atronadora. Con Prokofiev las cosas fueron “un pelín mejor”, aunque la visión de los intérpretes fue confusa y sin una dirección evidente en sus intenciones para con la obra. No quiero cargar las tintas ni resultar desagradable para dos “jóvenes talentos” a los que ya avalan años de experiencia y un nutrido currículum. En el concierto que pude presenciar, olvidando pérdidas y equivocaciones, “sobre el papel” las cosas tendrían que haber ido mucho mejor.

“María de Buenos Aires o El Rosario de la Aurora” (Alerta 24-X-05)

2005-10-23T07:27:00.000Z

Una ópera contemporánea en dos actos para orquesta, es el subtítulo que reza la composición de Astor Piazzolla sobre un libreto de poeta uruguayo Horacio Ferrer. Un suculento menú apetecible a simple vista pero que en la producción que pudimos ver el pasado sábado en el Palacio de Festivales resultó un bocado difícil de tragar.

Todo lo que podía fallar a nivel técnico falló: micrófonos que no sonaban, acoples sonoros estridentes e insoportables, la pantalla de proyección mostrando orgullosa a todos los espectadores el logotipo del DVD en el que venían las imágenes... menudo desbarajuste. Pero lo más desafortunado del asunto estuvo en que, precisamente estos males técnicos, no fueron lo peor de la noche. Lo que no pudimos entender es el concepto de un proyecto escénico caótico en su presentación y desarrollo, en la falta de oficio de los bailarines y de voz de los cantantes. En el cúmulo de desatinos puestos y propuestos para echar por tierra lo único bello que recibimos en las dos horas de función: la música de Piazzolla y los textos de Ferrer.

La música, interpretada en directo, amplificada y dirigida maquinalmente por Andrés Juncos, nos permitió aguantar el tirón del espectáculo y poder sobrellevarlo hasta su término. Sonó con más o menos acierto –disculpando los desafines del primer violín y de la flauta- y nos trajo lo único verdaderamente arrabalero de esta María de Buenos Aires. También hubo algo de tango en el acento y voz de Manuel Callau, actor sobreactuado que hizo de hilo argumental y sobre el que reposaba un tercio de la escena. En su contra Emilia Onrubia y Gustavo Gilbert, él con algo más de tino y ella con estridencias e imposturas que, como era de esperar, no fueron alagadas con el aplauso final del público que, en general, sonó de cortesía salvo en los destinados a los músicos.

De las coreografías poco puedo decir que no suene profundamente desagradable. Pero es que no entiendo que en un espectáculo con dos horas de música basadas en ritmos danzables, en tangos, milongas y contradanzas, no se haya contado con alguien que sepa, de verdad, bailar bien un tango. Pero ya nos avisaba el programa de mano, con pretendida arrogancia ensayando que María de Buenos Aires (¿MBA?) no era un espectáculo tanguero clásico... Ya les hubiera gustado haberse acercado a ello las coreografías de Rolan van Löor y sus bailarines y bailarinas de pantomima.

Incluso el vestuario de Francis Montesinos, ¡presente en la sala pare recibir “sus” aplausos!, parecía extraña y fuera de sitio, o de lugar... o vaya usted a saber de qué. Tal vez de espectáculo.

José Carlos Plaza pudo haber hecho cualquier cosa, pero ha firmado una ópera en la que pocas cosas son salvables, ni tan siquiera la intención. Buscando una tabla a la que agarrarme en lo escénico lo hice en el fragmento inicial de la escena del ‘Domingo’ o en el vestuario del duende de tres cabezas. De lo demás casi hubiera sido mejor no haber escrito nada.

“Boccherini y sus quintetos para flauta” (Alerta 5-X-05)

2005-10-04T12:15:00.000Z

La Fundación Marcelino Botín comenzó sus actividades musicales para este curso 2005/2006 con un concierto dedicado a Boccherini en el año que conmemora el bicentenario de su fallecimiento. Zarabanda, la bien conocida agrupación que lidera el flautista Álvaro Marías, fue la encargada de montar un programa con los Quintetos con flauta del genial compositor italiano de nacimiento y madrileño de adopción.

Seis quintetos bipartitos ofrecidos en dos tandas en los que aprendimos como eran esas piezas que, como tantas otras, estaban guardadas en un injusto olvido por parte de intérpretes, promotores y discográficas. La primera mitad decepcionó y aburrió un poco en base a un sonido inestable –bien pudiera ser por el calor y la humedad que tanto afecta a los instrumentos antiguos- y unos tempos lentos y poco expresivos. Faltó en esta primera tanda cierto diálogo y una visión de conjunto, y en conjunto, que sí que tuvimos en la segunda mitad. Los tres últimos quintetos hicieron justicia al autor a las obras y al repertorio con mucha verdad musical y, sobre todo, un sentido común por parte de los cinco músicos de hacer unas interpretaciones con sentido y profundidad.

Se desplegó entonces el Boccherini que andábamos buscando y entendimos el sentir rítmico de las obras en momentos aplaudidos y hasta jaleados por parte del público. ¡Qué bonito es esto!, decía en una perceptible media voz alguien de entre el respetable. Y tenía razón, tras el descanso todo fue bonito, elegante, vital y musical por todos los lados. Una pena que la primera mitad no acompañara una velada que pudo ser perfecta.

“A la ópera en Oviedo” (Alerta - 24-IX-05)

2005-09-22T17:42:00.000Z

Como la distancia es corta y el interés muy alto –además de otros motivos que escribiré al margen, si me permiten- , finalmente les redacto para contar cómo y qué sucede ahí mismo, en Oviedo, en lo que a gran ópera se refiere. Ya saben, seguro que sí, que la temporada lírica de esta ciudad es una de las más veteranas y rotundas del panorama nacional, que es veterana hasta sumar más de medio centenar de convocatorias –van por la LVIII- y que la jornada de su estreno, la inaugural y “de campanillas” siempre sucede el día de San Mateo, el pasado miércoles.

Una circunstancia social, por una lado, y artística por todos ellos que concita –y concitó- a elegantes hombres de frac con sus mujeres vestidas “a todo trapo” para lucirse y lucir en el teatro Campoamor el arranque de una temporada que durará más de cuatro meses y en la que se verán cinco títulos, cada uno con tres representaciones. Además, que sí que hay más, cada uno de los montajes tiene prevista su difusión “en diferido y gratis” en el Auditorio Príncipe Felipe de la ciudad y se han programado conciertos y conferencias en torno a cada título para completar así una oferta difícil de comparar y de encontrar.

Como les decía, “en una fiesta me colé” casi de rondón y con mis ropas de trapillo pude asistir al acontecimiento lírico de la temporada, la jornada de comienzo con un sugestivo título de Haendel para abrir el programa: Alcina. Atrevimiento y apuesta exclusivamente artística para difundir el repertorio barroco –siempre tan olvidado- en voces y talentos que la tratan y consideran como merece: con exquisita atención y cuidado en una tarea de recuperación y puesta a punto para un público que “lo ha visto todo” a pesar de tener mucho por descubrir. No el de nuestros vecinos, sino el general de ópera. La producción venía de Londres, aclamada y premiada en temporadas pasadas como lo mejor del año. Una propuesta que, lejos de hundirse en el presunto neoclasicismo de la estética minimalista, ahonda y profundiza en el concepto mismo de barroco, tanto que parece usar la definición misma del término para plantear la escena. Barroco caos, barroco dorado, desorden organizado y elementos arquitectónicos plagados de referentes de una época, de un estilo... de un sentimiento humano que tuvo –y tiene- en lo excesivo sus anclajes. Barroco de aquel entonces y del de ahora, con guiños a lo más recargado de nuestro tiempo en una estética, déjenme definir, de las “drag queens” o del gótico de drácula, especialmente en el cuerpo de baile organizado por Michael Keegan-Dolan. La ocasión y el argumento lo merecían, plagado de ellas que se travisten de ellos y de ellos que han de ser interpretados por ellas para respetar la tesitura original de los registros, encomendados a los castrados del XVIII.

Las voces que dieron color al texto extraído del poema de Ludovico Ariosto ‘Orlando Furioso’ fueron, como les anticipábamos, un lujo cimentado por la rotundidad y musicalidad de sus protagonistas femeninas. Anna Chierichetti, como Alcina, tembló y nos emocionó desde su ligereza desgarrada, aunque he de confesarme encandilado con la Morgana ‘nacional’ protagonizada por Ofelia Sala, actriz y cantante en un mismo cuerpo que nos hizo reír y sentir y disfrutar con cada una de sus apariciones. Chiara Chialli tampoco defraudó unas expectativas siempre muy altas en una jornada –les anticipaba el peso de la inauguración- que no permite que se pase nada por alto. Y así sumaríamos y seguiríamos hasta completar el plantel de un verdadero éxito.

La belleza musical, sobre manera en el genial segundo acto, tuvo acompañamiento en la Orquesta Sinfónica Ciudad de Oviedo, que nos visitara en nuestra temporada lírica hace unos años. Una formación siempre creciente que se atrevió con un foso normalmente encomendado a agrupaciones dedicadas a esta época. La batuta de Paul Dombrech, al que tuvimos por aquí el año pasado dirigiendo un Orfeo y hace más con una magnífica pasión bachiana, les enseñó el camino a seguir y ellos, con cuidado y mucho acierto, así lo hicieron.

Y ahora que llegamos a la orquesta, y mirando con cierta envidia a nuestros vecinos, tal vez sea ese el motor que necesitamos para crecer musicalmente hasta alcanzar cotas como las que les cuento. Nuestra temporada crece cada año y se esfuerza por realizar producciones personales y muy interesantes. Pero no está de manos de quien debiera estar, instituciones de todo tipo empezando por la públicas, que tengamos una vida musical normalizada, ni una orquesta, ni un coro profesional, ni un ciclo de abono... Eso sí, el Racing está en primera división y, mira tu por donde, el Oviedo en segunda B.

“Bello, se mire por donde se mire” (Alerta - 10-IX-05)

2005-09-22T13:01:00.000Z

La programación cultural que el Ayuntamiento de Arnuero ofrece durante el año está siguiendo un sorprendente camino en el que la calidad y el interés artístico van dados de la mano. Primeras espadas de la creación, las artes plásticas o la música se dan cita, de forma regular, en torno a los centros culturales de este Ayuntamiento para ofrecer exposiciones y conciertos envidiables por cualquier gestor. Y en ocasiones, como el pasado fin de semana, el concierto y la propuesta “de sala de exposiciones” se dan de la mano y vienen, como los donuts, de dos en dos.

Nada más y nada menos que una muestra de Critobal Toral, con coloquio posterior con el artista, y un concierto de Irini Gaitani y Manuel Cid se sucedieron en la tarde del sábado en torno al Observatorio del Arte y la Iglesia de Arnuero. Dos propuestas contundentes y que, por sí solas, ya tenían el gancho suficiente, como para no perdérse ninguna de ellas. Centrándonos en la música, que es de lo que se suele ocupar quien les escribe, hemos de decir lo que les anticipábamos: una magnífica velada con una de las voces más interesantes del panorama español en lo que a lied se refiere.

El concierto empezó más tarde de lo previsto, causa y efecto de la sucesión de exposición y coloquio previas a la música. Una demora que en nada afectó a la voz de Manuel Cid, algo tibia en los primeros temas pero que fue creciendo y creciendo para dar todo y más a lo largo y ancho de un repertorio interesante y muy hermoso. Imaginen una primera parte dedicada a Schumann en el 150 aniversario de su fallecimiento e integrada por el ciclo Dichterliebe op.48. En la segunda mitad un programa compuesto por obras de Toldrá, Guastavino y Joaquín Turina, verdadera metáfora –ambas partes- del oficio desplegado por Cid en sus años de carrera.

La voz de Manuel Cid, a quien tuvimos la oportunidad de escuchar hace unos años dentro del ciclo de Música y Academia, puede ser tachada de muchas cosas y, puestos a ser analíticos, encontrar detalles distintos al ideal muchas veces defendido en lo vocal, pero el resultado de la misma es una personalidad arrolladora en lo que a sonido se refiere y una expresividad que pone los pelos de punta y conmueve a quien tiene la oportunidad de disfrutarla.
Por su parte Irini Gaitani dio nuevas muestras de lo que es: una de las mejores pianistas acompañantes que podamos escuchar, siendo capaz de trasmitir desde el difícil papel del “segundo plano” con eficacia, entrega a la partitura y una tarea de verdadero “acompañamiento”, presente pero no protagonista. En no pocas ocasiones nos hemos quejado desde estas páginas de acompañamientos inseguros, poco estudiados o demasiado potentes, nada de ello se dio en el concierto que nos ocupa, logrando un resultado bello se mire por donde se mire.

“Otro orquestón”

2005-09-01T09:47:00.000Z

El Festival Internacional de Santander cerró las puertas de su 54 edición con un concierto protagonizado por la Orquesta Philarmonia y la batuta de James Conlon, poniendo fin de esta forma a un “largo verano” de conciertos y actuaciones.

La Sala Argenta del Palacio de Festivales, como suele suceder cada año en esta jornada de clausura, se llenó hasta la bandera de público y autoridades en una ceremonia que siempre tiene su punto social pero que, evidentemente, ofreció un excelente nivel musical para todos los asistentes. La primera mitad del concierto estuvo dedicado a la presencia de Don Quijote en las composiciones postrománticas, con la audición de la poco conocida ‘Obertura Don Quijote tanzt Fandango’ de Ullman y del poema sinfónico que Strauss dedicara al inmortal personaje de la literatura. En este caso se contó, además, con la participación del violonchelo solista Steven Isserlis. De este último decir que no logró definir el verbo de su instrumento en las condiciones de claridad más deseable, y tal vez el éxito del primer plano tengamos que dárselo a la primera viola de la orquesta, más acertada y pujante que su compañero “virtuoso”.

James Conlon dirigió con mucha efectividad una agrupación calificada como “una de las mejores orquestas del mundo”, y que evidenció el porqué de esta tarjeta de presentación con mucha coherencia y empaste además de una más que evidente flexibilidad y capacidad de ofrecer colores tímbricos asombrosos. Así nos condujeron por el detalle exigible en el poema de Strauss y por la arrolladora forma de la Sinfonía número 8 de Dvorák, escuchada en el Palacio de Festivales hace unos meses por la Orquesta de Castilla y León y el pasado verano por la Orquesta del Encuentro de Música y Academia 2004. La versión de Conlon ha sido, sin entrar en comparaciones, excelente en su concepto y desarrollo, pero fundamentalmente en su sonido brillante y claro, otorgando la dimensión “clásica” que la obra busca y merece. “Otro orquestón”, comentó el director del Festival al final del concierto, en alusión a la crítica que publicamos hace un par de días sobre la Orquesta Juvenil Gustav Mahler. Efectivamente, así fue... agradeciendo también por darnos título a este comentario.

Se pone fin de esta forma a un F.I.S. que, como casi siempre, nos ha traído variedad y algún punto de polémica. Tal vez dos de las características de este certamen internacional. ¿No creen?

“Menudo orquestón”

2005-08-30T09:48:00.000Z

La recta final del Festival Internacional de Santander vuelve a ofrecernos, un verano más, un jugoso programa de grandes orquestas y obras sinfónicas no menos importantes para los últimos días de agosto. Para dar comienzo a estos tres días, el pasado lunes, tuvimos la oportunidad de conocer a la que, tal vez, sea la formación sinfónica juvenil más importante y destacable del momento.

Pero de la Joven Orquesta Gustav Malher poco hay que decir sobre su carácter juvenil, pues su sonido y eficacia es comparable con cualquier gran orquesta del mundo. Tal vez una energía desbordante y la cara de felicidad de alguno de sus integrantes al atacar un ‘tutti’ en las dinámicas más fuertes les distinga de una orquesta “de funcionarios”. El programa que nos ofrecieron en la Sala Argenta fue ejemplo, también, de madurez y capacidad expresiva, tanto en solitario como acompañando al barítono Matthias Goerne.

Goerne interpretó los lieder ‘Aus des Knaben Wunderhorn’ de Mahler, hermosas composiciones que amortizan el magnífico efectivo orquestal situado en escena. El barítono nacido en Weimar definió su estilo personal y carácter explícito con algunos momentos exquisitos en el manejo y trasformación de su timbre. Además la teatralidad de su gesto ayudó a “dejarse seducir” por una voz de las que han logrado colarse en el mercado discográfico y que, en directo, también nos gustó. Tal vez en los graves tuvo más facilidad para ser sepultado por la orquesta o tal vez la pasión de la que les hablábamos de la Gustav Mahler no pudo evitar esos instates. Los primeros compases de Goerne, desafortunadamente, fueron de “divo mediático” haciendo gestos con el dedo para que un cámara de televisión dejara de grabarle. ¡Que mundo Dios mío!

En la segunda parte la Gustav Mahler Jugendorchester nos brindó la Sinfonía número 6 de Bruckner: buen empaste, sonido rotundo, unidad y coherencia en el discurso y mucha pasión para dar sentido a una obra no muy programada de las que integran el repertorio de Bruckner. Ingo Metzmacher firmó una dirección atrevida y brillante, arropando a los jóvenes pero tratándoles con la autoridad y flexibilidad que merecen unos “musicazos de primera” como ellos.

Entre los intérpretes de viola pudimos ver a una estudiante santanderina, afortunada al haber entrado en esta orquesta y lograr así una oportunidad de oro. Más aún si tenemos en cuenta que, de momento, en Cantabria no hay ningún atisbo de que algún día se vaya a crear una orquesta profesional. Imagino la cara de los compañeros de esta joven intérprete cuando les intente explicar esta carencia de su ciudad, en la que han tocado dentro de la gira que también les llevó a Salzburgo, Graz o Edimburgo. Pero ya estoy una vez más cambiando de tema –o con el mismo tema de siempre-, lo dicho: el concierto de la Gustav Mahler Jugendorchester fue fabuloso. Menudo orquestón.

“Mil y una”

2005-08-28T09:49:00.000Z

Hay algunas producciones teatrales que descansan el peso de sus propuestas en la eficacia, el nombre o el prestigio reconocido de alguno de sus actores. Otras, en cambio, han logrado fundamentar su arte en obras corales en las que cada uno de los actores se trasforma en un elemento de un engranaje completo cediendo el protagonismo de su nombre al prestigio de toda la compañía. Este es el caso de ‘Les Comediants’, veteranos y geniales creadores, como un todo, que el pasado fin de semana visitaron el Festival Internacional de Santander para escenificar su versión de ‘Las Mil y una Noches’.

Les decíamos de algunas compañías de teatro y de sus espectáculos que, como en este caso, superan el concepto habitual de la escena para “atreverse” a inventar la forma de subirse a un escenario: algo parecido al concepto de “obra de arte total” en la que incluir música, danza, teatro, escena.. literatura. La ‘Mil y una...’ de Comediants nos presentan la magia del relato original desde unas coordenadas de partida distintas. Para narrar el libro en el que se nos cuenta la historia de una contadora de historias que cuenta historias de otros que también las cuentan... (uff) ellos deciden sumarse al asunto siendo también contadores de la historia que cuenta la historia... Y lo hacen situando el comienzo de la obra en la destruida biblioteca de Bagdad, una licencia usada “con calzador” desde una perspectiva de dar sentido al porqué de su montaje. Ciertamente las primeras líneas del guión son un sinsentido que busca de forma denodada, y tal vez torpe, llegar al “comienzo del cuento”. Una vez superados estos minutos, breves, de prisa dramática todo se trasforma en magia y espectáculo, con mayúsculas, en la ensoñación dramática.

El divertido juego de contar lo que otros cuentan sugiere a Comedians “mil y un” recursos escénicos atrevidos, simpáticos, joviales, sorprendentes... pero sobre todo ingeniosos y bien articulados sobre el texto genial del inmortal literario. La música se impone también como una actor más del discurso escénico y el ritmo de la percusión trepidante y sutil se acumula sobre sus propias acciones dando a la producción completa un aliento de vida que hace que todo suceda de forma “ natural”.

El escenario es un espacio muy interesante por lo abierto que se manifiesta para poder ser transformado gracias al diseño de iluminación de Faura y a los recursos apuntados. Los actores sobre lo que, en definitiva, cae el peso de la obra son versátiles hasta el extremo y logran trasformarse una y otra vez en los personajes precisos de cada “cuento”.

El F.I.S. dejó hace tiempo de ser un festival adjetivable como “de teatro” para centrarse en la música y la danza, pero ciertamente cuando el drama vuelve a este Festival, lo hace con propuestas interesantes. Así, al menos, ha sido este año.

“La segunda, también fabulosa”

2005-08-26T09:49:00.000Z

El Eifman Ballet de San Petersburgo volvió a cosechar un rotundo éxito en la segunda de sus intervenciones dentro de la 53 Edición del Festival Internacional de Santander. En la jornada precedente nos había sorprendido con su Ana Karenina y, en esta ocasión, lo hizo con un ‘Don Juan’ bajo el prisma, la presencia escénica y los caminos entrecruzados de Jean-Baptiste Poquelin, Moliere.

Ayer les escribí hablándoles de Karenina y, en los mismos términos y de igual modo he de comentarles las “emociones” vividas con este Don Juan que vino a clausurar, el pasado jueves, el ciclo de Danza de la última edición del F.I.S. Con un argumento más elaborado y, si me permiten, complejo, Eifman nos trae a escena los personajes y sueños de Moliere en un constate juego en el que se mezcla la realidad con la ficción dramática y con el sueño. Tres planos entreverados que van tejiendo un asunto dramático que permite mucho juego; en todos los sentidos del término.

El tono de comedia, a pesar de encerrar tragedias, es evidente en muchas de las escenas, empezando por el principio con la danza de las monjas y el burlador disfrazado. Pero como sucede en este Don Juan, en el de Zorrilla o en el mozartiano, el drama que encierra la historia del conquistador impenitente se enciende y se apaga para dar con el drama, más humano, del creador en busca de su obra, de un personaje... de su sueño.

La compañía de San Petersburgo nos dio mucho más de lo mismo en lo que a técnica y desarrollo se refiere. Todos sus progresos fueron impecables y el sentido estético de su baile es fiel al servicio escénico al que son encomendados. Tal vez la calidad de los solistas no fuese, en este caso, tan excelente como en sus compañeros de la jornada anterior, pero el excelente nivel de las misma hace que este comentario sea, en parte, pretencioso más aún si entendemos este ‘Don Juan’ como “una obra de coral” en lo que a solistas se refiere.

La escena nos presente un escenario –el teatro visto desde el teatro- repleto de sorpresas y modificaciones constantes en las que, gracias a una iluminación fabulosa, situar cada capítulo de la narración. Como sucedió en Karenina –y en el Hamlet Ruso o en el Pinocho de hace unos años- el ritmo de la narración busca un climax tan rotundo que únicamente puede sorprendernos y emocionarnos. Tal vez en el estreno del miércoles esta “sorpresa” fuera más rotunda que en el que nos ocupa, o tal vez nos pillara más de sorpresa y en este último no hiciéramos más que buscarle. Es lo mismo, pues la segunda presencia del Eifman fue, otra vez, fabulosa.

“La Karenina del Eifman, arrolladora, como “su” tren”

2005-08-25T09:50:00.000Z

El Eifman Ballet de San Petersburgo regresó al escenario de la Sala Argenta del Palacio de Festivales para revalidar la excelente acogida experimentada en anteriores comparecencias. El Festival Internacional de Santander volvió a amparar a la compañía dirigida por Boris Eifman que, en la primera de sus dos representaciones, estrenó en nuestro país un ballet sobre Ana Karenina.

Pero no se trató de una Karenina literaria, sino de un análisis y propuesta visceral del personaje desde un acercamiento muy humano. Karenina es mujer por los cuatro costados y el trío protagonista de la trama navega en escena buceando en todo tipo de emociones. Vividas y ejercitadas por el movimiento, explicadas con claridad y, a pesar de los recursos escénicos, sin necesitar mucho más aparte del cuerpo.

La coreografía de Eifman es “irremediablemente” clásica en su concepto, pero empleando el lenguaje contemporáneo con soltura y decisión. Se aprecian las influencias y presencias de todo el pasado de los grandes ballets románticos pero también el expresionismo de las coreografías europeas del siglo XX: Pina Bausch, Esk, Duato. El encuentro de estilos nace como un recurso más en la escena, cediendo al ballet más clásico las expresiones relacionadas con situaciones características, a la felicidad de un momento o al amor entre Ana y Wronsky y los desarrollos más vanguardistas a aquellos sentimientos que parten de zonas más profundas y viscerales: la pasión, el deseo, los celos, la locura... la muerte.

Sobre músicas de Tchaikovsky, “con el que ya trabajó” Eifman en otras producciones y del que es buen conocedor, se organiza un discurso que, como les decíamos, desprecia la anécdota para centrarse en el sentimiento. Más aún si comparamos –ya sé que es algo siempre odioso esto de comparar- con los ballets de Hong Kong que tuvimos hace unos días en el F.I.S. Aquellos, desde una estética llena de belleza, cedían a la historia el protagonismo que tendría que haber tenido la danza. Ahora hemos obtenido ballet con creces y del bueno.

Los tres solistas de esta primera producción nos devolvieron, también, la estética y las proporciones del ballet clásico al que estamos acostumbrados. Potencia en las piernas para lograr grandes saltos, flexibilidad y dominio del cuerpo guiaron a solitas y cuerpo de baile en esta Karenina que fue creciendo en intensidad hasta conducirnos a un final hipnótico y apabullante. Pero antes de llegar “a ese tren” decir que Maria Abashova nos conmovió a todos con un cuerpo elástico hasta ser sorprendente y que Smakalov firmó unas intervenciones “de altura” gracias a su potencia y fiabilidad de sus evoluciones. El lenguaje de Albert Galichanin, desde la experiencia, también fue eficaz y altamente expresivo. Los integrantes del cuerpo de baile y el derroche de imaginación empleado por Eifman para con ellos los sitúan en la categoría de un ente orgánico que actúa como un cuarto protagonista. Acometen intervenciones geniales y fascinantes que culminan con el paroxismo que se inicia con la escena de la locura de Karenina. El cambio del lenguaje, y de la música, hacia lo contemporáneo acomete un final dramático y emocionante que tiene en el tren, arrollador y mortal, una explosión de energía acumulada desde el comienzo del drama. Sencillamente espectacular.

La producción se incluye dentro de un original engranaje escénico que evoluciona a partir de elementos arquitectónicos neoclásicos y barrocos –nueva dualidad de lo clásico y lo moderno, del corazón y la razón- para construir “los mundos” que necesita este espectáculo.

“Saben y sienten”

2005-08-24T09:51:00.000Z

La Orquesta de Cámara ‘Solistas de Moscú’ bajo la dirección, y participación como solista, de su carismático conductor Juri Bashmet, visitó la 54 edición del Festival Internacional de Santander el pasado martes para ofrecer un concierto de corte clásico en el programa y con un resultado sonoro altamente interesante.

La agrupación de cuerda integrada por catedráticos del conservatorio moscovita son poseedores de una sabiduría musical muy alta y capaces de abordar el repertorio propuesto con la eficacia necesaria y la magia del sonido que, siempre que aparece, crea un ambiente especial en la sala y en el auditorio. Así sucedió en las intervenciones de esta formación de cuerda, capaces de conmover las fibras más sensibles con la Sinfonía para cuerdas de Mendelssohn o con la Serenata de Tchaikovsky. ¿Su secreto? Un empaste soberbio, control absoluto de los diferentes planos sonoros y la emoción necesaria para hacerlo todo posible. Berlioz en el prefacio de su libro sobre “La música y los músicos” habla de aquellos creadores que “saben” hacer música y de los que la “sienten” cuando la hacen. De estos tenemos que decir que “saben y sienten” al mismo tiempo.

Mario Galeani fue el pianista encargado de realizar el Concierto nº 14 de Mozart para este instrumento y orquesta. Se trata de una obra poco trascendente de las escritas por el genial compositor salzburgués. A esto hemos de añadir que la masa sonora de los de Moscú no era la adecuada para acompañar las dinámicas del piano con su tapa abierta y que el sentido de los tempos musicales de Galeani se distinguía, y mucho, del de la orquesta. Como resultado nos aburrimos un poco con un concierto descompensado en muchos aspectos y que deslució, en la primera parte, el ambiente creado por la orquesta.

He de confesarles que poco puedo decirles del Concierto para viola de Paganini interpretado por el propio Bashmet. He de pedirles perdón pero un ataque de tos, de esos que tanto he criticado desde estas páginas en mis compañeros de butaca, me cogió de sorpresa y pasé “un mal rato” intentando evitar ser una molestia para el resto del auditorio. Como resultas se despistó mi atención del asunto musical y les pido disculpas por ello.

Reincorporado en cuerpo y mente a la Serenata de Tchaikovsky, pudimos disfrutar de una interpretación magistral en la que, sobre todo, se creó atmósfera, aire “con sentido” entre los músicos y el oyente. Como colofón varias propinas con las que Bashmet –ahora sí que le pude seguir con la atención debida- demostró su talento como virtuoso de la viola culminando un concierto muy agradable para todos. Que no es poco.

“Lo último del Hong Kong”

2005-08-22T09:51:00.000Z

El Ballet de Hong Kong cerró su visita al Festival Internacional de Santander con la escenificación de “El último Emperador”, propuesta coreográfica sobre la biografía homónima escrita por Stacey Farley y que llevó al cine Bertolucci a mediados de los años 80. Wayne Eagling firma la coreografía de esta revisión de la historia de Pu Yi desde una perspectiva, tal y como sucediera con el Turandot de jornadas precedentes, muy teatral. Tanto que, en ocasiones, más parecía un mimodrama que una propuesta de baile.

La delicadeza y el cuidado de la escena volvieron a reinar en la presencia de la compañía de Hong Kong, con una perspectiva más cercana “a nuestras expectativas” antes de conocer a la compañía al tratarse de una temática local vista por sus propios protagonistas. Pero tal vez la que sea su mayor virtud se trasforma en un inconveniente, ya que el peso de la escena y lo que se quiere contar sobrepasa, y con creces, a la plasticidad del movimiento. Rige la historia y sus personajes quedando la definición de los mismos más diluida en el movimiento que en su función dramática. Con un lenguaje cinematográfico los recurrentes fundidos a negro jalonan el “flash back” con el que se nos cuenta la historia, articulan las diferentes escenas en una especie de comic dramatizado.

Lo más interesante, coreográficamente hablando, lo encontramos en los paréntesis que abren y cierran la propuesta. Las escenas del interrogatorio muestran un lenguaje contemporáneo original y sugestivo. Del mismo modo las escenas oníricas de los “sueños de opio” o el colorista espectáculo de la parada de la Revolución Cultural destacaron, sobremanera, de un conjunto agradable de ver pero no exento de momentos aburridos.

No hay demasiado riesgo ni demasiado éxito en las piruetas y demás ejercicios de dificultad. Tal vez nos sirvan, más o menos, las palabras escritas hace un par de días en estas páginas sobre el Turandot de esta misma compañía: volver a destacar a Cristal Costa, esta vez en su papel de espía y volvernos a encontrar con un Liang Jing sin el brillo deseado para un primer bailarín. Es, nuevamente, el cuerpo de baile el que ofrece mayores dosis de “espectáculo” al público de sala.

La música, procedente de la citada película de Bertolucci, funciona desde ángulos que parecen inspirados –o casi copiados- por obras de Bernard Herrmann, Copland, Bersntein e, incluso, Beethoven. Remedos entre los que también vislumbramos algunos elementos no occidentales de la música, los más interesantes.

“Turandot desde Hong Kong”

2005-08-19T09:52:00.000Z

El Ciclo de Danza del Festival Internacional de Santander dio comienzo, el pasado jueves, con la presentación del Ballet de Hong Kong en la primera de sus dos propuestas ante el público santanderino, cada una de ellas con dos actuaciones. Turandot fue el argumento y el asunto musical que inspiró a la coreógrafa Natalie Weir para realizar este producto estrenado en el año 2003 y que ya ha logrado el Premio a la mejor producción de Asia en ese mismo año.

Parece fácil y parece difícil imaginar un ballet sobre la partitura de Puccini, Turandot. Fácil pues la eterna belleza de la música acompaña cualquier idea plástica que se nos ocurra imaginar aportándola la magia y emoción que contiene sus melodías. Difícil precisamente por ser tan alta la categoría estética de la música que pasa, directamente, a competir con lo que vemos y es complejo superar, en perfección, la música del compositor italiano. Más si la grabación empleada cuenta con las voces de la Caballé, Mirilla Freni y José Carreras.

Los de Hong Kong han optado por montar un ballet que sigue, fielmente, las indicaciones vocales de la música para traducir a lenguaje corporal el asunto dramático de la obra. De esta forma, en ocasiones, nos encontramos ante una pantomima de la música con la que aprender el lenguaje del movimiento y que cede la belleza de un desarrollo libre por la funcionalidad de un asunto que contar. El ballet funciona a la perfección en este campo y la coreografía de Weir nos cuenta Turandot de modo muy fiel al original lírico y muy agradable para aprender a ver ballet o para seguir disfrutando de él. Se recompuso la partitura con algún recorte y ciertos remedos para ir a lo esencial del argumento. Bravo por ello.

La compañía ofrece momentos de gran plasticidad global, muy entregados a desarrollos abiertos y escenas de conjunto “de libro”, con un empleo recurrente del canon escénico como forma de mover al cuerpo de baile. En el plano individual no encontramos virtuosismos destacables, arropados todos los solistas en el alto nivel medio de la compañía. Tal vez convenga destacar a Cristal Costa en el papel de Liu, que arrancó más bravos que sus compañeros de la entregada audiencia y que gustó por su flexibilidad y elegancia coreográfica. Liang Jing, en cambio, pareció falto de potencia en los saltos y tuvo que abordar algunos planteamientos escénicos no excesivamente bellos en su concepto; por ejemplo en la primera de las dos veces que sonó el ‘Nessun Dorma’.

La escena tiene momentos realmente impresionantes, gracias a una constante y muy hábil utilización de la luz y al empleo de recursos escénicos que sorprenden en su grandeza. Hablamos, por ejemplo, de la arrebatadora primera aparición en escena de Turandot, de la decapitación del primer príncipe o de la danza de las letras que cierra el segundo acto. A medida que se aproxima el final de la obra la escena se tiñe de un cierto toque “disco” procedente de los años 80 que, tal vez, manche de pastel la elegancia respirada hasta el momento o puede que, también tal vez, sea un guiño irónico al glamour “ochentero” y a la corte imperial. Sea como fuere los aplausos fueron unánimes y el espectáculo, en su conjunto, muy agradable.

“Exquisita música”

2005-08-17T09:52:00.000Z

La Catedral volvió a ser escenario del Festival Internacional de Santander, tras permanecer unos años sin acoger actuación alguna. Un “regreso” propiciado por la celebración del 250 Aniversario de la Ciudad y la Diócesis de Santander y como pretexto musical la agrupación especializada en música antigua ‘La Reverdie’ programaron su ‘Laude di Sancta Maria’, una recuperación musicológica con aires de oratorio o auto sacramental medieval.

Las más exquisitas y excelentes condiciones musicales se dieron en las voces e instrumentos de este grupo bien conocido por el público del F.I.S. Les hablamos de una propuesta ideada desde los presupuestos más exigentes en lo musical y completada por una estética muy bella en lo teatral. Pues los miembros de La Reverdie, corregidos y ampliados con colaboradores habituales, además de darnos música nos dieron escenas inspiradas directamente en la iconografía renacentista de simbología religiosa.

Se aúnan en estos músicos varias cualidades que están haciendo de ellos referentes indispensables en este repertorio y, lo que es mejor, en ser respetados y seguidos por un público fiel y cada vez más numeroso. Por un lado sus calidades vocales no admiten muchas dudas, tal vez podemos hablar de unos timbres más ricos en “ellas” frente a algunos desequilibrios en “ellos”, pero todo dentro de una coordenadas estéticas muy elevadas. Además de sus voces nos demostraron ser excelentes instrumentistas y, talvez nos pareció, también improvisadores tal y como sucedía en los músicos “de aquel tiempo”. Su cualidad de investigadores permite que nos ofrezcan productos de primera mano con un sello de calidad indiscutible, y sobre todo con la entrega y la pasión de quien ofrece el fruto de su trabajo: un buen trabajo. Por último se respira inteligencia en la propuesta escénica que cobija el espectáculo, y cultura por los cuatro costados. ¿qué más podemos pedir?

En una ocasión un conocido me habló, en tono despectivo, de las agrupaciones de música medieval como formadas por músicos que no habían logrado tocar bien los instrumentos modernos. Seguro que jamás escuchó a ‘La Reverdie’.

“Luces y sombras; y sombras y luces”

2005-08-16T09:53:00.000Z

Luces y sobras para la 54 Edición del Festival Internacional de Santander las vividas el pasado domingo con la actuación del compositor balcánico Goran Bregovic y su popular visión de la ópera con ‘Karmen con final feliz’. Luces y sombras que protagonizaron y experimentaron los músicos y el público, a partes iguales.

Luces las de la primera mitad del espectáculo, luces de sala para narrar la historia de esta Karmen antes de ser contada por las canciones. Ellos mismos avisaron ser “unos actores pésimos” y no nos engañaron en absoluto. Sombras en el nulo nivel dramático de unos tediosos cuarenta minutos que nos iluminaron, a veces, con retales de la música que veníamos a escuchar.

Sombras para la segunda parte, cuando finalmente apareció el sonido estridente de la Banda de Bodas y Funerales, la queríamos escuchar, a media luz. Sombras en las cuestiones técnicas que hicieron ensordecedor el timbre de los “brass” que componen la formación. Demasiado volumen, excesivo. Sombras entre el público que, entre las sombras, va abandonando su butaca antes de terminar la función, con la cabeza orgullosamente alta. ¿No es lo que venían a escuchar? ¿Sabían a qué venían?

Luces con la música de Bregovic, vital y humana como el jadeo de un corredor que persigue su meta. Mecánica y plagada de referentes para el público entregado y seguidor de sus creaciones cinematográficas para Kusturica, y de su presencia como influencia latente en la composiciones contemporáneas, como las de Cattaneo. Luces en la pasión de la historia contada y sentida, seguramente, por todo un pueblo.

Sombras de nuevo entre el público, abandonando la sala y, en algún caso, rompiendo la buena educación de nuestra cultura para dar un corte mangas al escenario, y tal vez al resto del público que disfrutaba y seguía con las palmas los bises de la música. ¡Qué sensación más ingrata para mi estómago la de comprobar que, el gusto de esta música, iba por precios de butaca!. En las más caras menos aplausos y más pateos, desde el fondo un torrente de palmas. ¿Un corte de mangas? ¿Por qué? Yo tuve la sensación de recibirlo entero por ser culpable de disfrutar con su música. ¿Qué veníamos a ver? A Goran Bregovic, y eso fue exactamente lo que tuvimos. Ni más ni menos.
Tal vez muchos de los aficionados al abono del Festival se quedaron confusos al entender que bajo el término “ópera” únicamente se podía denominar un espectáculo lírico de orquesta y voz. Pero les aseguro que muchos de los aficionados a Bregovic se quedaron fuera de la sala y sin entrada, con ganas de haberlo visto. Luces y sombras, sensaciones confusas la sentidas por quien les escribe. La cultura como elemento de división, impuesta por narices para algunos, casi como obligación. Les garantizo que si alguna vez aparezco en medio de un concierto de música ‘trance”, que detesto con toda mi alma, no se me ocurrirá reprochar a lo que allí estén sus preferencia estilística. Señores: para gustos creó Dios los colores y a nosotros para elegir cual preferimos. De entre las luces y las sombras o de entre los que componen el arco iris.

La música de una ‘diva’

2005-08-14T09:54:00.000Z

Uno de los conciertos más esperados de la 54 Edición del Festival Internacional de Santander y, evidentemente, uno de los más interesantes de este verano era el que la soprano norteamericana Renée Fleming ofreció la noche del pasado sábado en el Palacio de Festivales. Arropada por la Orquesta Filarmónica 900 del Teatro Regio de Turín y la dirección de Daniel Beckwith cosechó el esperado éxito de audiencia, aplausos y calidad interpretativa.

La trayectoria de esta soprano y el apoyo mediático recibido en los últimos años han hecho de su carrera una sucesión de triunfos y asumir el difícil rol de “diva” de la escena. Una “carga” que a veces es un defecto pero que en otras, como en este caso, es una virtud que no enturbia en modo alguno el asunto que, en el fondo, siempre nos ocupa y nos preocupa: la música. “La Fleming” no necesitó cambios de vestuarios ni excesos en escena, ni mil entradas y salidas para ofrecernos un recital hermoso.

Y es que su registro es fascinante en las dinámicas medias y en los filatos más suaves, y a pesar de no tener una voz pequeña quedó sepultada en algunos momentos por la orquesta. El éxito de Renée Fleming, de la del directo, fue el poder de emoción en los pasajes más cercanos a la media voz. Como el caso del lied de Schubert orquestado por Max Reger,‘Nacht und Träume’, las airas de Manon o el ‘O mio bambino caro’ de Puccini. Allí encontramos lo mejor, que fue reiterado con los bises a petición popular concedidos: Gershwin y Richard Strauss. Juega con el timbre de su voz de modo que, en ocasiones, se revuelve en inesperados giros ora hermosos y afortunados ora en extraños quiebros. Con ‘Casta Diva’ el movimiento de su voz enturbió, en parte, una partitura deseada por el público. Pero es que, como les decía, en estos casos tenemos tales prejuicios discográficos que cuesta desenmascararse de ellos para enfrentarse a la verdad del directo.

La orquesta funcionó muy bien y si en un comentario anterior nos poníamos picajosos con la afinación de la ‘Meditación de Thais’ de Massenet, ofrecida entonces fuera del programa, ahora que estuvo dentro del mismo hemos de reconocer que sonó sin problema alguno. El empaste y la masa compacta de los de Turín permitió, cuando ellos fueron los protagonistas, ofrecernos obras rotundas y plenas en todos los sentidos.

“Estrictamente suya”

2005-08-13T09:54:00.000Z

El monasterio de las Trinitarias de Suesa fue el escenario escogido por el Festival Internacional de Santander para ofrecernos el estreno absoluto de la obra de Eduardo Pérez Maseda ‘Strictly yours’, encargo del F.I.S. puesto en manos del Trío Luwigana. Un concierto contrastante con un programa que alternó la música contemporánea con el repertorio clásico y que tuvo en el buen hacer de sus intérpretes su baza más importante.

Dentro de la creación actual encontramos distintos niveles en las propuestas de los creadores comprometidos con su tiempo. Los hay que sencillamente siguen el camino marcado por sus predecesores y aplican técnicas e ideas sobre el papel para luego entregarlas a los ejecutantes. También los hay que investigan y rebuscan el cimiento de su música en la técnica interpretativa de cada instrumento haciendo música para ser “tocada” y para ser “rebuscada” tímbricamente por los propios músicos. Por último hay autores que, en un aristotélico término medio acuden a un tercer elemento: la idea, el instrumento y finalmente el oyente como receptor del sonido. En este último caso se espera la reacción del “respetable” y se piensa en él como motivo de su música.

Después de estas palabras, que únicamente pretendo utilizar como marco, he de señalar que el estreno de Pérez Maseda se quedó en el primer modelo de los señalados, poniéndoselo difícil a los miembros del trío y mucho más a un público al que no le queda más remedio que distanciarse del contenido musical que reciben –recibimos-. Música formalmente impecable, imaginamos pues para llegar a estas conclusiones es necesario más una análisis que una escucha, pero que no aporta nada nuevo a lo ya dicho por otros muchos y anteriormente. Sonidos que reclaman la atención en forma de grito para luego ser ellas mismas, encerradas en su propia esencia y manteniéndonos a distancia a pesar de los denodados esfuerzos de quien las ejecuta.

El trío de Brahms y el de Beethoven estuvieron más que correctos y gustaron a una audiencia que llenó el Monasterio de la Santísima Trinidad y aplaudió cada uno de los capítulos de la velada. De Ramov sonó ‘Luwigana 1144’ pieza majestuosa en su planteamiento pero que tampoco nos aportó mucho más, o al menos a quien les escribe que a pesar de esforzarse en buscar, entender y defender la creación actual muchas veces cae en la decepción de la evidencia. Y es que nos estamos alejando cada vez más del objetivo.

“Resultado de primera”

2005-08-12T09:54:00.000Z

La Orquesta Filarmónica 900 del Teatro Regio de Turín, en un concierto de paso que enlaza su presencia junto a la Coral Salvé de Laredo y Scandiuzzi y la actuación de esta noche al lado de Renée Fleming, cosechó un notable éxito en una velada dirigida por el maestro inglés Jan Latham Koenig.

El programa tuvo una, corta, primera mitad dedicada a la música española en general y a Ernesto Halffter en el centenario de su nacimiento en particular. Conocimos los coloristas ‘Dos bocetos sinfónicos’ del creador honenajeado, haciendo justicia a la categoría creativa de este autor en una visión que atendía a las diferencias tímbricas de cada una de las secciones que articulan cada pieza, más yuxtapuestas que contrastantes. La ‘Suite nº2 de El Sombrero de Tres Picos’ completó este acercamiento de la formación italiana al repertorio neoclásico español, con igual dedicación y entrega. La batuta de Koenig marcó los tempos de una forma quasi metronómica, pero sin descuidar en ningún momento el manejo de las dinámicas como necesidad expresiva de la partitura.

En la segunda parte la Sinfonía en Re menor de Cesar Franck permitió volver a emplear la amplia paleta de colores a los de Turín, con alguna estridencia en las dinámicas más fuertes pero con un rotundo trabajo al servicio de Latham Koening, siguiendo sus indicaciones y no descuidando la intención de conjunto. Así lo que podía parecer un “concierto menor” dentro de las coordenadas de un Festival Internacional con ofertas, en principio, más interesantes se evidenció con un resultado “de primera”. El público medió la sala Argenta y obtuvo, como propina fuera del programa, una expresiva y desafinada versión –al menos en lo que respecta al violín solista- de la Meditación de Thais de Massenet.

“Enhorabuena, a público y ganadores”

2005-08-08T09:55:00.000Z

Terminó el XV Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea, y lo hizo de la mejor de las formas: adjudicando un gran premio. Termino una edición que, si hemos de caracterizarla de algún modo, ha de ser por excelente nivel de todos los concursantes, lo que nos ha hecho dudar y apostar por muchos de ellos hasta conocer el fallo final del jurado. Tal vez los tres finalistas no coincidan con los favoritos de todos, tal vez se echara en falta a Nabiolune o a Takada o a cualquiera de los otros concursantes que quedaron en el camino, pero de lo que no hay ningún género de duda es que los tres que pasaron a la final y el ganador italiano son unos “pianistazos”. Y si no, tiempo al tiempo.

Del concurso me gustan muchas cosas, evidentemente está la oportunidad de escuchar multitud obras para piano o la de codearse con jóvenes pianistas y veteranos jurados que escriben el presente, el pasado y el futuro de este instrumento. Pero con lo que más disfruto es con la emoción, literal, de buscar y opinar sobre los participantes, la forma en la que abordan sus conciertos, el programa que los integran, sus criterios de elección, de presencia en el escenario, su sonido, su consistencia.. Es maravilloso poder enjuiciar y compartir, con muchos, opiniones sobre música. Aunque sean equivocadas, pues aquí, como en los toros, todos acabamos siendo expertos.

Tal vez el público, en ocasiones, haya dado con sus tonos y politonos la “nota discordante” de muchos de los conciertos. Pero también han puesto la ovación y el bravo en una entrega de auténticos “hinchas” de la música y el concurso. Les cuento una anécdota. En la final sinfónica me encontré con un viejo conocido de esos a los que saludas y con los que hablas en los descansos de muchos conciertos pero de los que conoces poco más. Él es aficionado, sin remisión, a la cultura en particular y a la música en general, y la dos últimas semanas las pasó en la Sala Pereda del Palacio de Festivales. “Ha habido jornadas de siete horas, pero he disfrutado cada minuto”, me decía entonces. “Ojalá gane Alberto Nosé”, también me contaba; durante el concurso había tenido la oportunidad de charlar con el italiano y se habían hecho “casi amigos”. Horas después, cuando conocimos el nombre del ganador, mi amigo permaneció en pié aplaudiendo al ganador y con una sonrisa de felicidad que no ocultaba la emoción que él también sentía. Y yo me alegré por Nosè y por mi amigo y por todo el público que había tenido un año más una oportunidad como este. Y me da lo mismo que los disfraces de gala y los collares de perlas aparecieran por la Argenta justo al final del concurso dejando, seguramente, fuera y sin entrada a algunos de los seguidores auténticos, los de cada día. Me da igual por que sé que, a pesar de todo, el concurso es de ellos y de los pianistas. Enhorabuena.

“Jie Chen, Alberto Nosè y Herbert Schuch finalistas”

2005-08-05T09:56:00.000Z

Los pianistas Jie Chen, (China), Alberto Nosè, (Italia) y Herbert Schuchu (Alemania) son los tres escogidos por el jurado para pasar a la gran final del XV Concurso Internacional de Piano de Santander Paloma O’Shea. Un último concierto, de carácter sinfónico, que se realizará esta noche en la Sala Argenta del Palacio de Festivales y dentro del marco de la 54 Edición del Festival Internacional de Santander. La Orquesta Sinfónica de Madrid y Jesús López Cobos serán los encargados de acompañar los conciertos seleccionados por los concursantes, ya finalistas, para este ejercicio final. Dos veces sonará el Concierto nº 2 para piano y orquesta de Rachmaninov junto al que hace el número cinco de la producción concertística para piano de Beethoven.

El concierto estará presidido por la Infanta Doña Margarita de Borbón, y contará con la presencia de la ministra de Cultura, Carmen Calvo, el presidente de Cantabria, Miguel Angel Revilla, el alcalde de Santander, Gonzalo Piñeiro y la presidenta del certamen, Paloma O'Shea.

El director de la Sinfónica de Madrid se manifestó, en su presentación a los medios junto a los tres finalistas, “contento con participar por segunda vez en el Concurso”, tras su primera experiencia en este certamen en los años 80, cuando la final se celebró en la Plaza Porticada siendo ganador David Allen Werh, de Estado Unidos. “No había vuelto a Santander desde 1987”. El director de orquesta zamorano conoce la experiencia de dirigir una final de un concurso, con la Orquesta de Cámara de Lausana “celebrábamos cada dos años el concurso Clara Atkins y siempre me he encontrado a gusto haciendo concurso. Es fantástico ver como comienza la carrera de un joven artista. Espero que la mi colaboración sea la que merece la Historia de este Concurso”.

De la competición de Santander nos dijo que “todos conocemos los grandes nombre que han pasado por él”, valorando positivamente los concursos de este tipo pues “ayudan al comienzo de una carrera, a pesar de que no son una garantía. Hay gente que sabe ganar un concurso pero que no sabe construir de la misma forma su carrera. Este es un paso importante y la historia del concurso es fantástica, una ayuda importante para comenzar una carrera a nivel internacional”.

Tal y como les anunciábamos al comienzo, dos veces sonará esta noche el Concierto Nº 2 de Rachmaninov. “Esto es una desventaja para todos”, comentó López Cobos. “Empezando por mi mismo ya que no es cómodo acompañar a dos pianistas seguidos la misma obra. Pero forma parte de nuestro trabaja el ser flexibles y acomodarnos a cada intérprete. Para los dos concursantes se pondrá en evidencia la comparación entre ellos mismo, pero así es la vida; la elección del concierto se realiza al comenzar el concurso y nadie sabe que pasará en la final”.

Paloma O’Shea, presente en este encuentro con los medios, nos habló de los tres finalistas, calificándoles de “diferentes y fantásticos. Han hecho un programa muy difícil y tienen una gran preparación, madurez y buenos nervios. Si han llegado aquí es porque tienen muchos valores. Tendremos una gran final”. Por su parte Jesús López Cobos les recomendó controles sus nervios. “Cuando estas dentro del concurso, metido hasta el fondo, has tomado la inercia y llegas hasta el final. Lo más importante es mantener los nervios y no todo el mundo sabe o puede hacerlo. Ahí es donde se demuestra el valor desde el punto de vista humano de un intérprete que sabe adaptarse a las circunstancias y luchar por mantener la calma, algo que forma parte de nuestro trabajo”.

Por su parte los concursante, invitados de piedra hasta ese momento a la rueda de prensa, se acercaron finalmente a los micrófonos para manifestar que “en un concurso no puedes esperar nada. Para mí es un gran resultado estar en la final”, apuntó Alberto Nosè. Jie Chen, por su parte comentó que “también” estaba “muy feliz. He tenido una gran estancia en Santander y me alegro que al público le hayan gustado mis interpretaciones”. Finalmente Herbert Schuch manifestó su excitación por haber tenido la oportunidad de tocar música de cámara y el concierto de Mozart junto a “intérpretes de primera clase. Algo que no se encuentra en otros concursos”.

También nos dijeron no “saber que les supone ganar un premio como el de Santander”, pues aún ninguno de ellos lo han ganado. Por último nos confiaron que, tras su primera visita a España, esperan “repetir” y lograr que al público de nuestro país le guste su forma de hacer música.

La prueba de esta noche comenzará con el Concierto núm. 2 de Rachmaninov en la versión de Jie Chen, después Herbert Schuch ofrecerá el 5 en mi bemol mayor de Beethoven y finalmente Alberto Nosé nos ofrecerá nuevamente el segundo de Rachmaninov. El concierto íntegro será retransmitido por La 2 de Televisión Española a partir de las 24:00 horas y en Radio Clásica en directo.

“Ya queda menos...”

2005-08-03T09:57:00.000Z

Cada día queda menos para conocer la decisión de un jurado y, cada segundo, el interés es mayor en aprender la forma en la que los, de momento, seis elegidos para las seguir compitiendo por el Gran Premio de Santander abordan un repertorio escogido para ello. El pasado martes comenzó la tercera fase de este concurso, la Sinfonía Varsovia que dirige Peter Csaba subió junto a los tres primeros semifinalistas al escenario de la Sala Argenta. La luz y las cámaras de Televisión Española nos avisaron de que “todo ya iba muy en serio”, y el pianismo creciente de los concursantes hizo también lo propio. Lástima que las retrasmisiones de “nuestra tele” en esta fase sean solo para noctámbulos bien desvelados y queden aparcadas de madrugada.

Les digo, cuando lean estas líneas aún quedará una tarde de recitales de piano en la Sala Pereda y faltarán unas horas para conocer el nuevo corte, el que dará tres nombres y tres conciertos sinfónicos con una sola fecha determinada. El sábado seis de agosto, a las 21:00 horas, será la gran final, la que ya ha vendido todas sus localidades y la que siempre logra emocionar y alentar a un público que, cada vez más, se convierte en el alma y las alas del concurso. Sería de mala educación, seguramente, comentar quien de los tres semifinalistas obtuvo el martes más aplausos o en cual de ellos tiene depositado, quien les escribe, su confianza como “pianista ganador”. Todos tenemos el nuestro, alguno se nos quedó en la fase anterior y otros se mantienen en liza. Pero, ¿saben lo que les digo? Que la emoción sigue siendo la misma y, por lo visto y lo oído, el nivel musical que este año estamos obteniendo es realmente impresionante. Equilibrado por arriba, sin músicos de los que prescindir en primera instancia. ¿Algún Gran Premio? ¡Ojalá! Aunque por mucho que se empeñen los “doce hombre sin piedad” –perdón por el enunciado cinematográfico- eso, al final, dependerá del tiempo en el que se desarrolle su carrera, con o sin premio.

En fin, que tengo que dejarles, es unas horas comienza la segunda semifinal –cuando me lean esto ya habrá sucedido y quedará también poco para el último recital- y dentro de apenas nada tendremos nuevas noticias. Las que dirá el jurado y las que les contaremos. Seguro.

“La Walkiria (y dos)”

2005-08-02T09:58:00.000Z

Segundo exitoso capítulo, en lo musical, del Festival Internacional de Santander en su comienzo wagneriano. La primera jornada de la Tetralogía, segundo título de la misma, volvió a ofrecernos un magno producto con igual factura que en su propuesta precedente. Casi podríamos decir lo mismo que firmábamos ayer en estas página en lo que a equilibrios y desequilibrios se refiere. Gran música y extraña escena también para la Walkiria.

El concepto de continuidad en el producto que nos plantea la Orquesta del Tiroler Festpiele Erl y su director, escénico y musical, Gustav Kuhn, ahonda en la visión “humana” del universo mitológico en el que Wagner basó su obra más colosal. Un Walhall de andar por casa en el que, a diferencia de lo que decíamos ayer, sí que encontramos dos momentos escénicos muy afortunados y trascendentes para esta producción. Hablamos del anillo de fuego final y de algunos momentos desarrollados a diversos niveles de altura escénica muy interesantes. Por lo demás, una distancia deñl drama impuesta por elementos de atrezzo casi infantiles, coches y motos de papel pintado, bicicletas frente a caballos de cartón o una cocina tirolesa completamente kirch.

Lo mejor, como en El Oro... la gran orquesta sobre el escenario, la magna dirección, con la batuta, de Kuhm y muchas de las voces ofrecidas en un buen nivel general. Si ayer destacábamos dos de los personajes masculinos, hoy hemos de ser justos con dos de los femeninos. En primer lugar Gertrud Ottenthal, de apellido tan wagneriano como muchos de los momentos que su voz fue capaz de ofrecernos, dramáticos, abierto y, en ocasiones, hermosos por su delicadeza y sencillez. Igualmente Elena Comotti d’Adda que fue capaz de aguantar sobre escena un rol difícil en todos los sentidos y llevarlo hacia cotas interesantes. No podemos decir lo mismo, en lo que a aguante se refiere, de todos los implicados en esta Walkiria. Tal vez el gran reto que propone a los intérpretes estos títulos wagnerianos no sea el encontrar la voz dramática, potente y capaz de estar ante semejante orquestación sin perderse dentro, sino que tenga el aguante necesario para mantenerse así a lo largo de todo su desarrollo.

En la sala se escucharon algún oscuro abucheo a la hora de repartir aplausos, imagino que de algún sector del público de esos incondicionales de un solo tema y que busquen el Wagner que está en los libros y en las grabaciones de los años cincuenta. Pero para quien les escribe ha sido todo un placer poder escuchar en directo, y en dos jornadas consecutivas, la mitad de una de los complejos operísticos más importantes jamás escritos. Uno se queda con ganas de cerrar el ciclo y espera con impaciencia que este escenario lo acoja pronto. Es importante apreciar el directo y tener oportunidades para hacerlo, pero sobre todo es imprescindible que nuestros oídos se llenen de música para entender muchas cosas de la historia de la música, y de la cultura... y del hombre, en definitiva.

“El Oro del F.I.S.”

2005-08-01T09:58:00.000Z

Reconozco que el título de este comentario crítico estaba en mi cabeza antes de sentarme en la Sala Argenta para presenciar la wagneriana inauguración de la 54 Edición del Festival Internacional de Santander, pero no puedo evitar –¡Cabrera Infante que estás en los cielos! - mi gusto por los juegos de palabras de este tipo.

La apuesta del Festival, nuevamente, ha sido fuerte y arriesgada considerando lo que supone programar la mitad primera de la Tetralogía del anillo en una versión –la única que puede acoger el escenario del Palacio de Festivales- con la orquesta sobre las tablas y la escena a medio gas. Pero en su comienzo el pasado domingo con El Oro del Rin, ya les hablaremos de su continuación, el aspecto musical nos ha sobrado y bastado para admirar esta producción y su escena nos ha dado más de un argumento para distanciarnos un poco.

Empezamos con la música, y con una sobrecogedora orquesta que sonó muy bien controlada y sin ningún desmán dinámico, bajo la batuta del también director escénico Gustav Kuhn. Habría sido muy fácil epatar a la audiencia con el torrente de sonido capaz de ser emitido por la que sea, tal vez, la orquesta más numerosa que ha pisado la Argenta. El control del volumen era, por otra parte, indispensable y mediatizado por la ubicación de los propios músicos, tras las voces solistas y ante nosotros. Como les digo, la cuestión del equilibrio fue salvada y hábilmente utilizada por Kuhm y un reparto igualmente equilibrado en la calidad y categoría vocal.

Dentro de ese lote de intérpretes que venía presentado como los solistas de la academia de Montegral recibimos, además del mencionado equilibrio de nivel, algunos registros de esos grandes y rotundos tan necesarios para la música de Wagner junto a otros que nos hablan de la dificultad existente a día de hoy para hallar “buenas voces wagnerianas”, o tal vez mejore decir “voces capaces de cumplir con sus exigencias”. Quedándonos con lo mejor es indispensable acudir a dos bajos, pilares de esta producción y que si tuviéramos medidores de aplausos en sala nos confirmarían que fueron los que más calor recibieron del público. Les hablamos de Thomas Gazheli, Alberich en esta ocasión y de Xiaoliang Li, uno de los dos gigantes constructores del Walhal. Desde su potencia y asentada presencia en escena –y no les hablamos de gritos- ambos supieron y pudieron dominar roles grandiosos y mitológicos por argumento y por historia de la propia ópera. Wotan y Fricka, Duccio dal Monte y Martina Tomcic quedaron un paso por detrás de lo esperado, con un punto más de discreción sonora que la manifestada por sus compañero. Elegancia y nuevas presencias en dos de las tres voces de las ondinas del Rín.

Si miramos a la escena es preciso asimilar que se trata de una suerte de ópera en concierto con el concepto escénico algo más desarrollado. No tanto por la actitud de los intérpretes, entregados al drama, sino por el desarrollo de la misma. He de manifestar cierto grado de confusión en el tratamiento de algunas escena y, sobre todo, en el concepto más general de esta visión “posibilista” –al menos para muchos escenarios- de la Tetralogía. “Se hace lo que se puede” para en un breve espacio de escena pueda desarrollarse un gran drama, por eso los personajes visten al estilo americano de las películas de Brooklyn y los elementos de atrezzo son mínimos e indispensables. De este punto se pasa a lo “simpático” que es entender a los “gigantes” constructores del Walhal como jugadores de baseball o jockey sobre hielo y al cercano ridículo de presentarnos a Donner, Dios de la Tormenta, como un chándal brillante y llamando al relámpago con un martillo... de los de las olimpiadas. Ciertamente el Walhal de esta propuesta ha acudido al deporte como elemento inspirador de dioses y divinidades. Tampoco fue muy afortunado, y distanció realmente al espectador del drama, el extraño -¿ridículo?- dibujo de la serpiente en la que se trasformó Alberich, el oro del Rín cuando esconde, que no cubre, a Freia o la jabalina que presidía, inerte en el cielo, las escenas de las alturas.

Pero todo esto se corrige si retomamos lo dicho en el párrafo anterior párrafo y emprendemos de nuevo nuestra percepción de esta ópera como una manifestación en concierto un poco más desarrollada. La visión está firmada por el director de la orquesta, ya citado Gustav Kuhn, uno de los pocos casos en los que, imaginamos no hay disputa entre escena y música. Y evidentemente aquí, en la eterna disputa entre música y escena, ganó la música. Afortunadamente para todos, en serio.

“El público que tenemos y el que no”

2005-07-20T10:00:00.000Z

El Encuentro de Música y Academia ha asentado definitivamente, en esta quinta edición, su estructura de trabajo y conciertos en torno a la música de cámara. Pero este primer lustro de vida ha conseguido también asegurar un público fiel que ha acudido, en masa, a todas las propuestas del mismo. Tal vez el concierto de la Sala Pereda del pasado lunes fue un ejemplo paradigmático de lo que les digo, llenando el aforo de la misma de un personal entregado, apasionado y conocedor de lo que se les estaba ofreciendo.

Una de las características de este público, diferente al de otros escenarios, ciclos y propuestas, radica en la asistencia de los propios alumnos del Encuentro a apoyar y vitorear a sus compañeros. Una “emoción joven” que ha hecho que los aplausos fueran más calurosos que nunca y la entrega, realmente incondicional. Es emocionante escuchar sus gritos de ánimo y compartir los asientos con virtuosos y estudiantes de música, por lo que tienen de “público experto” y por lo que tienen de “músicos en formación”, también como público.

Una característica que, aunque les pueda sonar extraño, no siempre sucede en nuestros escenarios. Son raros y pocos los estudiantes y/o profesores de música que acuden con regularidad a los conciertos de música culta que, de pago o gratuitos, se programan en nuestra ciudad a lo largo del año. Ni durante el curso ni ahora que ya es verano. Y se les echa en falta por que, quien les escribe, cree que en la formación del músico debiera estar presente la propia música y la que hacen otros. Por conocerla y respetarla, por criticarla, por saber lo que se hace bien o mal, por crear un criterio propio y, sobre todo, por creer en lo que se está estudiando. Tal vez esa sea una de las lecciones de los alumnos del Encuentro, que saben ser público de sus colegas.

“Por aclamación popular”

2005-07-18T10:01:00.000Z

La Orquesta Sinfónica del Encuentro volvió a unirse el pasado fin de semana para, en su vida breve como la de algunas especies naturales –fascinantes y muy bellas en su brevedad-, ofrecer dos conciertos. El sábado en el Palacio de Festivales y el domingo en la Iglesia de Santa María de Laredo, una cita sinfónica que ya se está convirtiendo en auténtica tradición.

Peter Csaba fue en esta ocasión el director de la agrupación de estudiantes del V Encuentro de Música y Academia, tras la participación de Ashkenazy en la jornada inaugural al frente de la misma y el capítulo que nos espera de clausura el próximo jueves 21, esta vez con la batuta de Frans Helmerson dirigiendo el Ensemble de Cuerda del Encuentro. Nuevamente hemos de decir, sobre la cita de este fin de semana, que el sonido logrado fue ser sencillamente increíble contando con las características particulares de este grupo. Músicos jóvenes imbuidos en una actividad lectiva, con multitud de conciertos de música de cámara de los que son ejecutantes y que en apenas unos días sacan adelante un repertorio como el escuchado en la Argenta la noche del Sábado.
Es necesario destacar, además, la hermosa, potente y bien empleada voz de la soprano Iwona Sobotka en el ‘Exultate jubilate’ mozartiano que cerró la primera mitad de la velada. Csaba, además de su dirección musical, nos ofreció también un arreglo sobre el ‘Capricho para sexteto de cuerda, op. 85’ de Strauss en un ejercicio de lenguaje orquestal denso, pesado –en el buen sentido de la palabra: macizo y contundente- que si bien nos recordaba al postmalherianismo al que pertenece también lo hacia a la ‘Verklärte Nacht’ de Schoenberg, orquestada por el propio autor e igualmente procedente de un sexteto de cuerda.

La ‘Sinfonietta’ de Ernesto Halffter, en el centenario de su nacimiento y el ochenta aniversario de la composición de la misma fue interpretada enérgicamente –como no podía ser de otra forma- y gustó a un público que, como bien saben, sigue llenando las citas diarias del Encuentro en Santander.

Aprovechando estas líneas, y a pesar de que hace una semana les confiaba que no quería hacer crítica en un sentido habitual sobre alumnos del encuentro en particular, he de destacar el dúo de pianos de los hermanos Luis y Víctor del Valle que, con La Valse de Ravel, superaron la “barrera del sonido” logrando tímbricas mágicas en una obra espectacular en sí misma. Tanto fue así y así lo quiso el público, que se vieron en la necesidad de hacer un bis, el primero de los que veo en este encuentro y justamente otorgado por aclamación popular.

“Mitomanía”

2005-07-14T10:01:00.000Z

Permitan que confiese que siento cierta debilidad hacia los mitos. Pero hacia los de carne y hueso. No les voy a contar que soy un apasionado de ninguna estrella del balompié –perdón, se dice fútbol, ¿verdad?-, ni que sería capaz de pagar miles de euros por un pedazo de bocadillo mordido por uno de los Beattles. Pero he de decirles que siento cierto escalofrío y ganas de “saber más” cuando por ejemplo, gracias a estas columnas y a los concierto a los que me conducen, conozco a músicos que han compartido escena y experiencia con los grandes intérpretes del siglo XX. Que han sido dirigidos por Karajan o Abado, que han estudiado con Rostropovich o que acaban de interpretar una ópera bajo la batuta de Harnoncourt. También me sucede lo mismo cuando descubro que uno de los violines del escenario tiene casi tres siglos de vida o que aquel otro violoncello es un Stradivarius, entonces trato de imaginar su vida como aquella película de Francois Girard, ‘El violín rojo’.

Todo esto me sucede, extraordinariamente, estos días en el Encuentro de Música y Academia. Los maestros de este particular “seminario” son algunos de los más grandes tal vez porque han aprendido de los mejores. Y puede que por eso sus alumnos sean también grandes por estar estudiando junto a ellos. Esto de la música práctica tiene mucho de árbol en una estructura que crece y se ramifica y para el aficionado, como yo, es todo un placer “escuchar” el sonido del tiempo en sus ramas. Mirar los orígenes sin despreciar los brotes más frescos, conocer a sus artífices y entender que nuestra tradición musical arranca desde bien lejos pero que está perfectamente articulada. Y si desde un profesor de oboe llegamos hasta Karajan, tal vez podamos seguir remontándonos quien sabe, hasta Bruno Walter, Bernhard Paumgartner, Gustav Malher, Anton Bruckner, Simon Sechter, Schubert... Que árbol más hermoso, ¿verdad?

La cercanía de profesores y alumnos, como público y como protagonistas, de este encuentro nos permite “formar un poco en parte” de alguna de sus ramas. Tal ver de las que están caídas en el suelo y miran hacia arriba, al escenario. Dentro de unos años muchos de los alumnos que estos días navegan ofreciendo conciertos en toda Cantabria serán los protagonistas de la llamada música culta. Seguro que entonces seguiré sintiendo esa mitomanía, por haberles escuchado cuando empezaban. Y no porque dieran patadas a un balón o porque mordieran un bocadillo, sino porque hacían la música que llegó a sus manos desde el pasado. La que “tenía” que llegar a sus manos para que, finalmente, estuviera en nuestros oídos.

“Work in progress”

2005-07-12T10:02:00.000Z

El V Encuentro de Música y Academia nos está, un año más, mal acostumbrando; o mejor dicho: bien acostumbrando. Porque no hay mejor costumbre que la de escuchar, cada noche, un concierto de música culta en manos de jóvenes intérpretes. Obras de primera categoría con músicos que no lo son menos son condiciones que hacen de la “cita diaria” una auténtica delicia.

Me resisto, de todas las formas, a abordar el ejercicio crítico desde un punto de vista igualmente diario. Por justicia, puesto que en muchos casos los alumnos del Encuentro, nos presenta el fruto de un trabajo realizado estos días en nuestra ciudad, una especie de “work in progress” de que tenemos la suerte de ser partícipes como espectadores, de sus progresos si me permiten la repetición. Contemplar y comentar lo mejor de cada actuación es, a buen seguro, un placer. Pero poner pegas a este tipo de trabajo, en igualdad de condiciones a otro tipo de propuestas, no me parecería justo.

Clarificado este punto y compendiando los resultados de los últimos días, es preciso resaltar lo increíbles que siguen resultando muchos de estos conciertos. Por lo que uno sabe y por lo que desconoce. Un ejemplo en el trío para piano y cuerdas número 1 en si mayor de Brahms que escuchamos en la Sala Pereda el pasado lunes a cargo de Anastasiya Pylatyuk, István Várdai y David Kadouch. Cualquier oído, experto o no, estará conmigo en que la cosa sonaba como si los tres músicos llevaran juntos, como formación, toda la vida. El control del discurso, el empaste conjunto, la fuerza arrebatadora de los tres como unidad o el diálogo de sus partes fueron una madura experiencia con este Brahms tan hermoso. Y resulto que no era así, que unos días antes la obra era un proyecto para todos ellos y que lo que vimos –lo que escuchamos- fue sencillamente eso: trabajo de unos días. Un sorprendente “work in progress” del que ahora estamos teniendo noticia en forma de conciertos pero del que, seguro, el futuro será otro tipo de certificado en formaciones de cámara, entonces seguramente estables, que crezcan desde aquí. Estos alumnos que ahora se están conociendo y que culminan su formación con el comienzo de sus carreras. Toda la vida y toda la música por delante. Y nosotros viendo este principio.

“Estreno... de madera”

2005-07-06T10:03:00.000Z

Si el pasado domingo arrancaba de forma oficial el V Encuentro de Música y Academia con la Orquesta Sinfónica que dirigió Ashkenazy, el lunes pudimos presenciar el comienzo, en Santander, de los conciertos de música de cámara protagonizados por alumnos de este encuentro. Los Lunes Clásicos, cita veterana que organiza la UIMP en el mes de julio, arrancó estas jornadas y la Sala Pereda del Palacio de Festivales tuvo en la noche del martes un particular estreno.

No hablamos en sí del concierto como actividad musical sino de la nueva concha acústica creada para la Pereda y que equipara las capacidades sonoras –que no de espacio, lógicamente- con su hermana mayor, la Argenta. La mejora acústica es fácilmente perceptible en una sala recogida como es la Pereda. El sonido antes llegaba muy bien y ahora ha mejorado en cercanía, pero lo más espectacular e impactante es el cambio de aspecto experimentado por el escenario. Las líneas de fuga que delimitan el cajón de madera ordenan la visión y crean un escenario que parece más grande que lo que siempre ha sido. Al comienzo –permítanme la broma- parecía que iban aparecer músicos pequeñitos, como si el escenario de la Argenta se hubiera reducido de tamaño, acostumbrados como estamos al espacio acústico –y visual- del escenario de mayor tamaño.

Se equipa de esta forma con una nueva infraestructura al Palacio de Festivales. No sabemos si era realmente indispensable, pero que desde luego va ser muy útil en los meses estivales en los que la actividad de música de cámara se multiplica en ese escenario. ¿Para el resto del año? Ojalá su uso sea extensible a otras propuestas que amorticen el trabajo y la inversión y que, sobre todo, nos ofrezcan nuevas citas con la música en las mejores condiciones.

“El ‘zapateado’ de Ashkenazy”

2005-07-04T10:03:00.000Z

No señores, no me estoy confundiendo ni de artista ni de espectáculo. Les hablo de la jornada inaugural del V Encuentro de Música y Academia de Santander y de la presencia de Vladimir Ashkenazy al frente de la Orquesta Sinfónica del Encuentro en la velada del pasado domingo. Y para ser más precisos, les hablo del “aplauso con los piés” –me cuesta emplear el término ‘pateo’ en este caso- que los jóvenes músicos tributaron al maestro al tiempo que también era aplaudido desde el público. Un emocionante momento que puede servirnos como resumen de las intenciones de este encuentro al tiempo que compendiar un noche muy redonda de música y, como no, academia: la de Ashkenazy.

Dos horas antes de los aplausos, y las rosas para los músicos, había comenzado el concierto con el aperitivo de la Obertura de Don Giovanni de W.A Mozart como principio. Es una buena costumbre esta que, en los último años, nos ofrece la Fundación Albéniz: comenzar su encuentro estival con la formación –casi por el arte de ‘birli briloque’- de una orquesta sinfónica que suena a las mil maravillas. Con Don Giovanni empezamos a entender que todo había vuelto a funcionar, a pesar de encontrar una sonoridad algo densa y oscura, el empaste y la musicalidad ya estaban presente en la sala. El brillo apareció poco después, con las manos del maestro Ashkenazy volando sobre el teclado y los del ‘Encuentro’ arrebatadoramente entregados al Concierto número 9 de Mozart.

Y esa misma energía, buen sonido y coherencia musical fue lo que perduró a lo largo y ancho de la Sinfonía número uno de Brahms, una obra densa y que permitió explorar y explotar las características de esta orquesta, o tal vez mejor decir del conjunto de sus miembros en una torrencial demostración de capacidades. Los últimos acordes del cuarto movimiento, perfectamente articulados, arrancando al silencio y al vacío el eco de su presencia inmediatamente anterior nos pusieron los pelos de punta. Después ya saben lo que sucedió, se lo decía al principio: rosas y aplausos, y un zapateado que puso al propio Ashkenazy a bailar al son de sus músicos. La ocasión lo merecía y el primer ‘encuentro’ con este ‘encuentro’ –permítanme la redundancia- fue inmerjoable.

“Fuegos antes de los fuegos”

2005-06-30T10:04:00.000Z

Los actos de celebración del 250 Aniversario de la Ciudad de Santander incluyeron, en la noche de Fuegos Artificiales del pasado miércoles, un concierto no menos espectacular y luminoso. Se trató de la puesta de largo de la obra ganadora del concurso convocado el pasado año con motivo de la conmemoración que ahora celebramos. El ganador, el compositor madrileño Manuel Martínez Burgos, nos ofreció su ‘Sidón Ibera, para coro mixto y orquesta’ a cargo de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León y de las voces del Coro Lírico Cantabria.

La primer parte de este encuentro se abrió con el ‘Poema concertante para violín y orquesta’ de Xavier Montsalvatge, una obra romántica en su concepto y virtuosa en un desarrollo técnico encomendado a Ara Malikián, intérprete libanés que superó sin problemas las dificultades impuestas por la obra. Pero el momento esperado de la noche llegó después del virtuosismos con la obra de estreno. Se trata de una pieza “de concurso”, que amortiza los recursos de la gran orquesta, y del gran coro, en pasajes que se ensamblan aludiendo, en su técnica y contenido, a los grandes orquestadotes del pasado siglo: Orf, Stravinsky, Prokofiev... aparecieron en espíritu en un engranaje que trasformaba los nombre que Santander ha tenido en momento que lograron ser muy emocionantes.

El mayor cúmulo emotivo de la noche nos lo dio el Coro Lírico de Cantabria, que firmó intervenciones plenas de sonido, potentes a pesar de “enfrentar” su aliento al de casi un centenar de músicos y musicalmente impeclabes. Al servicio de la partitura ideada por Martínez Burgos, el Coro supo asentarse en escena con la firmeza de cualquier formación profesional, con empuje y personalidad propia y, sobre todo, con sonido, mucho sonido. Es todo un placer y, cada vez más frecuente, un elemento de calidad, la presencia de esta agrupación en una propuesta musical. Una pena que, como decimos siempre y no nos cansaremos de repetir, sin “poder” ser profesionales y sin tener una orquesta, también de Cantabria, que los secunde.

La segunda mitad estuvo integrada por la Sinfonía Nº 8 de Dvorák, hermoso ejercicio orquestal con momentos de gran lirismo. Los de Castilla y León tuvieron aquí su espacio para el lucimiento y lo hicieron, a pesar de algún solista, con momentos de gran empasta y un control de la masa sonora –que era grande- absoluto por parte de Alejandro Posada.

Después, noche de fuegos, que siguió a la traca más potente de la noche. El atrevimiento –que no osadía- del Coro Lírico y de su director, Esteban Sanz, para hacer lo que se les ponga delante. Como se comentaba a la salida del concierto: menudos...

“Kennedy prodigioso”

2005-06-15T10:04:00.000Z

La prodigiosa técnica y el carácter trasgresor, extramusicalmente hablando, del violinista Nigel Kennedy cerró la actividad musical del Palacio de Festivales en este curso 2004/2005. Los comentarios del público, entre pasillos y a la salida del concierto, ya calificaban este recital como “el mejor del año” o “uno de los mejores jamás escuchados en este escenario”, y ciertamente lo que pudimos presenciar fue algo más que un encuentro con la música de Vivaldi, al menos fue muy distinto a lo que, hoy en día, se puede esperar a priori en esta suerte de propuestas.

Es bueno sentir el aire fresco de un musicazo de la categoría de Kennedy. Es bueno al mismo tiempo que necesario, actualizar los modos y las maneras de entender la celebración de la música en directo cuando se trata de clásica. No es exagerado decir que el público de la clásica cada vez es menor, o al menos que se trata de un público con poca gente joven entre sus filas. Tampoco exagero si les escribo que pocos son los alumnos –y aún peor- profesores de los conservatorio y escuelas de música de nuestro entorno que acuden regularmente a conciertos de música clásica. Pero el pasado sábado hubo de todo: profesores, alumnos y muchos jóvenes que, animados por la fama del singular violinista británico, acudieron a la cita de la Sala Argenta.

Y lo que allí obtuvieron fue, ni más ni menos, que un torrente vital de energía y buena música. Virtuosismo, velocidad y buen humor por parte del solista e, indudablemente, el apoyo y la entrega –siempre al borde del abismo- de la Polish Chamber Orchestra, que no sólo mantuvo un nivel instrumental de excepción en todo momento, sino que accedió al jugo transgresor de su director y solista. Un riesgo que pocas formaciones suelen correr y que, en este caso, es imprescindible para dar el marco idóneo a las dotes interpretativas de Kennedy.

El espectáculo fue fabuloso, el sonido impecable casi en todo momento, pero no conviene confundir los fuegos de artificio con la categoría musical. Vimos un gran concierto y lo pasamos realmente bien, una noche inolvidable ciertamente. Pero no “lo mejor jamás escuchado”. Necesitamos este tipo de propuesta para acercarnos –acercar al gran público- a estas y otras muchas que son también fabulosas, como la Pasión que nos visitó hace unos meses, como mucha música de cámara, como el sonido de la orquesta que aún no tenemos...